Trumpa Rembrandto ir jo darbų biografija. Žymiausi Rembrandto kūriniai

Jo paveikslus galima pamatyti daugelyje pasaulio muziejų, šiandien jis žinomas kiekvienam Žemės žmogui. Baimė ir džiaugsmas, nuostaba ir pasipiktinimas jo darbuose atsispindi taip natūraliai, kad neįmanoma jais netikėti. Laukinis populiarumas, tragiškas likimas ir liūdnas gyvenimo nuosmukis vis dar išlieka paskalų ir filosofinių samprotavimų priežastimi.

Jaunimas

Menininkas Rembrandtas gimė kepėjo šeimoje 1606 metais Olandijos Leideno mieste, esančiame ant Reino kranto. Labai anksti pajuto meninį talentą. Kelerius metus pasimokęs namuose jaunuolis išvyko į Amsterdamą mokytis pas garsųjį dailininką Lastmaną. Mokymai truko neilgai, ir būdamas 19 metų Rembrantas grįžo į Leideną. Tuo metu jis tapė savo šeimos ir draugų portretus, taip pat daug dėmesio skyrė autoportretams. Iki šių dienų išliko daug autoriaus darbų, kuriuose jis save vaizduoja įvairiais vaizdais.

Išpažintis

Vieną dieną trokštantis menininkas gauna puikų užsakymą iš Chirurgų gildijos. Taip atsiranda kūrinys „Anatomijos pamoka“. Paveikslas atneša Rembrandtui pripažinimą. Jis iš karto gauna daugiau nei penkiasdešimt užsakymų už didikų ir Amsterdamo aukštuomenės portretus. Kartu su populiarumu auga ir meistro savijauta. Jis pradeda kolekcionuoti antikvarinius daiktus ir laikotarpio kostiumus. Jis nusiperka prabangų namą, kurį užpildo išskirtiniais senoviniais baldais ir meno objektais.

Saskia

Būdamas 28 metų Rembrantas, kurio paveikslai vis labiau populiarėjo, vedė turtingą merginą Saskią. Jis vedė iš meilės ir ne tik taupė, bet ir padidino mylimosios kapitalą. Rembrantas dievino savo žmoną, savo darbuose dažnai ją įvairiai vaizduodamas. Viename garsiausių dailininko paveikslų „Autoportretas su Saskija“ pavaizduotas laimingas Rembrantas su savo jauna žmona. Tuo pat metu menininkas gavo užsakymą Biblijos siužeto kūrinių serijai. Taip atsiranda Rembrandto paveikslai pavadinimais „Abraomo auka“ ir „Belšacaro šventė“. Vienas garsiausių meistro darbų „Danae“ taip pat datuojamas šiuo laikotarpiu. Paveikslas menininko kelis kartus perrašytas ir turi keletą originalių versijų.

Gyvenimo saulėlydis

Menininko nerūpestingas laikas truko neilgai. Ne visiems patiko Rembrandto maniera vaizduoti žmogų tokį, koks jis yra. Nutažius paveikslą „Nakties sargyba“, kilo neįtikėtinas skandalas. Ant drobės pasirodė nepažįstami žmonės. Galbūt priežastis buvo ta, kad įpusėjus darbui nuo tuberkuliozės miršta jo mylimoji Saskia. Nuotraukoje kartu su lankininkų figūromis matosi merginos siluetas, taip primenantis meistro žmoną. Autoriaus populiarumas pradeda mažėti. Naujų užsakymų beveik nėra. Netekęs namų ir viso turto, Rembrantas, kurio paveikslai įgauna naują, filosofinę prasmę, ima vaizduoti paprastus žmones ir savo artimuosius. Jis daug rašo apie savo sūnų, taip pat apie žmones, kurie jį supa paskutiniais jo gyvenimo metais. Tuo metu gimė Rembrandto paveikslai pavadinimais „Senio portretas raudonai“, „Skaitančio Tito sūnaus portretas“ ir kiti kūriniai. Jo gyvenimo pabaigoje iš šeimininko rašiklio pasirodo dar vienas šedevras - „Sūnaus palaidūno sugrįžimas“. Šiame paveiksle meistras vaizduoja save kaip amžiną klajūną, priverstą klaidžioti sunkiais besikeičiančios šlovės keliais. 1969 m., palaidojęs sūnų ir jo nuotaką, pats Rembrantas miršta, visam laikui palikęs savo kūrybinį pėdsaką šiame pasaulyje. Šiandien menininko paveikslai užima garbingą vietą bet kuriame didesniame pasaulio muziejuje.

Labiausiai Rembrandtas. „Anatomijos pamoka“ (1632 m.)

Šis paveikslas yra pirmasis didelis Rembrandto užsakymas, kurį gavo persikėlus į Amsterdamą. Drobėje pavaizduotas daktaro Tulpo atliktas skrodimas. Gydytojas žnyplėmis laiko rankų sausgysles, mokiniams rodydamas, kaip linksta pirštai. Tokie grupiniai portretai tuo metu buvo labai populiarūs tarp gydytojų gildijų. Tiesa, kaip taisyklė, grupės nariai jiems pozavo, sėdėdami iš eilės. Rembrantas, kurio paveikslai išsiskyrė natūralumu ir tikroviškumu, studentus vaizdavo uždarame rate, atidžiai klausydamas daktaro Tulpo žodžių. Išblyškę veidai ir pats lavonas išryškėja kaip ryškios šviesos dėmės niūriame ir tamsiame paveikslo fone. Kūrinys atnešė Rembrandtui pirmąjį populiarumą, po kurio autoriui neįtikėtinu greičiu pasipylė užsakymai.

„Autoportretas su Saskija“ (1635)

Per savo gyvenimą Rembrantas nutapė neįtikėtinai daug autoportretų. Šis paveikslas yra vienas garsiausių. Tai vaizduoja, kaip menininkas džiaugiasi laime, kai turi savo mylimąją. Emocinė tapytojo būsena atsispindi atvirame veikėjų žvilgsnyje, švytinčiame Rembrandto veide, tarsi užspringstančiame iš laimės ir gerovės. Tačiau portrete slypi ir paslėpta provokacija: juk menininkas save vaizduoja to paties „sūnaus palaidūno“, vaišinančio su eiline kurtizane, atvaizde. Kaip labai skiriasi šio autoportreto „sūnus palaidūnas“ nuo to, kurį žiūrovai žino iš to paties pavadinimo paveikslo!

„Danae“ (1636 m.)

Žymiausi Rembrandto paveikslai. Jis buvo parašytas remiantis Persėjo motinos Danaė mitu. Pasak legendos, mergaitės tėvas sužinojo, kad mirs nuo savo dukters sūnaus, ir įkalino ją požemyje. Dzeusas į kalinį pateko aukso lietaus pavidalu, po kurio gimė Persėjas. Paveikslas traukia neįprastu koloritu, būdingu dailininko kūrybai. Centre – nuoga moteris, kurios kūną apšviečia ryški saulės šviesa. Šiame paveiksle Rembrantas, kurio paveiksluose dažnai vaizduojami jam artimi žmonės, užfiksavo savo mylimos žmonos Saskia atvaizdą. Angelo atvaizdas buvo pridėtas po jo žmonos mirties. Atrodo, kad jis vis verkia dėl mirusiojo likimo. Rembrantas ilgą laiką perrašė savo mėgstamą kūrinį, keisdamas paveikslo nuotaiką pagal savo jausmus. Blizgančių tonų ir auksinių akcentų derinys stebina savo rafinuotumu ir puošnumu.

