Breve biografia di Rembrandt e del suo lavoro. Le opere più famose di Rembrandt
I cui dipinti possono essere visti in molti musei in tutto il mondo, oggi sono conosciuti da ogni persona sulla Terra. Paura e gioia, sorpresa e indignazione si riflettono nelle sue opere in modo così naturale che è impossibile non crederci. La folle popolarità, il tragico destino e il triste declino della vita rimangono ancora motivo di pettegolezzi e ragionamenti filosofici.
Gioventù
L'artista Rembrandt nacque nella famiglia di un fornaio nel 1606 nella città olandese di Leiden, situata sulle rive del Reno. Molto presto ha sentito il suo talento artistico. Dopo aver studiato a casa per diversi anni, il giovane si recò ad Amsterdam per prendere lezioni dal famoso pittore Lastman. L'allenamento non durò a lungo e all'età di 19 anni Rembrandt tornò a Leida. In questo momento, dipinge ritratti di parenti e amici e presta anche grande attenzione agli autoritratti. Molte opere dell'autore sono sopravvissute fino ad oggi, dove si raffigura in varie immagini.
Confessione
Un giorno, un aspirante artista riceve un eccellente ordine dalla Gilda dei chirurghi. Ecco come appare il lavoro "Lezione di anatomia". Il dipinto porta il riconoscimento di Rembrandt. Riceve immediatamente più di cinquanta commissioni per ritratti di grandi e nobili di Amsterdam. Contemporaneamente alla popolarità, cresce anche il benessere del maestro. Inizia a collezionare oggetti d'antiquariato e costumi d'epoca. Acquisisce una casa chic che riempie con squisiti mobili d'epoca e opere d'arte.
Saskia
All'età di 28 anni, Rembrandt, i cui dipinti stanno diventando sempre più popolari, sposa una ragazza ricca, Saskia. Si sposò per amore e non solo conservò, ma aumentò anche il capitale della sua amata. Rembrandt idolatrava sua moglie, ritraendola spesso in varie immagini nelle sue opere. Uno dei dipinti più famosi dell'artista, Autoritratto con Saskia, mostra un felice Rembrandt con la sua giovane moglie. Allo stesso tempo, l'artista riceve un ordine per una serie di opere con una storia biblica. Quindi ci sono dipinti di Rembrandt con i nomi "Il sacrificio di Abramo" e "La festa di Baldassarre". A questo periodo appartiene anche una delle opere più famose del maestro "Danae". L'immagine è stata riscritta più volte dall'artista e ha diverse opzioni dell'autore.
Tramonto della vita
Il tempo spensierato dell'artista non è durato a lungo. Non a tutti piaceva il modo di Rembrandt di ritrarre una persona così com'è. Dopo aver scritto il dipinto "Night Watch" è scoppiato un incredibile scandalo. Volti estranei sono apparsi sulla tela. Forse il motivo era che nel bel mezzo del lavoro, la sua amata Saskia morì di tubercolosi. Nella foto, insieme alle figure degli arcieri, puoi vedere la sagoma di una ragazza, che ricorda così tanto la moglie del maestro. La popolarità dell'autore inizia a diminuire. Non ci sono quasi nuovi ordini. Avendo perso la sua casa e tutte le sue proprietà, Rembrandt, i cui dipinti assumono un nuovo significato filosofico, inizia a ritrarre persone comuni e i loro cari. Scrive molto sull'immagine di suo figlio, così come sulle persone che lo circondano negli ultimi anni della sua vita. In questo momento, i dipinti di Rembrandt sono nati con i titoli "Ritratto di un vecchio in rosso", "Ritratto del figlio di Tito che legge" e altre opere. Alla fine della sua vita, dalla penna del maestro appare un altro capolavoro: "Il ritorno del figliol prodigo". In questa immagine, il maestro si raffigura come un eterno viandante, costretto a vagare lungo le difficili strade della gloria mutevole. Nel 1969, dopo aver seppellito suo figlio con la sposa, lo stesso Rembrandt muore, lasciando per sempre il suo segno creativo in questo mondo. Oggi, i dipinti dell'artista occupano un posto d'onore in qualsiasi grande museo del mondo.
Il più Rembrandt. "Una lezione di anatomia" (1632)
Questo dipinto è la prima grande commissione ricevuta da Rembrandt dopo il suo trasferimento ad Amsterdam. La tela raffigura un'autopsia eseguita dal dottor Tulp. Il dottore tiene i tendini della sua mano con una pinza, mostrando ai suoi studenti come piegare le dita. Ritratti di gruppo simili a quel tempo erano molto popolari tra le corporazioni dei medici. È vero, di regola, i membri del gruppo posavano per loro, seduti in fila. Rembrandt, i cui dipinti si distinguevano per naturalezza e realismo, ritraeva gli studenti in un cerchio ristretto, ascoltando attentamente le parole del dottor Tulp. I volti pallidi e il cadavere stesso risaltano con punti luminosi luminosi sullo sfondo cupo e scuro dell'immagine. Il lavoro portò a Rembrandt la prima popolarità, dopo di che gli ordini caddero sull'autore con incredibile velocità.
"Autoritratto con Saskia" (1635)
Nel corso della sua vita, Rembrandt ha dipinto un numero incredibile di autoritratti. Questo dipinto è uno dei più famosi. Qui è raffigurato il giubilo dell'artista per la felicità di possedere la sua amata. Lo stato emotivo del pittore si riflette nello sguardo aperto dei personaggi, nel volto radioso di Rembrandt, come se soffocasse di felicità e benessere. Tuttavia, nel ritratto si cela una provocazione nascosta: dopotutto, l'artista si ritrae nell'immagine di quello stesso "figliol prodigo" che banchetta con una normale cortigiana. Quanto il "figliol prodigo" in questo autoritratto è diverso da quello che il pubblico conosce dall'immagine con lo stesso nome!
"Danae" (1636)
Il più famoso dei dipinti di Rembrandt. È stato scritto sulla base del mito della madre di Perseo, Danae. Secondo la leggenda, il padre della ragazza scoprì che sarebbe morto dal figlio di sua figlia e la imprigionò in una prigione. Zeus entrò nel prigioniero sotto forma di una pioggia d'oro, dopo di che nacque Perseo. L'immagine attira con il suo colore insolito, caratteristico del lavoro dell'artista. Al centro c'è una donna nuda, il cui corpo è illuminato dalla luce del sole. In questa immagine, Rembrandt, i cui dipinti ritraggono spesso persone a lui vicine, ha catturato l'immagine della sua amata moglie Saskia. L'immagine di un angelo è stata attribuita dopo la morte della moglie. Sembra che stia sempre piangendo per il destino del defunto. Rembrandt ha riscritto a lungo la sua idea preferita, cambiando l'atmosfera dell'immagine in base ai suoi sentimenti. La combinazione di toni luccicanti e riflessi dorati colpisce per la sua raffinatezza e magnificenza.