Paveikslo likimas stebina ir dramatiškas, kaip ir paties dailininko gyvenimo istorija. Po autoriaus mirties šedevras pakeitė daugybę savininkų. Įsigijus Jekaterinos II kūrinį, „Danae“ užėmė vietą garsiojoje Ermitažo kolekcijoje. 1985 m. muziejuje įvyko nemalonus incidentas, kuris beveik atėmė iš pasaulio galimybę apmąstyti Rembrandto kūrybą. Vienas beprotis priėjo prie paveikslo ir apipylė jį rūgštimi. Dažai iškart pradėjo burbuliuoti. Tačiau ir to užpuolikui nepakako: jis spėjo drobėje peiliu padaryti porą pjūvių, kol buvo sustabdytas. Žala paveikė apie 30% šedevro. Maniakas pasirodė kažkoks Bronius Maigis, vėliau 6 metus praleidęs psichiatrijos klinikoje. Paveikslo restauravimas truko 12 metų. Dabar jis eksponuojamas Ermitaže, saugantis šedevrą nuo vandalų. Dar vienas įdomus faktas. Meno kūrinys ir jo reprodukcijos dažnai rodomi filmuose. Pavyzdžiui, „Danae“ pasirodo serijoje „Gangsteris Peterburgas“ kaip Rembrandto paveikslas „Egina“.

„Nakties sargyba“ (1642 m.)

Paveikslą Rembrandtui užsakė pėstininkų divizijos vadovas. Drobėje pavaizduota milicijos kuopa, kuri vyksta į kampaniją. Muškietininkai, skatinami būgnų plakimo, vaizduojami kartu su įvairaus socialinio statuso ir amžiaus kariais, pasiruošę kovai. Visus juos vienija vyriškumas ir patriotinis polėkis. Kūrinys išsiskiria kruopštumu piešiant visus vaizdus ir detales. Rembrandto paveikslas „Nakties sargyba“ žiūrovams sukelia visišką visko, kas vyksta, tikrovės pojūtį. Autorius stengėsi ne tik parodyti išorinius visų veikėjų bruožus, bet ir atskleisti kiekvieno kario vidinį pasaulį. Paveikslo apoteozė yra triumfo arka - praeities sėkmės simbolis ir naujos šlovingos pergalės pranašas. Spalvingų spalvų (aukso, juodos ir geltonos) pagalba žiūrovas atskleidžia kariškių nuotaikų energiją, dramą ir iškilmingumą. Kiekvieno veikėjo charakteris ir likimas yra įskaitomi garsaus menininko teptuko dėka.

Yra daug versijų apie merginą, pavaizduotą beveik paveikslo centre. Iš visų kitų ji skiriasi ryškiomis spalvomis ir angeliška išvaizda. Galbūt tai yra koks nors milicijos talismanas. Pagal kitą versiją, mergina yra autoriaus mylimos žmonos, kuri tapybos viduryje išvyko į kitą pasaulį, įvaizdis. Kaip žinia, darbas nepatiko užsakovams. Nusipirkę paveikslą, jie barbariškai supjaustė drobę ir pakabino pokylių salėje.

„Sūnaus palaidūno sugrįžimas“ (1666–1669)

Rembrandto paveikslas „Sūnaus palaidūno sugrįžimas“ yra viena ryškiausių garsaus menininko kūrybos viršūnių. Ji buvo parašyta paskutiniais meistro gyvenimo metais. Tai laikas, kai jis buvo labai senas ir silpnas, stokojantis ir alkanas. Sūnaus palaidūno tema ne kartą pasirodė menininko kūryboje. Šis kūrinys – tai pabaiga, apibendrinimas ilgamečių garsaus autoriaus kūrybinių klajonių. Paveikslas spinduliuoja visa Rembrandto paletės šiluma ir gyliu. Mirgančios spalvos ir grakštus šviesos bei šešėlių žaismas išryškina pagrindinių veikėjų įvaizdžius. Garbingojo senolio ir jo sūnaus palaidūno pasirodymas išreiškia daugybę skirtingų jausmų: atgailą ir meilę, gailestingumą ir pavėluoto įžvalgumo kartėlį. Pasak meno kritikų, „Sugrįžimas“ atskleidė visą tapytojo psichologinį talentą. Visą sukauptą kūrybinę patirtį, visą aistrą, visą įkvėpimą jis įdėjo į savo smegenis.

Išvada

Sunku net įsivaizduoti, kaip Rembrantas pavaizdavo šiame straipsnyje pateiktus. Kiek metų praėjo nuo jų sukūrimo, kiek suodžių nuo lajaus žvakių jas padengė per tris istorijos šimtmečius! Galime tik spėlioti, kaip jie atrodė per savo gimtadienius. Tuo tarpu iki šių dienų milijonai garsaus tapytojo talento gerbėjų įvairiuose pasaulio muziejuose atvyksta pasižiūrėti į jo šedevrus.

Rembrandtas Harmensas van Rijnas (1606–1669) buvo olandų tapytojas, braižytojas ir raižytojas. Kūrybiškumas yra persmelktas troškimo giliai, filosofiškai suvokti tikrovę ir vidinį žmogaus pasaulį su visu jo dvasinių patirčių turtingumu.

Realistiška ir humanistinė savo esme žymėjo XVII amžiaus olandų meno raidos viršūnę, įkūnijančią aukštus moralinius idealus, tikėjimą paprastų žmonių grožiu ir orumu ryškiai individualia ir tobula menine forma.

Rembrantas. Piešinys „Nuovelės po dangumi, pranašaujančios audrą“ (1635)

Rembrandto meninis paveldas išsiskiria išskirtine įvairove: portretai, natiurmortai, peizažai, žanrinės scenos, paveikslai bibline, mitologine ir istorine tematika. Rembrandtas buvo neprilygstamas piešimo meistras ir...

Rembrantas. Ofortas „Malūnas“ (1641)

Būsimasis didis menininkas gimė malūnininko šeimoje. 1620 m. trumpai pasimokęs Leideno universitete, jis atsidėjo menui. Mokėsi tapybos pas J. van Swanenburchą Leidene (1620 - 1623 m.) ir P. Lastmaną Amsterdame 1623 m. 1625–1631 m. dirbo Leidene. Lastmano įtakos menininko kūrybai pavyzdys yra paveikslas " Muzikos alegorija“, nutapytas Rembrandto 1626 m.

Rembrandtas „Muzikos alegorija“

paveiksluose" apaštalas Paulius„(1629–1630) ir“ Simeonas šventykloje"(1631) Rembrandtas pirmasis panaudojo chiaroscuro kaip priemonę vaizdų dvasingumui ir emociniam išraiškingumui sustiprinti.

Rembrantas „Apaštalas Paulius“

Tais pačiais metais Rembrandtas sunkiai dirbo kurdamas portretą, tyrinėdamas žmogaus veido išraiškas. Menininko kūrybiniai ieškojimai šiuo laikotarpiu išreiškiami autoportretų ir menininko šeimos narių portretų serijomis. Taip Rembrandtas save pavaizdavo būdamas 23 metų.

Rembrandtas „Autoportretas“

1632 metais Rembrantas persikėlė į Amsterdamą, kur netrukus vedė turtingą patriciją Saskią van Uylenbruch. 17-ojo amžiaus 30-ieji menininkui buvo šeimos laimės ir didžiulės meninės sėkmės metai. Paveiksle pavaizduota šeimos pora“ Sūnus palaidūnas smuklėje“ (1635 m.).

Rembrandtas „Sūnus palaidūnas smuklėje“ (1635)

Tuo pačiu metu menininkas piešia drobę" Kristus per audrą Galilėjos ežere“ (1633 m.). Paveikslas išskirtinis tuo, kad tai vienintelis menininko jūros peizažas.

Rembrandtas „Kristus per audrą Galilėjos jūroje“

Tapyba" Dr. Tulpa anatomijos pamoka„(1632 m.), kuriame menininkas grupinio portreto problemą išsprendė naujai, suteikdamas kompozicijai gyvybiškai lengvumo, o vienu veiksmu sujungdamas portreto žmones, atnešė Rembrandtui plačią šlovę. Jis gavo daug užsakymų, jo dirbtuvėse dirbo daug studentų.

Rembrandtas „Daktaro Tulpo anatomijos pamoka“

Užsakytuose turtingų miestiečių portretuose menininkė kruopščiai perteikė veido bruožus, smulkiausias drabužių detales, prabangių papuošalų blizgesį. Tai galima pamatyti ant drobės" Burgrave portretas“, parašyta 1633 m. Tuo pačiu metu modeliai dažnai pasižymėjo tinkamomis socialinėmis savybėmis.

Rembrandtas „Burgreivo portretas“

Jo autoportretai ir artimų žmonių portretai yra laisvesni ir įvairesni savo kompozicija:

• » Autoportretas“, parašyta 1634 m. Šiuo metu paveikslas eksponuojamas Luvre.

Rembrandtas „Autoportretas“ (1634 m.)

• » Šypsosi Saskia“. Portretas nutapytas 1633 m. Šiandien ji yra Drezdeno meno galerijoje.

Rembrandtas „Besišypsanti Saskia“

Šie kūriniai išsiskiria gyvu kompozicijos spontaniškumu ir pakylėjimu, laisva tapybos maniera, mažorine, šviesia, auksine spalvine gama.

Drąsus iššūkis klasikiniams kanonams ir tradicijoms menininko kūryboje matomas drobės pavyzdyje. Ganimedo pagrobimas“, parašyta 1635 m. Šiuo metu darbas yra Drezdeno dailės galerijoje.

Rembrandtas „Ganimedo išžaginimas“

Paveikslas "Danae"

Monumentali kompozicija buvo ryškus naujų menininko estetinių pažiūrų įkūnijimas. Danae“(parašyta 1636 m.), kurioje jis susiginčija su didžiaisiais Italijos Renesanso meistrais. Menininkas prieštarauja visuotinai pripažintiems vaizdavimo kanonams ir sukūrė gražų paveikslą, kuris peržengė tuometines tikrojo grožio idėjas.

Rembrandtas nutapė nuogą Danae figūrą, nutolusią nuo klasikinių moteriško grožio idealų, drąsiai, realistiškai spontaniškai, o idealų italų meistrų atvaizdų grožį menininkas supriešino su didingu dvasingumo grožiu ir žmogaus intymaus jausmo šiluma. .

Rembrandtas „Danae“ (1636 m.)

Subtilius emocinių išgyvenimų atspalvius tapytojas išreiškė savo paveiksluose“ Dovydas ir Jonatanas"(1642) ir" Šventoji šeima“ (1645 m.). Aukštos kokybės Rembrandto paveikslų reprodukcijos gali būti naudojamos daugelio stilių dekoravimui.

1656 metais Rembrantas buvo paskelbtas nemokiu skolininku ir visas jo turtas parduotas viešame aukcione. Jis buvo priverstas persikelti į Amsterdamo žydų kvartalą, kur praleido likusį gyvenimą.

Rembrandtas „Šventoji šeima“ (1645)

Paveikslas „Sūnaus palaidūno sugrįžimas“.

Paskutiniais jo gyvenimo metais Rembrandtą supo šaltas olandų biurgerių nesusipratimas. Tačiau menininkas ir toliau kūrė. Likus metams iki mirties, jis pradėjo kurti savo nuostabią drobę. Sūnaus palaidūno sugrįžimas“(1668 – 1669), kuriame buvo įkūnytos visos meninės, moralinės ir etinės problemos.

Šiame paveiksle menininkas sukuria daugybę sudėtingų ir gilių žmogiškų jausmų. Pagrindinė paveikslo idėja yra žmogaus supratimo, užuojautos ir atleidimo grožis. Kulminacija, jausmų įtampa ir vėlesnis aistrų išsisprendimo momentas įkūnytas išraiškingose ​​pozose ir šykščiais, lakoniškais tėvo ir sūnaus gestais.

Rembrandtas „Sūnaus palaidūno sugrįžimas“

Rembrandto autoportretas, 1661 m. Aliejus ant drobės, 114x91.
Kenwood House, Londonas, anglų paveldas.
Iliustracija iš svetainės http://rembr.ru/

Rembrandtas, Harmenzas van Rijnas (1606–1669), olandų tapytojas, braižytojas ir raižytojas, vienas didžiausių Vakarų Europos meno meistrų. Gimė Leidene 1606 m. liepos 15 d. turtingo malūnininko šeimoje. 1620 m. įstojo į Leideno universitetą, tačiau ten ilgai neužsibuvo ir netrukus tapo vietinio menininko Jacobo Isaacs Swanenburch mokiniu. Apie 1623 m. persikėlė į Amsterdamą, kur įstojo į Jano Peyno dirbtuves ir studijavo pas istorinės tapybos meistrą Pieter Lastman. Pastarasis supažindino Rembrandtą su italų meno meistrų darbais. Nuo 1625 iki 1631 m. Rembrandtas turėjo savo dirbtuvę Leidene, kartais dirbdamas su dailininku ir gravieriumi Janu Lievensu. Iš Rembrandto mokinių žymiausias yra Gerardas Dou.

1631 m. arba 1632 m. pabaigoje Rembrantas grįžo į Amsterdamą. 1635 m. birželio 22 d. jis vedė Saskia van Uylenburch, turtingo Leuvardeno burmistro dukterį. 1642 m. sėkmė kūryboje ir asmeniniame gyvenime užleido vietą daugybei nelaimių. 1630-ųjų pabaigoje vienas po kito jam gimė keturi vaikai, tačiau visi mirė kūdikystėje, o tada 1642 metų birželio 14 dieną netikėtai mirė jo mylima žmona. Menininkas liko su vienerių metų sūnumi Titu. „Nakties sargyba“ (1642 m., Amsterdamas, Rijksmuseum), baigtas netrukus po Saskia mirties, žymi jo naujų kūrybinių tyrinėjimų pradžią.

1640-ųjų pabaigoje Hendrikje Stoffels tapo neoficialia Rembrandto žmona (pagal Saskijos testamentą antrą kartą jis negalėjo vesti). 1654 metais jiems gimė dukra Kornelija. Tačiau dabar menininką persekiojo finansiniai sunkumai. 1656 m. liepą jis buvo priverstas paskelbti bankrotą, o per ateinančius dvejus metus jo nuostabi kolekcija buvo išparduota. Norėdami padėti Rembrandtui, 1658 m. pabaigoje Titas ir Hendrikjė pradėjo užsiimti tapybos prekyba.

Paskutinius menininko gyvenimo metus nustelbė artimųjų mirtis. Hendrickje mirė 1663 m. liepos 24 d. Titas susituokė 1668 m. vasario mėn., o po šešių mėnesių mirė. Dabar Rembrantas liko vienas su jauna Kornelija. Rembrantas mirė 1669 m. spalio 4 d.

Rembrantas sukūrė apie 600 paveikslų, beveik 300 ofortų ir daugiau nei 1400 piešinių. Žemiau pateikiama chronologinė jo darbo apžvalga.

Ankstyvąjį Rembrandto kūrybos laikotarpį reikėtų vertinti italų meno įtakos olandų tapybai kontekste. Iš italų meistrų olandus ypač patraukė Caravaggio, kurio darbuose drąsus natūralizmas ir kontrastingas šviesos bei šešėlių modeliavimas atrodė kaip iššūkis klasikiniam menui. Tokie menininkai kaip Gerardas Terbruggenas ir Rembrandto mokytojas Pieteris Lastmanas dirbo Caravaggio stiliumi, palaipsniui įtraukdami karavadizmą į olandų tapybos meninių priemonių arsenalą. Šiam judėjimui priklauso ir Rembrandto paveikslai iš Leideno laikotarpio (1625–1631). Pinigų keitiklio (1627, Berlynas) ir Mokslininko studijose (1629, Londonas, Nacionalinė galerija) paveikslai parodė meistro susidomėjimą perteikti šviesos efektus. Pirmajame iš jų pavaizduotas senukas su akiniais darbe, sąskaitų knygelėmis nusėtame kampe. Jo raukšlėtą veidą apšviečia blanki vienos žvakės šviesa, kurią jis uždengia ranka. Antruoju paveikslu Rembrandtas siekė perteikti erdvaus interjero atmosferą. Pagrindinis vaizdo objektas – pati patalpa aukštomis lubomis, pripildyta švelnios, plazdančios šviesos.