Il destino del dipinto è sorprendente e drammatico, così come la storia della vita dell'artista stesso. Dopo la morte dell'autore, il capolavoro ha cambiato molti proprietari. Dopo l'acquisizione dell'opera da parte di Caterina II, "Danae" prese il posto d'onore nella famosa collezione dell'Ermitage. Nel 1985 si verificò uno spiacevole incidente nel museo, che quasi privò il mondo dell'opportunità di contemplare il lavoro di Rembrandt. Un pazzo si è avvicinato al dipinto e ci ha spruzzato dell'acido. La vernice iniziò immediatamente a bollire. Ma questo non è bastato all'aggressore: è riuscito a fare un paio di tagli sulla tela con un coltello fino a quando non è stato fermato. I danni hanno interessato circa il 30% del capolavoro. Il maniaco si rivelò essere un certo Bronyus Maigis, che in seguito trascorse 6 anni in una clinica psichiatrica. Il restauro del dipinto è durato 12 anni. Ora è esposto all'Eremo sotto la protezione del capolavoro dai vandali. Interessante anche un altro fatto. Un'opera d'arte e le sue riproduzioni vengono spesso filmate. Ad esempio, "Danae" appare nella serie "Gangster Petersburg" come il dipinto di Rembrandt "Egina".
"Guardia notturna" (1642)
Il dipinto fu ordinato a Rembrandt dal capo della divisione di fanteria. La tela raffigura una compagnia di milizia, che va in campagna. I moschettieri, incoraggiati dai tamburi, sono raffigurati accanto a soldati di varia condizione sociale ed età, pronti per la battaglia. Tutti loro sono uniti dalla mascolinità e dall'impulso patriottico. Il lavoro si distingue per l'accuratezza nel disegnare tutte le immagini e i dettagli. Il dipinto di Rembrandt "The Night Watch" evoca negli spettatori che lo guardano un senso completo della realtà di tutto ciò che accade. L'autore ha cercato non solo di mostrare le caratteristiche esterne di tutti i personaggi, ma anche di rivelare il mondo interiore di ogni soldato. L'apoteosi dell'immagine è l'arco di trionfo, un simbolo dei successi passati e un presagio di una nuova gloriosa vittoria. Con l'aiuto di colori colorati (oro, nero e giallo), lo spettatore rivela l'energia, il dramma e la solennità dell'umore dei militari. Il carattere e il destino di ogni personaggio vengono letti grazie al pennello di un famoso artista.
Ci sono molte versioni della ragazza raffigurata quasi al centro dell'immagine. Si differenzia da tutti i colori brillanti e dall'aspetto angelico. Forse questa è una specie di mascotte della milizia. Secondo un'altra versione, la ragazza è l'immagine dell'amata moglie dell'autore, che è partita per un altro mondo nel bel mezzo della pittura. Come sapete, il lavoro non ha soddisfatto i clienti. Dopo aver acquistato il dipinto, hanno tagliato selvaggiamente la tela e l'hanno appesa nella sala dei banchetti.
"Il ritorno del figliol prodigo" (1666-1669)
Il dipinto di Rembrandt "Il ritorno del figliol prodigo" è uno dei pinnacoli più luminosi del lavoro del famoso artista. È stato scritto negli ultimi anni di vita del maestro. Questo è il tempo in cui era molto vecchio e debole, bisognoso e affamato. Il tema del figliol prodigo è emerso ripetutamente e in precedenza nel lavoro dell'artista. Questo lavoro è una conclusione, che riassume i risultati di molti anni di peregrinazioni creative del famoso autore. L'immagine irradia tutto il calore e la profondità della tavolozza di Rembrandt. Colori luccicanti e un elegante gioco di luci e ombre enfatizzano le immagini dei personaggi principali. Sotto le spoglie di un venerabile vecchio e del suo figliol prodigo, si esprime tutta una gamma di sentimenti diversi: pentimento e amore, misericordia e l'amarezza di un'intuizione tardiva. Secondo gli storici dell'arte, l'intero talento psicologico del pittore è stato rivelato in Il ritorno. Ha investito nella sua prole tutta la sua esperienza creativa accumulata, tutta la sua passione, tutta la sua ispirazione.
Conclusione
È difficile persino immaginare come Rembrandt ritrasse ciò che viene presentato in questo articolo. Quanti anni sono trascorsi dal giorno della loro creazione, quanta fuliggine delle candele di sego li ha rivestiti in tre secoli di storia! Possiamo solo indovinare che aspetto avevano durante i loro compleanni. Nel frattempo, fino ad oggi, milioni di ammiratori del talento del famoso pittore in diversi musei del mondo vengono a vedere i suoi capolavori.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) è stato un pittore, disegnatore e incisore olandese. La creatività è pervasa dal desiderio di una comprensione profonda e filosofica della realtà e del mondo interiore di una persona con tutta la ricchezza delle sue esperienze spirituali.
Realistico e umanistico nella sua essenza, ha segnato l'apice dello sviluppo dell'arte olandese del 17° secolo, incarnando alti ideali morali, fede nella bellezza e nella dignità della gente comune in una forma artistica brillantemente individuale e perfetta.
Rembrandt. Disegno "Capanne sotto un cielo che fa presagire una tempesta" (1635) Il patrimonio artistico di Rembrandt è eccezionalmente vario: ritratti, nature morte, paesaggi, scene di genere, dipinti di soggetto biblico, mitologico e storico. Rembrandt era un maestro insuperabile del disegno e.
Rembrandt. Acquaforte "Il Mulino" (1641) Il futuro grande artista è nato nella famiglia di un mugnaio. Dopo un breve studio all'Università di Leiden nel 1620, si dedicò all'arte. Studiò pittura con J. van Swanenbürch a Leiden (dal 1620 al 1623) e P. Lastman ad Amsterdam nel 1623. Tra il 1625 e il 1631 lavorò a Leida. Un esempio dell'influenza di Lastman sul lavoro dell'artista è il dipinto " Allegoria della musica", dipinto da Rembrandt nel 1626.
Rembrandt "Allegoria della musica" Nelle immagini » Apostolo Paolo"(1629 - 1630 anni) e" Simeone nel tempio"(1631) Rembrandt fu il primo ad utilizzare il chiaroscuro come mezzo per esaltare la spiritualità e l'espressività emotiva delle immagini.
Rembrandt "L'apostolo Paolo" Negli stessi anni, Rembrandt ha lavorato duramente al ritratto, studiando le espressioni facciali del volto umano. La ricerca creativa dell'artista in questo periodo si esprime in una serie di autoritratti e ritratti dei familiari dell'artista. Questo è il modo in cui Rembrandt si è ritratto all'età di 23 anni.
Rembrandt "Autoritratto" Nel 1632 Rembrandt si trasferì ad Amsterdam, dove presto sposò la ricca patrizia Saskia van Uylenbruch. Gli anni '30 del 17° secolo per l'artista furono gli anni della felicità familiare e del grande successo artistico. La coppia di famiglia è mostrata nella foto » Il figliol prodigo nella taverna"(1635).
Rembrandt "Figliol prodigo in una taverna" (1635) Allo stesso tempo, l'artista dipinge la tela " Cristo durante una tempesta sul Mar di Galilea"(1633). Il dipinto è unico in quanto è l'unico paesaggio marino dell'artista.
Rembrandt "Cristo nella tempesta sul mare di Galilea" La pittura " Lezione di anatomia del Dr. Tulp”(1632), in cui l'artista ha risolto il problema di un ritratto di gruppo in un modo nuovo, conferendo alla composizione una vita agiata e unendo le persone nel ritratto con un'unica azione, ha portato Rembrandt a grande fama. Ha ricevuto molti ordini, numerosi studenti hanno lavorato nel suo laboratorio.
Rembrandt "La lezione di anatomia del dottor Tulp" Nei ritratti su misura di ricchi borghesi, l'artista ha trasmesso con cura i lineamenti del viso, i più piccoli dettagli dell'abbigliamento e lo splendore di gioielli di lusso. Questo può essere visto sulla tela Ritratto di Burgrave', scritto nel 1633. Allo stesso tempo, i modelli ricevevano spesso una caratteristica sociale ben definita.
Rembrandt "Ritratto di un burgravio" Più liberi e vari nella loro composizione sono i suoi autoritratti e i ritratti di persone care:
- » auto ritratto', scritto nel 1634. Il dipinto è attualmente in mostra al Louvre.
Rembrandt "Autoritratto" (1634) - » Saskia sorridente". Il ritratto fu dipinto nel 1633. Oggi è nella Galleria d'Arte di Dresda.
Rembrandt "Saskia sorridente" Queste opere si distinguono per la loro vivace spontaneità e composizione elevata, modo di dipingere libero, schema di colori importante, pieno di luce e dorato.
Un'audace sfida ai canoni e alle tradizioni classiche nell'opera dell'artista può essere rintracciata sull'esempio della tela » Il rapimento di Ganimede', scritto nel 1635. Al momento, l'opera si trova nella Galleria d'Arte di Dresda.
Rembrandt "Il ratto di Ganimede" Dipinto "Danae"
Una vivida incarnazione delle nuove visioni estetiche dell'artista era una composizione monumentale " Danae”(scritto nel 1636), in cui entra in discussione con i grandi maestri del Rinascimento italiano. L'artista è andato contro i canoni generalmente accettati dell'immagine e ha creato una bella immagine che andava oltre le allora idee di vera bellezza.
La figura nuda di Danae, lontana dagli ideali classici della bellezza femminile, Rembrandt si è esibita con audace spontaneità realistica e l'artista ha opposto la sublime bellezza della spiritualità e il calore del sentimento intimo di una persona alla bellezza ideale delle immagini dei maestri italiani.
Rembrandt "Danae" (1636) Sottili sfumature di esperienze emotive sono state espresse dal pittore nei dipinti " Davide e Gionata» (1642) e » sacra Famiglia"(1645). Le riproduzioni di alta qualità dei dipinti di Rembrandt possono essere utilizzate per la decorazione in molti stili.
Nel 1656 Rembrandt fu dichiarato fallito e tutta la sua proprietà fu venduta a un'asta pubblica. Fu costretto a trasferirsi nel quartiere ebraico di Amsterdam, dove trascorse il resto della sua vita.
Rembrandt "La Sacra Famiglia" (1645) Dipinto "Il ritorno del figliol prodigo".
Una fredda incomprensione dei borghesi olandesi circondò Rembrandt negli ultimi anni della sua vita. Tuttavia, l'artista ha continuato a creare. Un anno prima della sua morte, iniziò a creare la sua tela geniale " Il ritorno del figliol prodigo"(1668 - 1669), in cui si incarnavano tutte le questioni artistiche, morali ed etiche.
In questa immagine, l'artista crea un'intera gamma di sentimenti umani complessi e profondi. L'idea principale dell'immagine è la bellezza della comprensione umana, della compassione e del perdono. Il climax, la tensione dei sentimenti e il momento di risoluzione delle passioni che ne conseguono sono incarnati in pose espressive e gesti meschini e laconici di padre e figlio.
Rembrandt "Il ritorno del figliol prodigo" Autoritratto di Rembrandt, 1661. Olio su tela, 114x91.
Kenwood House, Londra, Patrimonio inglese.
Illustrazione da http://rembr.ru/
Rembrandt, Harmenz van Rijn (1606-1669), pittore, disegnatore e incisore olandese, uno dei più grandi maestri dell'arte dell'Europa occidentale. Nato a Leida il 15 luglio 1606 nella famiglia di un ricco mugnaio. Nel 1620 entrò all'Università di Leiden, ma non vi rimase a lungo e presto divenne uno studente dell'artista locale Jacob Isaacs Swanenbürch. Intorno al 1623 si trasferì ad Amsterdam, dove entrò nella bottega di Jan Peynas, studiò con il maestro della pittura storica Pieter Lastman. Quest'ultimo introdusse Rembrandt alle opere dei maestri dell'arte italiana. Dal 1625 al 1631 Rembrandt tenne il suo laboratorio a Leida, a volte lavorando con il pittore e incisore Jan Lievens. Tra gli studenti di Rembrandt, Gerard Dou è il più famoso.
Nel 1631 o alla fine del 1632 Rembrandt tornò ad Amsterdam. Il 22 giugno 1635 sposò Saskia van Uilenbürch, figlia del ricco borgomastro di Leuwarden. Nel 1642, il successo nella creatività e nella vita personale fu sostituito da una serie di disgrazie. Alla fine degli anni '30 del Seicento gli nacquero quattro figli uno dopo l'altro, ma tutti morirono in tenera età, e poi il 14 giugno 1642 morì improvvisamente anche la sua amata moglie. L'artista è rimasto con suo figlio Tito di un anno. Il dipinto The Night Watch (1642, Amsterdam, Rijksmuseum), completato poco dopo la morte di Saskia, segna l'inizio della sua nuova ricerca creativa.
Alla fine del 1640, Hendrikje Stoffels divenne la moglie non ufficiale di Rembrandt (secondo la volontà di Saskia, non poteva sposarsi una seconda volta). Nel 1654 nacque la loro figlia Cornelia. Tuttavia, ora l'artista era perseguitato da difficoltà finanziarie. Nel luglio 1656 fu costretto a dichiarare bancarotta e nei due anni successivi la sua notevole collezione fu venduta. Volendo aiutare Rembrandt, alla fine del 1658 Tito e Hendrickje iniziarono a commerciare dipinti.
Gli ultimi anni della vita dell'artista sono stati oscurati dalla morte dei propri cari. Il 24 luglio 1663 Hendrikje morì. Tito si sposò nel febbraio 1668 e morì sei mesi dopo. Ora Rembrandt rimase solo con la giovane Cornelia. Rembrandt morì il 4 ottobre 1669.
Rembrandt ha creato circa 600 dipinti, quasi 300 incisioni e oltre 1400 disegni. Quella che segue è una panoramica cronologica del suo lavoro.
Il primo periodo dell'opera di Rembrandt va considerato nel contesto dell'influenza dell'arte italiana sulla pittura olandese. Tra i maestri italiani, gli olandesi furono particolarmente attratti da Caravaggio, nelle cui opere il naturalismo audace e la modellazione di luci e ombre contrastanti sembravano essere una sfida per l'arte classica. Artisti come Gerard Terbruggen e l'insegnante di Rembrandt Peter Lastman hanno lavorato nello stile di Caravaggio, introducendo gradualmente il caravagismo nell'arsenale dei mezzi artistici della pittura olandese. Anche i dipinti di Rembrandt del periodo di Leiden (1625-1631) appartengono a questa tendenza. I dipinti del cambiavalute (1627, Berlino) e dello scienziato nel suo studio (1629, Londra, National Gallery) hanno mostrato l'interesse del maestro nel trasmettere effetti di luce. La prima raffigura un vecchio con gli occhiali al lavoro, in un angolo disseminato di libri contabili. Il suo viso rugoso è illuminato dalla luce fioca di un'unica candela, che copre con la mano. Nel secondo dipinto, Rembrandt ha cercato di trasmettere l'atmosfera di un interno pieno d'aria. Il soggetto principale dell'immagine è la stessa stanza dal soffitto alto, immersa in una luce soffusa e svolazzante.