Per visą savo kūrybinę karjerą menininkas krypo į temas, kuriose gili gyvenimiška drama derinama su subtilaus psichologizmo elementais. Paveiksle Vakarienė Emause (apie 1630 m., Paryžius, Jacquemart-André muziejus) matyti šio laikotarpio Rembrandto tapybos bruožai. Rembrandtas pristatė šį epizodą kaip teatrališką mizansceną. Akinančios šviesos fone išsiskiria Kristaus siluetas, didžioji dalis drobės panirusi į šešėlį.

Persikėlimas į Amsterdamą ir po to sekusios didelės meninės sėkmės atvėrė naują Rembrandto kūrybos laikotarpį; tai dešimtmetis, per kurį buvo sukurti kūriniai, persmelkti dramatizmo ir tuo pat metu nestokojantys materialaus jausmingumo, iš dalies susiję su flamando Peterio Paulo Rubenso kūryba. Pirmasis didelis užsakymas, kurį Rembrandtas gavo Amsterdame, buvo paveikslas „Daktaro Tulpo anatomija“ (1632 m., Haga, Mauritshuis). Tai garsaus Amsterdamo gydytojo ir jo kolegų miesto chirurgų gildijoje atvaizdas.

Tarp XX amžiaus trečiajame dešimtmetyje Rembrandto paveikslų istorinėmis temomis ypač dramatiškai atrodo Samsono apakimas (1636 m. Frankfurtas prie Maino, Städelio meno institutas). Siužeto įtampai sustiprinti naudojami šviesos blyksniai, dinamiškos įstrižainės ir ryškios spalvos; paveikslas alsuoja aštriu, greitu judesiu.

Šių metų Rembrandto tapybai būdingą hedonizmą ir techninį virtuoziškumą bene ryškiausiai įkūnijo „Autoportretas su Saskija“ (apie 1635 m., Drezdenas, paveikslų galerija). Čia menininkas vaizdavo save romantišku džentelmeno kostiumu; Viena ranka pakelia bokalą alaus, o kita apkabina ant kelių sėdinčią Saskiją. Spalvų ryškumas ir potėpių laisvė visiškai atitinka scenos nuotaiką.

Autoportretas su Saskia ant kelių. 1635 m

1640-ųjų pradžioje Rembrandto gyvenimas ir meninė veikla įgavo stabilumo ir reguliarumo. „Autoportretas 1640“ (Londonas, Nacionalinė galerija), paveiktas Rafaelio ir Ticiano darbų, rodo pasitikintį, protingą vyrą, apsirengusį XVI amžiaus itališkais drabužiais, pasirėmusį ant baliustrados; pečiai šiek tiek pasukti, žvilgsnis nukreiptas į žiūrovą.

Vienas žinomiausių šio laikotarpio paveikslų – „Nakties sargyba“ (1642 m., Amsterdamas, Rijksmuseum). Tikrasis kūrinio pavadinimas – kapitono Franso Banningo Koko ir leitenanto Willemo van Ruytenburgo kuopa. Jis buvo parašytas Prancūzijos karalienės Mari de' Medici vizito Amsterdame ir šia proga surengto iškilmingo miesto milicijos kariuomenės išvažiavimo proga. Paveiksle vyraujantis tamsus fonas leidžia geriau išryškinti veikėjų figūras. Būtent todėl XVIII a. paveikslas klaidingai pavadintas Nakties sargyba. Kaip ir daktaro Tulpės anatomija, šis paveikslas peržengia tradicinį grupinį portretą. Jame pavaizduoti 29 personažai, iš kurių 16 yra tikros istorinės asmenybės; jų judesiai ir vieta paveiksle yra pajungti vienam bendram veiksmui, kuris vystosi prieš žiūrovo akis. Stulpai, baneriai ir muškietos išsikiša į skirtingas puses, todėl kompozicija tampa laisvesnė ir dinamiškesnė; jausmą sustiprina šviesos ir šešėlių žaismas.

Nakties sargyba. 1642 m

1640-aisiais Rembrandto religinė tapyba tapo mažiau retoriška, joje atsirado nuolankumas ir gili vidinė stiprybė, būdinga vėlesnei meistro kūrybai. Nuo Renesanso Šventojo Rašto įvykiai dažniausiai buvo interpretuojami herojiškai, o jų veikėjai buvo apdovanoti fiziniu grožiu. Rembrandto vizija smarkiai skyrėsi nuo šios koncepcijos; Kristus savo darbuose atrodo nuolankus ir nuolankus, pažemintas ir nematomas tarp žmonių.

Šimto guldeno lapas – graviūra, kurios pavadinimas kilo nuo kainos, už kurią jis buvo parduotas viename iš pirmųjų aukcionų, nagrinėja krikščioniškojo nuolankumo temą. Kristaus figūra iš minios neišsiskiria nei drabužiais, nei ypatinga padėtimi, tačiau žiūrovo dėmesį patraukia kompozicijos centras – Išganytojo veidas su subtiliausiais iš jo sklindančiais dieviškosios šviesos spinduliais. Jo kairėje rankoje yra tie, kuriuos palaužė dvasios ir kūno silpnumas, turtingieji ir vargšai, kuriuos vienija kančia. Dešinėje – fariziejai, netikintieji ir pasinėrę į nesibaigiančius ginčus. Maži vaikai krinta prie Kristaus kojų. Graviruotoje Šimto guldenų lapas, nesant matomo veiksmo, Rembrandtui puikiai pavyko perteikti dieviškojo buvimo žmonių pasaulyje stebuklą.

Nuo 1650-ųjų pradžios Rembrandto portretai tapo giliai asmeniški, kompozicijos tapo griežtos ir geometriškos konstrukcijos, o spalvinė gama tapo didžiuliu trijų ar keturių spalvų atspalvių spektru. Rembrandto menas neatspindi meniškesnio publikos skonio; Dabar menininkas užsiima aliejinės tapybos technikų savybių tyrinėjimu. Meistro pasaulėžiūra, įkūnyta vėlesniuose darbuose, šiandien taip labai vertinama, amžininkams liko nesuprantama.

Rembrantas. "Danae". 1636 m.

Rembrandto dirbtuvių paveikslas „Žmogus paauksuotu šalmu“ (1651 m., Berlynas – Dahlemas) demonstruoja būdingus vėlyvojo meistro stiliaus bruožus. Žilaplaukio kario veidas paniręs į gilų švelnų šešėlį, o šviesos atspindžiai ant šalmo perteikiami laisvais, plačiais, storais potėpiais. Rembrandtui neįprasta tema kartais gali tapti drąsių meninių eksperimentų priežastimi. Pavyzdžiui, paveikslas „Skinned Bull Carcass“ (1655 m., Paryžius, Luvras). Šepetys sugrąžina gyvybę į negyvą kūną, o grožį – į bjaurumą. Rembrantas, vaizduodamas žmogaus kūną, visada vengė klasicistinės idealizacijos. Paveiksle Batšeba (1654 m., Paryžius, Luvras) moteris, kurią karalius Dovydas matė besimaudančią ir kurią įsimylėjo dėl nepaprasto grožio, maudymosi momentu nevaizduojama, taip dažnai menininkų pasirenkama pasakoti šiai istorijai, ir nėra. visai gražus. Ji pasinėrusi į gilias mintis ir, regis, numato vyro mirtį.

Vėlesniuose savo darbuose Rembrandtas vis labiau atsigręžė į krikščioniškosios istorijos įvykių interpretaciją. Paveikslas „Nusileidimas nuo kryžiaus“ (apie 1655 m., Vašingtonas, Nacionalinė galerija) skirtas ne tik Kristaus mirčiai, bet ir Jo gedinčiųjų sielvartui.