Nel corso della sua carriera, l'artista si è rivolto a soggetti in cui un profondo dramma della vita si combina con elementi di sottile psicologismo. Nel dipinto Cena in Emmaus (1630 circa, Parigi, Museo Jacquemart-André), sono visibili le caratteristiche della pittura di Rembrandt di questo periodo. Rembrandt ha presentato questo episodio come una messa in scena teatrale. La sagoma di Cristo si staglia sullo sfondo di una luce accecante, la maggior parte della tela è immersa nell'ombra.
Il trasferimento ad Amsterdam ei grandi successi artistici che lo seguirono aprono un nuovo periodo nell'opera di Rembrandt; questo decennio, durante il quale sono state create opere intrise di dramma e allo stesso tempo non prive di sensualità materiale, in parte affine nello spirito alle opere del fiammingo Peter Paul Rubens. La prima grande commissione ricevuta da Rembrandt ad Amsterdam fu l'Anatomy of Dr. Tulip (1632, L'Aia, Mauritshuis). È l'immagine di un famoso medico di Amsterdam e dei suoi colleghi della corporazione dei chirurghi della città.
Tra i dipinti di soggetto storico realizzati da Rembrandt negli anni '30 del Seicento, l'accecamento di Sansone (1636, Francoforte sul Meno, Städel Art Institute) è particolarmente drammatico. Riflessi di luce, diagonali dinamiche e colori accesi servono ad aumentare la tensione della trama; l'immagine è piena di un movimento rapido e netto.
L'edonismo e il virtuosismo tecnico che caratterizzano la pittura di Rembrandt di questi anni potrebbero aver trovato la sua incarnazione più sorprendente nell'Autoritratto con Saskia (1635 circa, Dresda, Pinacoteca). Qui l'artista si è raffigurato in un romantico costume da gentiluomo; Con una mano alza un bicchiere di birra, e con l'altra abbraccia Saskia, che è seduta sulle sue ginocchia. La brillantezza dei colori e la libertà del tratto sono pienamente coerenti con l'atmosfera della scena.
Autoritratto con Saskia in ginocchio. 1635
All'inizio degli anni Quaranta del Seicento, la vita e l'attività artistica di Rembrandt avevano acquisito stabilità e regolarità. L'Autoritratto del 1640 (Londra, National Gallery), realizzato sotto l'influenza delle opere di Raffaello e Tiziano, raffigura un uomo sicuro di sé, assennato, vestito secondo la moda italiana del XVI secolo, appoggiato a una balaustra ; le sue spalle sono leggermente girate, il suo sguardo è rivolto allo spettatore.
Uno dei dipinti più famosi di questo periodo è La ronda di notte (1642, Amsterdam, Rijksmuseum). Il vero nome dell'opera è Compagnia del capitano Frans Banning Cock e del tenente Willem van Reitenburg. Fu scritto in occasione di una visita ad Amsterdam della regina francese Maria de' Medici e di una solenne uscita delle truppe della milizia cittadina organizzata in questa occasione. Lo sfondo scuro prevalente nell'immagine permette di evidenziare meglio le figure dei personaggi. Ecco perché nel 18° secolo. il dipinto era erroneamente intitolato The Night Watch. Come l'Anatomia del Dr. Tulip, questo dipinto va oltre il tradizionale ritratto di gruppo. Raffigura 29 personaggi, di cui 16 sono personaggi storici reali; i loro movimenti e la loro posizione nell'immagine sono soggetti a un'unica azione comune che si sviluppa davanti agli occhi dello spettatore. Pali, stendardi e moschetti sporgono in direzioni diverse, rendendo la composizione più libera e dinamica; la sensazione è esaltata dal gioco di luci e ombre.
La ronda notturna. 1642
Negli anni Quaranta del Seicento, la pittura religiosa di Rembrandt diventa meno retorica, in essa compaiono umiltà e profonda forza interiore, caratteristiche del lavoro del defunto maestro. Sin dal Rinascimento, gli eventi della Sacra Scrittura sono stati generalmente interpretati in modo eroico e i loro personaggi sono stati dotati di bellezza fisica. La visione di Rembrandt differiva nettamente da questo concetto; Cristo nelle sue opere appare umile e mansueto, umiliato e invisibile tra gli uomini.
Il foglio dei cento fiorini, incisione che prende il nome dal prezzo a cui fu venduto in una delle prime aste, affronta il tema dell'umiltà cristiana. La figura di Cristo non si distingue dalla folla né per i vestiti né per una posizione speciale, ma l'attenzione dello spettatore si rivolge al centro della composizione: il volto del Salvatore con i più sottili raggi di luce divina che emana da lui. Alla sua sinistra sono quelli rotti dalla debolezza dello spirito e della carne, i ricchi ei poveri, uniti dalla sofferenza. A destra ci sono i farisei, miscredenti e immersi in infinite dispute. I bambini cadono ai piedi di Cristo. Nell'incisione di Liszt di cento fiorini, in assenza di azione visibile, Rembrandt riuscì perfettamente a trasmettere il miracolo della presenza divina nel mondo umano.
Dall'inizio del 1650, i ritratti di Rembrandt divennero profondamente personali, le composizioni divennero rigorose e geometriche nella costruzione e la combinazione di colori divenne una vasta gamma di sfumature di tre o quattro colori. L'arte di Rembrandt non riflette più i gusti artistici del pubblico; l'artista è ora impegnato nello studio delle proprietà della tecnica della pittura ad olio. L'atteggiamento del maestro, incarnato nelle sue opere successive, oggi così apprezzate, rimase incomprensibile ai suoi contemporanei.
Rembrandt. "Dana". 1636.
Il dipinto L'uomo dall'elmo dorato (1651, Berlino-Dahlem) della bottega di Rembrandt mostra i tratti caratteristici dello stile tardo del maestro. Il volto del guerriero dai capelli grigi è immerso in un'ombra profonda e morbida e i riflessi della luce sull'elmo sono convogliati da tratti liberi, ampi e spessi. Per Rembrandt, una trama insolita a volte potrebbe diventare un'occasione per audaci esperimenti artistici. Un esempio qui è il dipinto Carcassa di toro scuoiato (1655, Parigi, Louvre). Il pennello riporta la vita alla carne morta e la bellezza alla bruttezza. Rembrandt ha sempre evitato l'idealizzazione classica nella rappresentazione del corpo umano. Nel dipinto di Betsabea (1654, Parigi, Louvre), la donna che il re Davide vide fare il bagno e di cui si innamorò per la sua straordinaria bellezza non è raffigurata al momento del bagno, tanto spesso scelta dagli artisti per raccontare questa storia, e non per niente bello. È immersa in profondi pensieri e sembra prevedere la morte del marito.
Nella sua opera successiva, Rembrandt si rivolge sempre più all'interpretazione degli eventi della storia cristiana. Il dipinto La discesa dalla croce (1655 circa, Washington, National Gallery) è dedicato non solo alla morte di Cristo, ma anche al dolore di coloro che lo piangono.
Una delle opere di pittura religiosa più famose di Rembrandt di questo periodo è La negazione di Pietro (1660 circa, Amsterdam, Rijksmuseum). Al centro è raffigurata una giovane serva che si rivolge a Pietro, il quale conferma le sue parole sulla rinuncia a Cristo con un gesto della mano posata da parte. Lo spazio in primo piano è illuminato da un unico cero, che è schermato dalla mano della serva, tecnica molto in voga tra i caravagisti all'inizio del secolo. La luce soffusa di una candela modella le forme di figure e oggetti in primo piano. Sono scritti con tratti leggeri, in una combinazione di colori brunastro-giallastri con alcuni accenti rossi. A volte le forme sembrano dissolversi nella luce o riempirsi di essa, come la mano di una cameriera che blocca una candela. C'è una profonda tristezza sul volto di Peter. Qui, come nei successivi ritratti e autoritratti dell'artista, Rembrandt ritrae la vecchiaia con maestria insuperabile, con la sua saggezza accumulata negli anni, la debolezza della carne e la forza d'animo.
I ritratti di Rembrandt diventano profondamente personali nel corso degli anni. Nel ritratto del poeta Jan Six (1654, Amsterdam, collezione della famiglia Sei), la persona ritratta è raffigurata in uno scorcio appena percettibile dal basso verso l'alto; ad eccezione di un volto finemente modellato, il ritratto è dipinto in modo rapido e libero, con pennellate larghe. La cromia è dominata dal rosso scintillante della mantella e dall'oro dei bottoni dell'abito, in contrasto con varie sfumature di verde e grigio.
Nel ritratto di Hendrickje Stoffels (1656 ca., Berlino-Dahlem), la figura è inscritta nella cornice dell'apertura della finestra e, a causa della grande scala scelta dall'artista, sembra trovarsi molto vicino al piano del quadro. Lo sguardo di Hendrickje è rivolto allo spettatore, la sua postura è libera, la sua testa è inclinata di lato e le sue mani giacciono in modo molto naturale. La combinazione di colori dell'immagine è una combinazione di toni dorati, bianchi, rossi e neri.
Uno dei migliori ritratti di gruppo di Rembrandt - Sindiki (1661-1662, Amsterdam, Rijksmuseum). I clienti del ritratto erano rappresentanti della gilda dei tessuti di Amsterdam (sindaci). Sono raffigurati attorno a un tavolo con sopra un libro dei conti. L'artista rende lo spettatore un partecipante a ciò che sta accadendo nell'immagine. Sembra che abbiamo appena interrotto i sindaci, che sono impegnati con i loro calcoli, e quindi tutti, come se alzassero per un attimo il loro lavoro, guardano lo spettatore. Il quadro è dominato da linee rette, ma il giro del tavolo e il complesso gioco di luci ammorbidiscono la severità della composizione. Macchie di luce sono sparse su tutta la tela, ravvivando la sua superficie pittoresca. Questa immagine è notevole sia come studio psicologico, il cui scopo è ritrarre persone con caratteri diversi, sia come documento storico.
Intorno al 1661 a Rembrandt fu commissionato uno degli otto dipinti storici che avrebbero dovuto decorare il municipio di Amsterdam. Un'enorme tela (dimensioni originali 5x5 m) La Congiura di Giulio Civile, secondo varie versioni, o non fu mai esposta in municipio, o occupò il posto assegnatole per non più di due anni, e poi fu sostituita da un dipinto di Forni sulla stessa trama. Di quest'opera di Rembrandt è sopravvissuto solo un frammento, che si trova nel Museo Nazionale di Stoccolma. Rembrandt descrisse un evento descritto negli Annali dello storico romano Tacito (I secolo): i capi della tribù Batav giurano di combattere per la liberazione dal dominio romano con la spada. La scala di quest'opera nella sua forma originale può essere giudicata da uno schizzo compositivo situato a Monaco di Baviera. Dimostra che in un primo momento il tavolo e le persone radunate attorno ad esso erano rappresentati nello spazio di un'enorme sala, la cui profondità era convogliata attraverso giochi di luci e ombre.
Nel 17° secolo il disegno di solito serviva come schizzo preliminare per lo sviluppo di una grande composizione, uno studio dei singoli dettagli di un'immagine futura o veniva applicato su cartone e quindi trasferito su una superficie destinata alla pittura. Molto raramente si pensava che un disegno fosse un'opera d'arte finita; spesso, a progetto ultimato, i disegni venivano buttati via. Ogni disegno di Rembrandt è un'esplorazione della natura dei fenomeni e un tentativo di catturare la natura di un momento o di un oggetto. Quando l'artista ha realizzato schizzi dalle opere di antichi maestri, non ha creato copie, ma variazioni sullo stesso tema, risolvendo i propri problemi artistici. Negli anni '30 e '40 del Seicento dipinse, combinando linee di diverso spessore con le migliori sfumature di collina. A volte i suoi disegni sembrano schizzi veloci, dove la linea nervosa non rimane quasi mai continua.
Rembrandt è stato il primo a rendersi conto delle ricche possibilità dell'incisione rispetto all'incisione su metallo. Tale incisione viene creata graffiando un disegno su una lastra di metallo; quindi la lastra viene ricoperta di vernice, riempiendo i recessi lasciati dalla taglierina e da essa vengono stampate le stampe su carta utilizzando una pressa. La taglierina richiede una forte pressione e grande cura. L'acquaforte, al contrario, non richiede grande forza fisica e le linee sono più libere e flessibili. Invece di graffiare il metallo con uno scalpello, l'artista copre la lastra con vernice resistente agli acidi e disegna su di essa con un ago, quindi immerge la lastra nell'acido e il metallo viene inciso in punti privi di vernice. L'incisione dà all'artista molta più libertà e può disegnare con un ago, come una penna su carta. Nelle acqueforti di Rembrandt, le linee sono libere e mobili come negli schizzi a penna. Per ottenere nuovi effetti espressivi, spesso combinava diverse tecniche: a volte faceva passare uno scalpello lungo una tavola già incisa con acido, a volte incideva con un "ago secco" - uno strumento con un diamante all'estremità, che lascia scanalature con intagli su il metallo, donando morbidezza e vellutata al tratto sulla stampa. Ad esempio, in Liszt dei cento fiorini, l'artista ha utilizzato tutte queste tecniche (il lavoro su questa tavola è durato diversi anni).
Liszt Annunciazione ai pastori (1634) è un vero spettacolo teatrale barocco. Il disegno è realizzato con tratti densamente intersecanti che creano contrasti di toni chiari e scuri. Cinque anni dopo, nell'Assunzione della Madre di Dio, il predominio di zone scure densamente ombreggiate fu sostituito dal predominio di aree chiare e sottili ombreggiature parallele. Nell'acquaforte dei Tre alberi (1643), il contrasto tra frammenti fortemente sfumati dell'immagine e carta bianca è portato al limite; le linee parallele oblique contro il cielo trasmettono perfettamente la sensazione di un temporale estivo. La più drammatica delle incisioni di Rembrandt è la foglia delle Tre Croci (1650 circa).
Vengono utilizzati i materiali dell'enciclopedia "Il mondo intorno a noi".
Il ritorno del figliol prodigo. 1669
L'apice del realismo olandese è l'opera di Rembrandt. Il contenuto ideologico insito nelle sue immagini e la notevole abilità artistica mettono Rembrandt alla pari dei più grandi rappresentanti dell'arte mondiale. È altrettanto grande come pittore e come maestro dell'incisione e del disegno.