Vienas žymiausių šio laikotarpio Rembrandto religinės tapybos darbų yra paveikslas „Petro neigimas“ (apie 1660 m. Amsterdamas, Rijksmuseum). Centre pavaizduota jauna tarnaitė, besisukanti į Petrą, o jis rankos mostu į šoną patvirtina savo žodžius apie Kristaus išsižadėjimą. Pirmame plane esančią erdvę apšviečia viena žvakė, kurią tarnaitė nuspalvina ranka – tai technika, kuri amžiaus pradžioje buvo itin populiari tarp karavadžistų. Švelni žvakės šviesa modeliuoja figūrų ir objektų formas, esančias pirmame plane. Jie nudažyti lengvais potėpiais, rusvai gelsva spalvine gama su keliais raudonais akcentais. Kartais atrodo, kad formos ištirpsta šviesoje arba prisipildo jos, kaip tarnaitės ranka, užstojanti žvakę. Petro veide – gilus liūdesys. Čia, kaip ir vėlesniuose menininko portretuose bei autoportretuose, Rembrantas neprilygstamai vaizduoja senatvę su per metus kaupta išmintimi, kūno silpnumu ir dvasios tvirtumu.

Rembrandto portretai bėgant metams taip pat tampa labai asmeniški. Poeto Jano Sixo portrete (1654 m. Amsterdamas, Šešių šeimos kolekcija) subjektas vaizduojamas vos pastebima perspektyva iš apačios į viršų; Išskyrus smulkiai sumodeliuotą veidą, portretas nutapytas greitai ir laisvai, plačiais potėpiais. Spalvų gamoje dominuoja tviskanti apsiausto raudona ir kostiumo sagų auksinė spalva, kontrastuojanti su įvairiais žalios ir pilkos spalvos atspalviais.

Hendrikje Stoffels (apie 1656 m. Berlynas – Dahlemas) portrete figūra įrašyta į lango angos rėmą ir dėl dailininko pasirinkto didelio mastelio atrodo stovinti labai arti paveikslo plokštumos. Hendrickje žvilgsnis nukreiptas į žiūrovą, poza laisva, galva pakreipta į šoną, rankos guli labai natūraliai. Paveikslo spalvinė gama – auksinių, baltų, raudonų ir juodų tonų derinys.

Vienas geriausių Rembrandto grupinių portretų – Sindikai (1661–1662, Amsterdamas, Rijksmuseum). Portreto užsakovai buvo Amsterdamo rūbų cecho (sindicų) atstovai. Jie vaizduojami aplink stalą, ant kurio guli skaičiavimo knyga. Menininkas daro žiūrovą to, kas vyksta paveikslėlyje, dalyviu. Panašu, kad ką tik pertraukėme skaičiavimais užsiėmusius sindikus, todėl jie visi, tarsi akimirkai pakelti akis iš savo kūrinio, žiūri į žiūrovą. Paveiksle vyrauja tiesios linijos, tačiau stalo posūkis ir sudėtingas šviesos žaismas sušvelnina kompozicijos griežtumą. Šviesos dėmės išsklaidytos visoje drobėje, pagyvina jos vaizdinį paviršių. Šis paveikslas nuostabus ir kaip psichologinė studija, kurios tikslas – pavaizduoti žmones su skirtingais charakteriais, ir kaip istorinis dokumentas.

Maždaug 1661 m. Rembrandtui buvo pavesta gauti vieną iš aštuonių istorinių paveikslų, kurie turėjo papuošti Amsterdamo rotušę. Didžiulė drobė (originali matmenys 5-5 m) Juliaus Civilio sąmokslas, pagal įvairias versijas, arba niekada nebuvo pakabinta rotušėje, arba užėmė jai skirtą erdvę ne ilgiau kaip dvejus metus, o vėliau buvo pakeista. Ovenso paveikslas ta pačia tema. Šio Rembrandto kūrinio išliko tik fragmentas, kuris yra Stokholmo nacionaliniame muziejuje. Rembrantas pavaizdavo įvykį, aprašytą Romos istoriko Tacito analuose (I a.): Batavų genties vadai prisiekia kardu kovoti už išsivadavimą iš romėnų valdžios. Apie šio kūrinio mastą originalioje formoje galima spręsti iš Miunchene esančio kompozicijos eskizo. Tai rodo, kad iš pradžių stalas ir prie jo susirinkę žmonės buvo rodomi didžiulės salės erdvėje, kurios gylis buvo perteikiamas per šviesos ir šešėlių žaismą.

XVII amžiuje piešinys dažniausiai pasitarnavo kaip preliminarus eskizas kuriant didelę kompoziciją, atskirų būsimos tapybos detalių eskizas arba buvo užteptas ant kartono ir po to perkeltas ant tapybai skirto paviršiaus. Labai retai apie piešinį buvo galvojama kaip apie išbaigtą meno kūrinį; Dažnai baigus projektą piešiniai būdavo išmetami. Kiekvienas Rembrandto piešinys yra reiškinių prigimties tyrimas ir bandymas užfiksuoti akimirkos ar objekto charakterį. Kai menininkas darydavo eskizus iš senųjų meistrų darbų, jis kūrė ne kopijas, o variacijas ta pačia tema, spręsdamas savo menines problemas. 1630–1640 m. jis tapė derindamas įvairaus storio linijas su geriausiais plovimais. Kartais jo piešiniai atrodo kaip greiti eskizai, kur nervinė linija beveik niekur neišsilaiko.

Rembrandtas pirmasis suprato turtingas oforto galimybes, palyginti su metalo graviravimu. Šis graviravimas sukurtas subraižant dizainą ant metalinės plokštės; tada lėkštė padengiama dažais, užpildant pjaustytuvo paliktas įdubas, ir iš jos presu daromi atspaudai ant popieriaus. Pjaustyklė reikalauja tvirto spaudimo ir ypatingos priežiūros. Darbas su ofortu, priešingai, nereikalauja daug fizinių jėgų, o linijos yra laisvesnės ir lankstesnės. Užuot subraižęs metalą kaltu, menininkas padengia plokštę rūgščiai atspariu laku ir piešia ant jos adata, tada plokštę panardina į rūgštį ir metalas išgraviruoja vietas, kuriose nėra lako. Ofortas suteikia menininkui daug daugiau laisvės, jis gali piešti adata taip, lyg naudotų rašiklį ant popieriaus. Rembrandto ofortuose linijos yra tokios pat laisvos ir sklandžios kaip rašiklio eskizuose. Siekdamas naujų išraiškingų efektų, jis dažnai derindavo įvairias technikas: kartais pjaustytuvu perleisdavo per rūgštimi jau išgraviruotą lentą, kartais išgraviruodavo „sausą tašką“ – įrankį su deimantu ant galo, kuris palieka griovelius su įpjovomis. metalas, suteikiantis spaudiniui švelnų ir aksominį prisilietimą. Pavyzdžiui, „Šimto guldenų lape“ menininkas naudojo visas šias technikas (darbas prie šios lentos truko keletą metų).

Liszto „Geroji naujiena piemenims“ (1634) – tikras barokinis teatro spektaklis. Piešinys padarytas tankiai išdėstytais susikertančiais potėpiais, sukuriančiais šviesių ir tamsių tonų kontrastus. Po penkerių metų, Dievo Motinos ėmimo į dangų šventėje, tankiai nuspalvintų tamsių sričių dominavimą pakeitė šviesių sričių ir plonų lygiagrečių šešėlių vyravimas. Oforte „Trys medžiai“ (1643) tankiai nuspalvintų vaizdo fragmentų ir balto popieriaus kontrastas perkeliamas į kraštutinumą; įstrižos lygiagrečios linijos prieš dangų puikiai perteikia vasaros perkūnijos pojūtį. Dramatiškiausias iš Rembrandto ofortų yra „Trijų kryžių“ lapas (apie 1650 m.).

Naudota medžiaga iš enciklopedijos „Pasaulis aplink mus“.

Sūnaus palaidūno sugrįžimas. 1669 m

Olandiškojo realizmo viršūnė yra Rembrandto kūryba. Jo atvaizdams būdingas ideologinis turinys ir nuostabūs meniniai įgūdžiai priskiria Rembrandtą tarp didžiausių pasaulio meno atstovų. Jis vienodai puikus ir kaip tapytojas, ir kaip graviravimo ir piešimo meistras.