Rembrandt Harmensz van Rijn nacque nel 1606 a Leiden, figlio di un proprietario di un mulino. La sua vocazione per la pittura si manifesta molto presto. I primi anni della sua carriera, svoltasi nella natia Leida, sono caratterizzati dalla ricerca dell'indipendenza creativa. Nel 1632 si trasferì ad Amsterdam, il centro della vita culturale della repubblica. Nella "Lezione di anatomia del dottor Tulp", che gli ha procurato un grande successo, Rembrandt risolve il problema del ritratto di gruppo in un modo nuovo, unendolo all'unità dell'azione. La fama di Rembrandt sta crescendo, molti studenti affollano il suo laboratorio, gli anni '30 sono il periodo del più grande successo nella vita di Rembrandt; insieme a dipinti su soggetti biblici e mitologici, dipinge un numero enorme di ritratti su misura, lavora molto all'acquaforte e disegna. Le opere di questo decennio sono segnate da un senso di grande vitalità, accentuata da un'espressività drammatica, anche se talvolta non sono esenti da effetti esterni. Tra le migliori creazioni degli anni '30 c'è Danae, dove l'immagine mitologica tradizionale acquisisce i tratti di una sorprendente verità di vita. Prende forma il sistema pittorico dell'artista, in cui il ruolo principale è giocato dai contrasti di luci e ombre, che esaltano il suono emotivo delle immagini.
All'inizio degli anni Quaranta avviene una svolta nell'opera di Rembrandt: l'artista viene liberato da alcune limitazioni insite nei suoi primi lavori, si approfondisce il suo metodo realistico, che però non incontra il riconoscimento degli ambienti borghesi. Indicativa a questo proposito è la storia del suo famoso dipinto, noto come i Guardiani della Notte. Soddisfacendo un ordine per un ritratto di gruppo dei tiratori della compagnia del capitano Banning Cock, Rembrandt ha violato tutte le tradizioni. Invece di una serie di figure formalmente sedute raffigurate su una tela, ha presentato una scena di strada piena di realismo e alta poesia, un'esibizione solenne di arcieri circondati da una folla urbana attratta da questo evento. Quest'opera monumentale riecheggia i tempi eroici della Rivoluzione olandese. L'accoglienza ostile che ha incontrato i Guardiani della Notte è stato un indicatore dei gusti limitati della borghesia olandese, il suo allontanamento dagli ideali progressisti dell'era rivoluzionaria.
Nelle opere degli anni '40, Rembrandt si rivolge al mondo della gente comune e povera: è in questo ambiente che trova portatori di alta nobiltà morale, sentimenti forti e sinceri. In dipinti come La Sacra Famiglia o Il Misericordioso Samaritano, gli eventi evangelici sono rappresentati come episodi della vita quotidiana. Ciò conferisce al tema religioso un significato sociale speciale. La grafica di Rembrandt si sta sviluppando nella stessa direzione. Nella famosa acquaforte "Cristo che guarisce i malati", le immagini dei poveri e degli afflitti sono contrapposte ai farisei ipocriti.
Gli ultimi 20 anni sono il momento più tragico della vita di Rembrandt. Il suo disaccordo con i gusti dominanti della borghesia portò a una diminuzione degli ordini e finì in bancarotta nel 1656: le proprietà e le collezioni dell'artista furono vendute all'asta, e lui stesso fu costretto a stabilirsi nel quartiere più povero di Amsterdam.
È perseguitato da pesanti perdite familiari. Ma fu durante questi anni che l'arte di Rembrandt raggiunse il suo apice. La natura monumentale delle immagini, la profonda rivelazione del mondo interiore di una persona, il dipinto, che colpisce nella sua energia, basato sulle consonanze di toni rossastri e brunastri, per così dire, che bruciano dall'interno: queste sono le caratteristiche di la sua tarda arte. Le migliori opere di questo periodo sono "Assur, Haman ed Ester", "David before Saul", ecc. Negli stessi anni, Rembrandt crea la sua composizione storica, piena di potere eroico, "The Conspiracy of Julius Civilis", dedicata alla lotta di liberazione dei Batavi (considerati gli antenati dei Paesi Bassi) contro il dominio romano.
Negli anni successivi, l'arte ritrattistica del maestro raggiunge il suo apice. Nei suoi ritratti, Rembrandt non si limita a nessun aspetto psicologico, ma fornisce, per così dire, un'immagine dell'intera vita spirituale di una persona, il continuo movimento interiore del pensiero e del sentimento. Per Rembrandt la ricchezza della persona umana è inesauribile; riferendosi più volte allo stesso modello, il maestro vi trova sempre qualcosa di nuovo, di unico. Ad esempio, Rembrandt ha creato oltre cento autoritratti. Le migliori creazioni di Rembrandt includono i ritratti di Breuning, il borgomastro Sei, la seconda moglie dell'artista Hendrikje Stoffels, suo figlio Tito che legge.
Il finale dell'opera di Rembrandt - il suo famoso dipinto "Il ritorno del figliol prodigo" - trema con l'irradiazione di un profondo sentimento umano. L'affermazione degli ideali umanistici nelle condizioni dell'Olanda nel XVII secolo significò l'inevitabile rottura dell'artista con la borghesia, che si era allontanata dalle loro tradizioni rivoluzionarie. È significativo che la morte del grande maestro nel 1669 sia passata del tutto inosservata.
Tra i pochi studenti che hanno appreso gli alti principi del realismo di Rembrandt c'erano Karel Fabricius (1622-1654 circa) e Art de Gelder (1645-1727), prematuramente scomparso.
Nell'ultimo quarto del XVII sec. inizia un periodo di completo declino dell'arte olandese.
Citato da: Storia del mondo. Volume IV. M., 1958, pag. 311-313.
Letteratura:
Rovinsky D. Collezione completa di incisioni di Rembrandt, voll.1–4. San Pietroburgo, 1890
Rembrandt. La cultura artistica dell'Europa occidentale nel XVII secolo. SPb, M., 1970
Egorova K.S. Rembrandt Harmensz van Rijn. I dipinti dell'artista nei musei dell'Unione Sovietica [Album]. L., 1971
Egorova K.S. Ritratto nelle opere di Rembrandt. M., 1975
Leggi oltre:
Irina Nenarokomova. Rembrandt. (Giornale di romanzi per bambini).
Pittori(guida biografica).
Leggi di più in linea:
Sito web http://rembr.ru/ - sull'artista olandese Rembrandt Van Rijn. Galleria di dipinti, biografia dell'artista, libri e studi sulla vita di Rembrandt.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn [ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə(n)soːn vɑn ˈrɛin], 1606-1669) è stato un artista, disegnatore e incisore olandese, un grande maestro del chiaroscuro, il più grande rappresentante dell'età d'oro della pittura olandese. Riuscì a incarnare nelle sue opere l'intera gamma delle esperienze umane con una tale ricchezza emotiva, che l'arte non conosceva prima di lui. Le opere di Rembrandt, estremamente diverse nel genere, aprono allo spettatore il mondo spirituale senza tempo delle esperienze e dei sentimenti umani.
Rembrandt Harmenszoon ("figlio di Harmen") van Rijn nacque il 15 luglio 1606 (secondo alcune fonti, nel 1607) in una famiglia numerosa di un ricco proprietario di un mulino Harmen Gerritszoon van Rijn a Leiden. La famiglia della madre, anche dopo la rivoluzione olandese, rimase fedele alla fede cattolica.
A Leida, Rembrandt ha frequentato la scuola di latino all'università, ma ha mostrato il massimo interesse per la pittura. All'età di 13 anni fu mandato a studiare belle arti con il pittore storico di Leiden Jacob van Swanenbürch, cattolico di fede. I ricercatori non sono stati in grado di trovare le opere di Rembrandt relative a questo periodo, quindi la questione dell'influenza di Swanenbürch sulla formazione del modo creativo di Rembrandt rimane aperta: oggi si sa troppo poco di questo artista di Leida.
Nel 1623 Rembrandt studiò ad Amsterdam con Pieter Lastman, che si era formato in Italia e si era specializzato in argomenti storici, mitologici e biblici. Ritornato a Leida nel 1627, Rembrandt, insieme al suo amico Jan Lievens, aprì il suo laboratorio e iniziò a reclutare studenti. Nel giro di pochi anni ha guadagnato un'ampia popolarità.
La passione di Lastman per la variegatura e il dettaglio nell'esecuzione ha avuto un enorme impatto sul giovane artista. Si manifesta chiaramente nelle sue prime opere sopravvissute - "La lapidazione di S. Stefano" (1629), "Una scena di storia antica" (1626) e "Il battesimo di un eunuco" (1626). Rispetto alle sue opere mature, sono insolitamente colorate, l'artista si sforza di scrivere accuratamente ogni dettaglio del mondo materiale, nel modo più accurato possibile per trasmettere l'ambientazione esotica della storia biblica. Quasi tutti i personaggi appaiono davanti allo spettatore vestiti con bizzarri abiti orientali, risplendenti di gioielli, che creano un'atmosfera di sfarzo, splendore, festa ("Allegory of Music", 1626; "David before Saul", 1627).
Le opere finali del periodo - "Tobia e Anna", "Balaam e l'asino" - riflettono non solo la ricca immaginazione dell'artista, ma anche il suo desiderio di trasmettere le esperienze drammatiche dei suoi eroi nel modo più espressivo possibile. Come altri maestri del barocco, inizia a comprendere il significato del chiaroscuro nettamente scolpito nel trasmettere emozioni. I suoi maestri in relazione al lavoro con la luce furono i caravagisti di Utrecht, ma fu ancor più guidato dalle opere di Adam Elsheimer, un tedesco che lavorò in Italia. I dipinti più caravaggisti di Rembrandt sono "La parabola del ricco sciocco" (1627), "Simeone e Anna nel tempio" (1628), "Cristo in Emmaus" (1629).
Attiguo a questo gruppo è il dipinto L'artista nel suo studio (1628; forse questo è un autoritratto), in cui l'artista si cattura in studio nel momento in cui contempla la propria creazione. La tela su cui si sta lavorando viene portata in primo piano nell'immagine; in confronto a lui, l'autore stesso sembra un nano.
Uno dei problemi irrisolti della biografia creativa di Rembrandt è la sua sovrapposizione artistica con Lievens. Lavorando fianco a fianco, hanno affrontato lo stesso argomento più di una volta, come Sansone e Dalila (1628/1629) o La risurrezione di Lazzaro (1631). In parte, entrambi erano attratti da Rubens, allora conosciuto come il miglior artista di tutta Europa, a volte Rembrandt prendeva in prestito i reperti artistici di Livens, a volte era esattamente il contrario. Per questo motivo, la distinzione tra le opere di Rembrandt e Lievens del 1628-1632 presenta alcune difficoltà per gli storici dell'arte. Tra le altre sue opere famose c'è "L'asino di Valaam" (1626).
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Il futuro riformatore delle belle arti nacque nella famiglia di un ricco mugnaio a Leida. Fin dalla prima infanzia, il ragazzo mostrò interesse per la pittura, quindi all'età di 13 anni fu mandato come apprendista dall'artista di Leiden Jacob van Swanenbürch. Successivamente, Rembrandt studiò con il pittore di Amsterdam Pieter Lastman, specializzato in soggetti storici, mitologici e biblici.
Già nel 1627 Rembrandt riuscì, insieme al suo amico Jan Lievens, ad aprire il proprio laboratorio: il giovane pittore, che aveva appena 20 anni, iniziò a reclutare lui stesso studenti.
Già nei primi lavori di Rembrandt, uno stile pittorico speciale sta iniziando a prendere forma: l'artista cerca di scrivere i suoi personaggi nel modo più emotivo possibile, letteralmente ogni centimetro della tela è pieno di dramma. Proprio all'inizio del viaggio, il futuro maestro insuperabile della lavorazione del chiaroscuro si rese conto del potere di questa tecnica per trasmettere emozioni.
Nel 1631, Rembrandt si trasferì ad Amsterdam, dove fu accolto con grande entusiasmo, gli intenditori d'arte confrontarono lo stile pittorico del giovane artista con le opere dello stesso Rubens - a proposito, Rembrandt era felice di concentrarsi su gran parte dell'estetica di questo artista.
Il periodo di lavoro nella capitale olandese è diventato un punto di riferimento per il genere del ritratto nell'opera di Rembrandt: è qui che il maestro dipinge molti studi di teste femminili e maschili, elaborando attentamente ogni dettaglio, comprendendo tutte le sottigliezze delle espressioni facciali di un volto umano. L'artista dipinge cittadini facoltosi - la sua fama si diffonde rapidamente e diventa la chiave del successo commerciale - e lavora molto anche sugli autoritratti.
Il destino di Rembrandt, sia personale che creativo, non è stato facile. Favorito presto dalla fama e dal successo, il talentuoso pittore perse improvvisamente anche clienti facoltosi che non riuscirono a realizzare il coraggio rivoluzionario del suo lavoro. L'eredità di Rembrandt fu veramente apprezzata solo due secoli dopo: nel XIX secolo, gli artisti realisti si ispirarono proprio alle tele di questo maestro, uno dei rappresentanti più brillanti dell'età d'oro della pittura olandese.
"Serata Mosca"suggerisce di ricordare i dipinti più famosi di Rembrandt, che sono le perle delle collezioni dei più grandi musei del mondo.
1. "Danae" (1633-1647)
Anche se non sai nulla di Rembrandt e non sei affatto interessato alla pittura, questa immagine ti è sicuramente familiare. La tela, conservata nell'Ermitage di San Pietroburgo, è andata quasi irrimediabilmente perduta nel 1985 a causa di un vandalo che l'ha cosparsa di acido solforico e poi ha tagliato la tela con un coltello.
Il dipinto, che raffigura una ragazza nuda sdraiata su un letto sotto i raggi di luce ultraterrena, è stato dipinto da Rembrandt per la sua casa - il famoso mito greco antico sulla bella Danae, la futura madre della vincitrice Medusa Perseo, e Zeus il Thunderer è stato scelto come trama. L'aspetto stesso di Danae ha posto un enigma per i ricercatori della creatività, che sono riusciti a risolvere abbastanza di recente: è noto che il modello di Rembrandt era sua moglie Saskia van Uilenbürch, ma la Danae che è arrivata fino a noi non è affatto come quella dell'artista moglie. Uno studio a raggi X della tela ha mostrato che Rembrandt ha parzialmente riscritto il viso di Danae dopo la morte di sua moglie e lo ha fatto sembrare il viso del suo secondo amante, la tata di suo figlio Titus Gertier Dirks. Anche Cupido, in bilico su Danae, inizialmente sembrava diverso: il dio alato rise e, nella versione finale, soffriva di congelamento sul viso.