Rembrandtas Garmensas van Rijnas gimė 1606 m. Leidene, malūno savininko sūnus. Jo pašaukimas tapybai pasireiškė labai anksti. Pirmieji kūrybinės kelionės metai, vykę gimtajame Leidene, buvo paženklinti kūrybinės nepriklausomybės paieškomis. 1632 m. persikėlė į Amsterdamą – respublikos kultūrinio gyvenimo centrą. Didelę sėkmę atnešusioje „Daktaro Tulpo anatomijos pamokoje“ Rembrandtas grupinio portreto problemą išsprendžia nauju būdu, sujungdamas ją su veiksmų vienybe. Rembrandto šlovė auga, į jo dirbtuves plūsta daug studentų, 30-ieji – didžiausios Rembrandto sėkmės laikas gyvenime; Kartu su paveikslais biblinėmis ir mitologinėmis temomis jis piešia daugybę užsakytų portretų, daug dirba oforto technika, piešia. Šio dešimtmečio kūriniai pasižymi didžiulio gyvybingumo jausmu, pabrėžiamu dramatišku ekspresyvumu, nors kartais nėra laisvi nuo išorinių efektų. Tarp geriausių 30-ųjų kūrinių yra „Danae“, kur tradicinis mitologinis vaizdas įgauna nuostabios gyvenimo tiesos bruožus. Išryškėja menininko tapybinė sistema, kurioje pagrindinį vaidmenį atlieka šviesos ir šešėlių kontrastai, sustiprinantys emocinį vaizdų rezonansą.

40-ųjų pradžioje Rembrandto kūryboje įvyko lūžis: menininkas išsivadavo iš kai kurių ribotų, būdingų jo ankstesniems darbams bruožų, gilėjo jo realistinis metodas, kuris vis dėlto nesulaukė pripažinimo iš buržuazinių sluoksnių. Jo garsaus paveikslo, žinomo kaip „Nakties sargyba“, istorija šiuo atžvilgiu yra orientacinė. Vykdydamas užsakymą kapitono Banning Cocko kuopos šaulių grupiniam portretui, Rembrantas sulaužė visas tradicijas. Vietoj vienoje drobėje pavaizduotų puošniai sėdinčių figūrų serijos jis pristatė realizmo ir aukštosios poezijos kupiną gatvės vaizdą, iškilmingą šaulių pasirodymą, apsuptą šio renginio pritrauktos miesto minios. Šiame monumentaliame kūrinyje galima išgirsti didvyriškų Nyderlandų revoliucijos laikų aidą. Priešiškas priėmimas, pasitikęs „Nakties sargyba“, rodė ribotą Olandijos buržuazijos skonį, jos nutolimą nuo pažangių revoliucinės eros idealų.

40-ųjų kūriniuose Rembrantas atsigręžia į paprastų ir neturtingų žmonių pasaulį – būtent šioje aplinkoje jis randa aukšto moralinio kilnumo, stiprių, nuoširdžių jausmų nešėjų. Tokiuose filmuose kaip „Šventoji šeima“ ar „Gerasis samarietis“ Evangelijos įvykiai vaizduojami kaip kasdienio gyvenimo epizodai. Tai suteikia religinei temai ypatingą socialinę prasmę. Rembrandto grafika vystosi ta pačia kryptimi. Garsiajame oforte „Kristus, gydantis ligonius“ vargšų ir kenčiančių vaizdiniai priešpriešinami teisiems fariziejams.

Pastarieji 20 metų – pats tragiškiausias laikas Rembrandto gyvenime. Jo nukrypimas nuo vyraujančio buržuazijos skonio lėmė užsakymų sumažėjimą ir 1656 m. baigėsi bankrotu: menininko turtas ir kolekcijos buvo parduoti aukcione, o jis pats buvo priverstas apsigyventi skurdžiausiame Amsterdamo kvartale.

Jį persekioja dideli šeimos praradimai. Tačiau būtent šiais metais Rembrandto menas pasiekė aukščiausią tašką. Monumentalus vaizdų pobūdis, gilus žmogaus vidinio pasaulio atskleidimas, nuostabi paveikslo energija, pagrįsta rausvų ir rusvų tonų dermėmis, kurios tarsi dega iš vidaus – tai jo vėlyvojo meno bruožai. Geriausi šių laikų kūriniai yra „Assuras, Hamanas ir Estera“, „Dovydas prieš Saulių“ ir kt. Tais pačiais metais Rembrantas sukūrė savo herojiškos jėgos kupiną istorinę kompoziciją „Julijaus Civilio sąmokslas“, dedikuotą. į bataviečių (laikomų Nyderlandų protėviais) išsivadavimo kovą prieš romėnų valdžią.

Vėlesniais metais meistro portretų menas pasiekė aukščiausią tašką. Rembrantas savo portretuose neapsiriboja vienu psichologiniu aspektu, o pateikia tarsi viso žmogaus dvasinio gyvenimo, nenutrūkstamo vidinio minčių ir jausmų judėjimo vaizdą. Rembrandtui žmogaus asmenybės turtingumas yra neišsemiamas; Pakartotinai kreipdamasis į tą patį modelį, meistras jame vis randa kažką naujo ir unikalaus. Pavyzdžiui, Rembrandtas sukūrė per šimtą autoportretų. Tarp geriausių Rembrandto kūrinių yra Breuningo, Burgomaster Six, antrosios menininko žmonos Hendrikje Stoffels ir skaitančio sūnaus Tito portretai.

Rembrandto kūrybos finalas – garsusis jo paveikslas „Sūnaus palaidūno sugrįžimas“ – stebina gilaus žmogiško jausmo spinduliavimu. Humanistinių idealų įsitvirtinimas Olandijos sąlygomis XVII amžiuje reiškė neišvengiamą menininko atitrūkimą nuo revoliucinių tradicijų atitrūkusiai buržuazijai. Labai reikšminga, kad didžiojo meistro mirtis 1669 metais liko visiškai nepastebėta.

Tarp nedaugelio mokinių, įvaldžiusių aukštus Rembrandto realizmo principus, buvo anksti miręs Karelis Fabricijus (apie 1622–1654) ir Art de Gelder (1645–1727).

Paskutiniame XVII amžiaus ketvirtyje. Prasideda visiško olandų meno nuosmukio laikotarpis.

Citata iš: Pasaulio istorija. IV tomas. M., 1958, p. 311-313.

Literatūra:

Rovinsky D. Pilnas Rembrandto graviūrų rinkinys, t. 1–4. Sankt Peterburgas, 1890 m

Rembrantas. Vakarų Europos meninė kultūra XVII a. Sankt Peterburgas, M., 1970 m

Egorova K.S. Rembrandtas Garmensas van Rijnas. Dailininko paveikslai Sovietų Sąjungos muziejuose [Albumas]. L., 1971 m

Egorova K.S. Portretas Rembrandto darbuose. M., 1975 m

Skaitykite toliau:

Irina Nenarokomova. Rembrantas. (Vaikų romėnų laikraštis).

Menininkai(biografinis žinynas).

Skaitykite daugiau internete:

Interneto svetainė http://rembr.ru/ – apie olandų menininką Rembrandtą Van Rijną. Paveikslų galerija, dailininko biografija, knygos ir studijos apie Rembrandto gyvenimą.

Rembrandtas Harmensas van Rijnas (olandų kalba: Rembrandt Harmenszoon van Rijn [ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə(n)soːn vɑn ˈrɛin], 1606-1669) – olandų menininkas, braižytojas ir gravierius, didžiausias olandų meno atstovas, didysis aukso meistras. Jis sugebėjo savo darbuose įkūnyti visą spektrą žmogiškų išgyvenimų su tokiu emociniu turtingumu, kokio vaizduojamasis menas dar nebuvo pažinęs. Itin įvairaus žanro Rembrandto kūriniai atskleidžia žiūrovui nesenstantį dvasinį žmogaus išgyvenimų ir jausmų pasaulį.

Rembrandtas Harmenszoonas („Harmeno sūnus“) van Rijnas gimė 1606 m. liepos 15 d. (pagal kai kuriuos šaltinius 1607 m.) turtingo malūno savininko Harmen Gerritszoon van Rijn šeimoje Leidene. Net ir po Nyderlandų revoliucijos motinos šeima liko ištikima katalikų religijai.