Dopo l'attacco al dipinto nel 1985, ci sono voluti 12 anni per restaurarlo. La perdita della pittura è stata del 27%, i migliori maestri hanno lavorato al restauro del capolavoro di Rembrandt, ma non c'erano garanzie di successo. Fortunatamente, la tela è ancora riuscita a essere salvata, ora l'immagine è protetta in modo affidabile da un vetro blindato.
2. "Guardia notturna", (1642)
La colossale tela di quasi quattro metri è diventata davvero fatale nella carriera del suo creatore. Il nome corretto del dipinto è "Discorso della compagnia di fucili del capitano Frans Banning Cock e del tenente Willem van Ruytenburg". È diventata la "Guardia notturna" dopo che lei, dimenticata per due secoli, è stata scoperta dagli storici dell'arte. È stato deciso che il dipinto raffigura moschettieri durante un servizio notturno - e solo dopo il restauro si è scoperto che un colore originale completamente diverso è nascosto sotto uno strato di fuliggine - le ombre ne parlano in modo eloquente - l'azione sulla tela si svolge intorno alle 2 ore pomeridiane.
Il lavoro è stato commissionato a Rembrandt dalla Shooting Society, un distaccamento della milizia civile dei Paesi Bassi. Un ritratto di gruppo di sei compagnie avrebbe dovuto decorare il nuovo edificio della società: a Rembrandt fu chiesto di dipingere la compagnia di fucilieri del capitano Frans Banning Cock. Dall'artista ci si aspettava un ritratto formale tradizionale - tutti i personaggi in fila - tuttavia, ha deciso di raffigurare i moschettieri in movimento. La composizione audace, in cui ogni figura è il più dinamica possibile, non ha trovato comprensione con il cliente: l'insoddisfazione era causata dal fatto che una delle immagini era chiaramente visibile e qualcuno era sullo sfondo. "Night Watch" ha letteralmente rotto la carriera di Rembrandt: è stato dopo questa foto che i clienti costantemente ricchi si sono allontanati dal pittore e il modo in cui scriveva è cambiato radicalmente.
A proposito, il destino di questa tela non è meno tragico di quello di Danae. Tanto per cominciare, nel 18° secolo fu completamente barbaramente tagliato fuori per adattarsi alla nuova sala della Shooting Society. Così i moschettieri Jacob Dirksen de Rooy e Jan Brugman sono scomparsi dalla scena. Fortunatamente si è conservata una copia della tela originale. "Night Watch" è sopravvissuto tre volte all'attacco dei vandali: la prima volta è stato ritagliato un grande pezzo di tela, la seconda volta il dipinto è stato pugnalato 10 volte e la terza volta è stato cosparso di acido solforico.
Ora la tela è conservata nel Rijksmuseum, il Museo Nazionale di Amsterdam. Puoi guardare questa immagine per molte ore: tutti i personaggi sono scritti in modo così dettagliato su un'enorme tela, sia "su misura" (in realtà, moschettieri - ce ne sono 18), sia aggiunti da Rembrandt a sua discrezione ( 16 figure, le più misteriose - una bambina al posto della "sezione aurea" dell'immagine)
3. "Figliol prodigo in un'osteria" (1635)
Questo autoritratto dell'artista con la sua amata moglie Saskia in ginocchio è conservato nella Galleria degli Antichi Maestri di Dresda (aka la Galleria di Dresda). Non c'è dubbio che l'artista abbia dipinto questo quadro, essendo assolutamente felice. Fu durante questo periodo della sua vita che Rembrandt lavorò duramente e fruttuosamente, era popolare, riceveva compensi elevati per il suo lavoro, tra i suoi clienti c'erano persone famose e facoltose. Il maestro ha rielaborato la trama del Vangelo di Luca nello spirito dei tempi: il figliol prodigo è vestito con una canotta e un cappello a tesa larga con una piuma, anche la prostituta in ginocchio è vestita alla moda di quel tempo. A proposito, questo è l'unico autoritratto dell'artista con sua moglie - un'altra immagine di se stesso e Saskia nello stesso spazio pittoresco realizzato da Rembrandt con la tecnica dell'incisione nel 1638. Nonostante il tono generale allegro dell'immagine, l'autore non ha dimenticato di ricordarti che prima o poi dovrai pagare tutto in questa vita: la lavagna sullo sfondo ne parla in modo eloquente, dove i festaioli verranno fatturati molto presto . Rembrandt avrebbe potuto indovinare quanto sarebbe stato grande il proprio ritorno per il talento?
4. "Il ritorno del figliol prodigo" (1666-1669)
Questo è il più grande dipinto di Rembrandt a tema religioso, è conservato nell'Ermitage. Il centro semantico dell'immagine è fortemente spostato di lato, le figure principali sono evidenziate con la luce, il resto dei personaggi è coperto da un'ombra, il che rende impossibile commettere errori durante la lettura dell'immagine. A proposito, tutte le tele di Rembrandt sono unite da un dettaglio importante: con la chiarezza generale della trama principale, in ogni immagine ci sono enigmi che i critici d'arte non sono in grado di risolvere. Come la ragazza dei Guardiani della notte, Il ritorno del figliol prodigo ha personaggi avvolti nel mistero. Ce ne sono quattro - qualcuno li chiama condizionalmente "fratelli e sorelle" del protagonista. Alcuni ricercatori interpretano la figura femminile dietro la colonna come un secondo figlio obbediente, anche se tradizionalmente questo ruolo è assegnato a un uomo in primo piano. Quest'uomo, barbuto, con un bastone in mano, non pone meno domande: nel Vangelo di Luca, il decano corse incontro al suo parente prodigo proprio dal campo, e qui è piuttosto un nobile viandante, forse anche l'ebreo eterno . A proposito, è possibile che Rembrandt si sia ritratto in questo modo: gli autoritratti, come sai, non sono rari nei suoi dipinti.
5. "Saskia come Flora" (1634)
La maggior parte delle immagini femminili sulle tele di Rembrandt del periodo 1934-1942 sono scritte dall'amata moglie dell'artista, Saskia van Uylenbürch. Nell'immagine dell'antica dea della primavera Flora, il maestro ritrasse Saskia tre volte - il ritratto che stiamo considerando è stato creato nell'anno del loro matrimonio - si può vedere ad occhio nudo che Rembrandt idolatrava sua moglie, la ammirò e la mise tutta la sua tenerezza nella creazione pittoresca.
Saskia aveva 22 anni al momento del suo matrimonio, all'età di 17 anni rimase orfana. Un'occasione l'ha portata dal suo futuro marito: è venuta ad Amsterdam per visitare sua cugina, la moglie del predicatore Johann Cornelis Silvius, che conosceva Rembrandt. Il matrimonio ebbe luogo il 10 giugno 1634. Nel 1942 - appena un anno dopo la nascita del tanto atteso figlio Tito - morì Saskia.
Flora-Saskia è l'incarnazione della giovinezza, della freschezza e della castità, c'è così tanta timidezza affascinante e freschezza da ragazza nel suo aspetto. Rembrandt ha abilmente combinato ritratto pastorale e storico in questa foto. A proposito, dei tre Flores dipinti dalla moglie (altri due dipinti furono realizzati nel 1935 e nel 1941), il primo si riferisce soprattutto all'antichità, gli altri due ritratti alludono al mito solo in dettagli appena percettibili. "Saskia come Flora" è conservata nell'Eremo.