Leidene Rembrandtas universitete lankė lotynų mokyklą, tačiau didžiausią susidomėjimą parodė tapyba. Būdamas 13 metų jis buvo išsiųstas studijuoti vaizduojamojo meno pas Leideno istorinį dailininką Jacobą van Swanenburchą, iš tikėjimo katalikų. Rembrandto kūrinių, datuojamų šiuo laikotarpiu, mokslininkams nepavyko rasti, todėl klausimas apie Swanenbuercho įtaką Rembrandto kūrybos stiliaus raidai lieka atviras: šiandien apie šį Leideno menininką žinoma per mažai.

1623 m. Rembrantas studijavo Amsterdame pas Pieterį Lastmaną, kuris mokėsi Italijoje ir specializuojasi istoriniuose, mitologiniuose ir biblininiuose dalykuose. Grįžęs į Leideną 1627 m., Rembrandtas kartu su savo draugu Janu Lievensu atidarė savo dirbtuves ir pradėjo verbuoti studentus. Per kelerius metus jis tapo plačiai žinomas.

Lastmano aistra margumui ir atlikimo detalėms padarė didžiulę įtaką jaunajam menininkui. Tai aiškiai išryškėja pirmuosiuose išlikusiuose jo kūriniuose – „Užmėtymas akmenimis Šv. Steponas“ (1629), „Scena iš senovės istorijos“ (1626) ir „Eunucho krikštas“ (1626). Palyginti su brandžiais jo darbais, jie neįprastai spalvingi, menininkas stengiasi kruopščiai aprašyti kiekvieną materialaus pasaulio detalę, kuo tiksliau perteikti egzotišką Biblijos istorijos aplinką. Beveik visi herojai priešais žiūrovą iškyla puošniais rytietiškais apdarais, spindinčiais papuošalais, sukuriančiais pompastikos, pompastikos, šventiškumo atmosferą („Muzikos alegorija“, 1626; „Dovydas prieš Saulių“, 1627).

Baigiamieji šio laikotarpio kūriniai – „Tobitas ir Ana“, „Balaamas ir asilas“ – atspindi ne tik turtingą menininko vaizduotę, bet ir norą kuo išraiškingiau perteikti dramatiškus savo personažų išgyvenimus. Kaip ir kiti baroko meistrai, jis pradeda suvokti aštriai išpuoselėto chiaroscuro vertę, kad perteiktų emocijas. Jo mokytojai dirbant su šviesa buvo Utrechto karavadžistai, bet dar labiau jis vadovavosi Italijoje dirbusio vokiečio Adamo Elsheimerio darbais. Karavadžiškiausi Rembrandto paveikslai yra „Palyginimas apie kvailą turtingą žmogų“ (1627), „Simeonas ir Ana šventykloje“ (1628), „Kristus Emause“ (1629).

Greta šios grupės yra paveikslas „Menininkas savo studijoje“ (1628 m.; galbūt tai autoportretas), kuriame menininkas įsiamžino studijoje savo kūrybos apmąstymo momentu. Apdirbama drobė iškeliama į paveikslo priešakį; lyginant su juo pats autorius atrodo kaip nykštukas.

Viena iš neišspręstų Rembrandto kūrybinės biografijos problemų yra jo meninis sutapimas su Lievensu. Dirbdami greta, jie ne kartą ėmėsi to paties siužeto, pavyzdžiui, „Samsonas ir Delila“ (1628/1629) ar „Lozoriaus iškėlimas“ (1631). Iš dalies abu patraukė Rubensas, kuris tuomet buvo žinomas kaip geriausias visos Europos menininkas; kartais Rembrantas pasiskolino Lievenso meninius atradimus, kartais buvo visiškai priešingai. Dėl šios priežasties atskirti Rembrandto ir Lievenso 1628–1632 m. darbus meno istorikams kyla tam tikrų sunkumų. Tarp kitų garsių jo kūrinių yra „Balaamo asilas“ (1626).

Tai dalis Vikipedijos straipsnio, naudojamo pagal CC-BY-SA licenciją. Visas straipsnio tekstas čia →

Būsimasis vaizduojamojo meno reformatorius gimė Leideno turtingo malūnininko šeimoje. Vaikinas nuo ankstyvos vaikystės domėjosi tapyba, todėl būdamas 13 metų buvo mokinys pas Leideno menininką Jacobą van Swanenburchą. Rembrandtas vėliau mokėsi pas Amsterdamo dailininką Pieter Lastman, kuris specializuojasi istoriniuose, mitologiniuose ir biblininiuose dalykuose.

Jau 1627 m. Rembrandtas su savo draugu Janu Lievensu sugebėjo atidaryti savo dirbtuves – jaunasis, vos 20 metų sulaukęs dailininkas, pats pradėjo verbuoti studentus.

Jau ankstyvuosiuose Rembrandto darbuose ryškiai matomas ypatingas tapybinis stilius, pradedantis formuotis – menininkas siekia kuo emocingiau nupiešti savo personažus, tiesiogine prasme kiekvienas drobės centimetras alsuoja dramatizmu. Būsimas nepralenkiamas darbo su chiaroscuro meistras pačioje savo kelionės pradžioje suprato šios emocijų perteikimo technikos galią.

1631 metais Rembrantas persikėlė į Amsterdamą, kur buvo sutiktas itin entuziastingai; meno žinovai jauno menininko tapybos stilių lygino su paties Rubenso darbais – beje, Rembrandtas mielai pasisėmė užuominų iš daugelio šio menininko estetikos.

Darbo laikotarpis Nyderlandų sostinėje Rembrandto kūryboje tapo portreto žanro orientyru – būtent čia meistras nutapė daugybę moterų ir vyrų galvų studijų, kruopščiai išdirbdamas kiekvieną detalę, suvokdamas visas žmogaus veido išraiškos subtilybes. veidas. Menininkas piešia pasiturinčius miestiečius – jo šlovė greitai plinta ir tampa komercinės sėkmės raktu – taip pat daug dirba kurdamas autoportretus.

Rembrandto likimas – tiek asmeninis, tiek kūrybinis – nebuvo lengvas. Anksti šlovės ir sėkmės pamėgtas talentingas tapytojas staiga neteko turtingų užsakovų, kurie nesugebėjo suvokti revoliucinės jo kūrinių drąsos. Rembrandto palikimas iš tiesų buvo įvertintas tik po dviejų šimtmečių – XIX amžiuje dailininkus realistus įkvėpė šio meistro, vieno ryškiausių olandų tapybos aukso amžiaus atstovų, paveikslai.

"Vakarinė Maskva“ siūlo prisiminti garsiausius Rembrandto paveikslus, kurie yra didžiausių pasaulio muziejų kolekcijų perlai.

1. „Danae“ (1633–1647)

Net jei nieko nežinote apie Rembrandtą ir visiškai nesidomi tapyba, šis paveikslas jums tikrai pažįstamas. Drobė, saugoma Sankt Peterburgo Ermitaže, 1985 metais buvo beveik visam laikui prarasta dėl vandalo, kuris ją apipylė sieros rūgštimi, o paskui perpjovė drobę peiliu.

Paveikslą, kuriame vaizduojama nuoga mergina, gulinti ant lovos nežemiškos šviesos spinduliuose, Rembrantas nutapė savo namams – tema buvo garsusis senovės graikų mitas apie gražuolę Danae, būsimąją nugalėtojo Medūzos Persėjo motiną ir Dzeusas griaustinis. Jau pati Danae išvaizda kūrybiškumo tyrinėtojams užminė mįslę, kuri buvo įminta visai neseniai: žinoma, kad Rembrandto modelis buvo jo žmona Saskia van Uylenburch, tačiau pas mus atėjusi Danae nė kiek neprimena menininko žmonos. Rentgeno tyrimas parodė, kad Rembrandtas po žmonos mirties iš dalies perrašė Danae veidą ir padarė jį panašų į savo antrosios meilužės, sūnaus Tito auklės Gertje Dirks veidą. Virš Danae sklandantis Kupidonas taip pat iš pradžių atrodė kitaip – ​​sparnuotas dievas nusijuokė, tačiau galutiniame variante jo veide buvo sustingusi kančia.

Po paveikslo užpuolimo 1985 metais jį atkurti prireikė 12 metų. Tapybos nuostoliai buvo 27%; geriausi meistrai dirbo restauruodami Rembrandto šedevrą, tačiau sėkmės garantijų nebuvo. Laimei, drobė buvo išgelbėta, dabar paveikslas patikimai apsaugotas šarvuotu stiklu.

2. „Nakties sargyba“, (1642 m.)

Kolosali, beveik keturių metrų drobė tapo išties lemtinga jos kūrėjo karjeroje. Teisingas paveikslo pavadinimas yra „Kapitono Franso Banningo Koko ir leitenanto Willemo van Ruytenburgo šaulių kuopos pasirodymas“. Meno istorikams atradus, jis tapo „Nakties sargyba“, užmirštas du šimtmečius. Nuspręsta, kad paveiksle pavaizduoti muškietininkai naktinių pamaldų metu – ir tik restauravus paaiškėjo, kad po suodžių sluoksniu buvo visiškai kitoks originalus koloritas – apie tai iškalbingai kalba šešėliai – veiksmas drobėje vyksta apie 2 val. po pietų.

Darbą užsakė Rembrandtas iš Nyderlandų civilinės milicijos padalinio Shooting Society. Grupinis šešių kuopų portretas turėjo papuošti naująjį draugijos pastatą – Rembrandtas buvo paprašytas nupiešti kapitono Franso Banningo Cocko šaulių kuopą. Tikėtasi, kad menininkas padarys tradicinį apeiginį portretą – visus personažus iš eilės, tačiau jis nusprendė pavaizduoti judančius muškietininkus. Drąsi kompozicija, kur kiekviena figūra yra kuo dinamiškesnė, nesulaukė supratimo tarp užsakovų – nepasitenkinimą sukėlė tai, kad kai kurie pavaizduoti buvo aiškiai matomi, o kiti – antrame plane. „Nakties sargyba“ tiesiogine prasme sulaužė Rembrandto karjerą – būtent po šio paveikslo nuolatiniai turtingi klientai nusisuko nuo tapytojo, jo tapybos stilius kardinaliai pasikeitė.

Beje, šio paveikslo likimas ne mažiau tragiškas nei „Danae“. Iš pradžių XVIII amžiuje jis buvo visiškai barbariškai atkirstas, kad tilptų į naują Šaulių draugijos salę. Taigi muškietininkai Jacobas Dirksenas de Roy'us ir Janas Brugmanas dingo iš nuotraukos. Laimei, originalaus paveikslo kopija buvo išsaugota. „Nakties sargyba“ vandalai buvo užpulti tris kartus: pirmą kartą buvo išpjautas didelis drobės gabalas, antrą kartą paveikslas buvo duriamas 10 kartų, o trečią – apipiltas sieros rūgštimi.

Dabar drobė saugoma Rijksmuseum – Amsterdamo nacionaliniame muziejuje. Į šį paveikslą galite žiūrėti daugybę valandų – ant didžiulės drobės taip detaliai pavaizduoti visi veikėjai – ir „pagal užsakymą“ (iš tikrųjų yra 18 muškietininkų), ir tie, kuriuos Rembrandtas pridėjo savo nuožiūra (16 figūrų, paslaptingiausia – maža mergaitė paveikslo „auksinių pjūvių“ vietoje)

3. „Sūnus palaidūnas smuklėje“ (1635)

Šis menininko autoportretas su mylima žmona Saskia ant kelių saugomas Drezdeno Senųjų meistrų galerijoje (taip pat žinomas kaip Drezdeno galerija). Neabejotina, kad šį paveikslą menininkas nutapė būdamas visiškai laimingas. Būtent šiuo savo gyvenimo laikotarpiu Rembrantas sunkiai ir vaisingai dirbo, buvo populiarus, už savo darbus gaudavo didelius honorarus, tarp jo klientų buvo žinomų ir turtingų žmonių. Siužetą iš Luko evangelijos meistras perkūrė laikmečio dvasioje - sūnus palaidūnas apsirengęs kamzoliu ir plačiabryle kepure su plunksna, paleistuvė ant kelių taip pat aprengta pagal to meto madą. Beje, tai vienintelis dailininko autoportreto paveikslas kartu su žmona – Rembrantas 1638 metais graviūros technika padarė dar vieną savo ir Saskijos atvaizdą toje pačioje vaizdinėje erdvėje. Nepaisant bendro linksmo paveikslo tono, autorius nepamiršo priminti, kad anksčiau ar vėliau už viską šiame gyvenime teks susimokėti – tai iškalbingai liudija fone esanti skalūno lenta, ant kurios jau visai netrukus šėlstojas būti apmokestintas. Ar Rembrantas galėjo atspėti, koks bus jo paties atpildas už savo talentą?

4. „Sūnaus palaidūno sugrįžimas“ (1666–1669)

Tai didžiausias Rembrandto paveikslas religine tema, saugomas Ermitaže. Semantinis paveikslo centras stipriai pasislinkęs į šoną, pagrindinės figūros išryškintos šviesa, likusius veikėjus dengia šešėlis, todėl skaitant tai, kas pavaizduota, suklysti neįmanoma. Beje, visus Rembrandto paveikslus vienija viena svarbi detalė – nepaisant bendro pagrindinio siužeto aiškumo, kiekviename paveiksle yra paslapčių, kurių meno istorikai neįstengia įminti. Kaip ir mergaitė iš „Nakties sargybos“, „Sūnaus palaidūno sugrįžimas“ pasižymi paslaptingais veikėjais. Jų yra keturi - kažkas tradiciškai juos vadina pagrindinio veikėjo „broliais ir seserimis“. Kai kurie tyrinėtojai moters figūrą už kolonos interpretuoja kaip antrą, paklusnų sūnų – nors tradiciškai šis vaidmuo skiriamas pirmame plane esančiam vyrui. Šis vyras barzdotas, su lazda rankose kelia ne mažiau klausimų – Evangelijoje pagal Luką dekano brolis atbėgo pasitikti giminaičio palaidūno tiesiai iš lauko, bet čia jis vaizduojamas veikiau kaip kilnus klajoklis, galbūt. net Amžinasis žydas. Beje, gali būti, kad Rembrantas taip save pavaizdavo – autoportretai, kaip žinia, jo paveiksluose nėra neįprasti.

5. "Saskia kaip flora" (1634)

Dauguma moterų atvaizdų Rembrandto drobėse 1934–1942 m. buvo nupiešti dailininko mylimos žmonos Saskia van Uylenburch. Senovinės pavasario deivės Floros atvaizde meistras Saskiją pavaizdavo tris kartus – mūsų svarstomas portretas buvo sukurtas jų vestuvių metais – plika akimi aišku, kad Rembrantas dievino savo žmoną, ja žavėjosi ir viską sudėjo. jo švelnumas į paveikslą.

Santuokos metu Saskijai buvo 22 metai; 17 metų ji liko našlaitė. Įvykis ją suvedė su būsimu vyru – ji atvyko į Amsterdamą aplankyti savo pusbrolio, pamokslininko Johano Kornelio Silvijaus žmonos, kuri pažinojo Rembrandtą. Vestuvės įvyko 1634 metų birželio 10 dieną. 1942 m., praėjus vos metams po ilgai laukto sūnaus Tito gimimo, Saskia mirė.

Flora-Saskia – jaunystės, gaivos ir skaistumo įsikūnijimas, jos išvaizdoje tiek daug žavingo drovumo ir mergaitiško gaivumo. Rembrantas šiame paveiksle sumaniai derino pastoracinius ir istorinius portretus. Beje, iš trijų kartu su žmona tapytų Florų (kiti du paveikslai sukurti 1935 ir 1941 m.) pirmasis daugiausiai remiasi senove, kituose dviejuose portretuose mitas užsimena tik su vos pastebimomis detalėmis. „Saskia kaip flora“ saugoma Ermitaže.