Breve biografia di Rembrandt e della sua opera. Le opere più famose di Rembrandt

I suoi dipinti possono essere visti in molti musei in tutto il mondo, oggi è noto a ogni persona sulla Terra. Paura e gioia, sorpresa e indignazione si riflettono nelle sue opere in modo così naturale che è impossibile non crederci. La popolarità selvaggia, il destino tragico e il triste declino della vita rimangono ancora motivo di pettegolezzi e ragionamenti filosofici.

Gioventù

L'artista Rembrandt nacque nella famiglia di un fornaio nel 1606 nella città olandese di Leida, situata sulle rive del Reno. Molto presto ha sentito il talento artistico. Dopo aver studiato a casa per diversi anni, il giovane andò ad Amsterdam per prendere lezioni dal famoso pittore Lastman. La formazione non durò a lungo e all'età di 19 anni Rembrandt tornò a Leida. In questo periodo dipinse i ritratti della sua famiglia e dei suoi amici e prestò grande attenzione anche agli autoritratti. Molte delle opere dell'autore sono sopravvissute fino ad oggi, dove si raffigura in varie immagini.

Confessione

Un giorno, un aspirante artista riceve un eccellente ordine dalla Gilda dei Chirurghi. Ecco come appare l'opera “Lezione di anatomia”. Il dipinto porta il riconoscimento di Rembrandt. Riceve immediatamente più di cinquanta ordini per ritratti di nobili e della nobiltà di Amsterdam. Contemporaneamente alla popolarità cresce anche il benessere del maestro. Inizia a collezionare oggetti d'antiquariato e costumi d'epoca. Acquista una casa lussuosa, che riempie di squisiti mobili antichi e oggetti d'arte.

Saskia

All'età di 28 anni, Rembrandt, i cui dipinti stavano diventando sempre più popolari, sposò una ragazza ricca, Saskia. Si sposò per amore e non solo salvò, ma aumentò anche il capitale della sua amata. Rembrandt idolatrava sua moglie, spesso raffigurandola in vari modi nelle sue opere. Uno dei dipinti più famosi dell'artista, Autoritratto con Saskia, mostra un Rembrandt felice con la sua giovane moglie. Allo stesso tempo, l'artista ha ricevuto un ordine per una serie di opere con una trama biblica. Così appaiono i dipinti di Rembrandt con i titoli “Il sacrificio di Abramo” e “Il banchetto di Baldassarre”. A questo periodo risale anche una delle opere più famose del maestro, “Danae”. Il dipinto è stato riscritto più volte dall'artista e presenta diverse versioni originali.

Tramonto della vita

Il tempo spensierato dell'artista non durò a lungo. Non a tutti è piaciuto il modo in cui Rembrandt descrive una persona così com'è. Dopo che fu dipinto il dipinto “Night Watch”, scoppiò un incredibile scandalo. Sulla tela apparvero degli estranei. Forse il motivo era che nel bel mezzo del lavoro la sua amata Saskia muore di tubercolosi. Nella foto, insieme alle figure degli arcieri, puoi vedere la sagoma di una ragazza, che ricorda così la moglie del maestro. La popolarità dell'autore inizia a diminuire. Non ci sono quasi nuovi ordini. Avendo perso la casa e tutte le sue proprietà, Rembrandt, i cui dipinti assumono un nuovo significato filosofico, inizia a ritrarre la gente comune e i suoi cari. Scrive molto di suo figlio e delle persone che lo hanno circondato negli ultimi anni della sua vita. In questo periodo nacquero i dipinti di Rembrandt con i titoli “Ritratto di un vecchio in rosso”, “Ritratto del figlio di Tito che legge” e altre opere. Alla fine della sua vita, un altro capolavoro appare dalla penna del maestro: "Il ritorno del figliol prodigo". In questo dipinto, il maestro raffigura se stesso come un eterno vagabondo costretto a vagare lungo le difficili strade della mutevole fama. Nel 1969, dopo aver seppellito suo figlio e la sua sposa, lo stesso Rembrandt muore, lasciando per sempre il suo segno creativo in questo mondo. Oggi i dipinti dell’artista occupano un posto d’onore in tutti i principali musei del mondo.

Il più Rembrandt. "Lezione di anatomia" (1632)

Questo dipinto è la prima grande commissione ricevuta da Rembrandt dopo il suo trasferimento ad Amsterdam. La tela raffigura l'autopsia eseguita dal dottor Tulp. Il medico tiene i tendini delle mani con una pinza, mostrando ai suoi studenti come si piegano le dita. Tali ritratti di gruppo erano molto popolari a quel tempo tra le corporazioni dei medici. È vero, di regola, i membri del gruppo posavano per loro, seduti in fila. Rembrandt, i cui dipinti si distinguevano per naturalezza e realismo, raffigurava gli studenti in una cerchia ristretta, ascoltando attentamente le parole del dottor Tulp. I volti pallidi e il cadavere stesso risaltano come punti luminosi sullo sfondo cupo e scuro dell'immagine. Il lavoro portò a Rembrandt la sua prima popolarità, dopo di che gli ordini piovvero sull'autore con incredibile velocità.

"Autoritratto con Saskia" (1635)

Nel corso della sua vita, Rembrandt dipinse un numero incredibile di autoritratti. Questo dipinto è uno dei più famosi. Questo raffigura la gioia dell'artista per la felicità di possedere la sua amata. Lo stato emotivo del pittore si riflette nello sguardo aperto dei personaggi, nel volto radioso di Rembrandt, come se soffocasse di felicità e benessere. Tuttavia, nel ritratto si nasconde anche una provocazione nascosta: dopotutto, l'artista si ritrae nell'immagine dello stesso “figliol prodigo” che banchetta con una normale cortigiana. Quanto è diverso il “figliol prodigo” di questo autoritratto da quello che il pubblico conosce dal dipinto omonimo!

"Danae" (1636)

Il più famoso dei dipinti di Rembrandt. È stato scritto basandosi sul mito della madre di Perseo, Danae. Secondo la leggenda, il padre della ragazza scoprì che il figlio di sua figlia sarebbe morto e la imprigionò in una prigione. Zeus entrò nel prigioniero sotto forma di pioggia d'oro, dopo di che nacque Perseo. Il dipinto attrae con la sua colorazione insolita, caratteristica del lavoro dell’artista. Al centro c'è una donna nuda, il cui corpo è illuminato dalla luce del sole. In questa immagine, Rembrandt, i cui dipinti spesso raffigurano persone a lui vicine, ha catturato l'immagine della sua amata moglie Saskia. L'immagine dell'angelo fu aggiunta dopo la morte della moglie. Sembra che pianga sempre per la sorte del defunto. Rembrandt ha trascorso molto tempo a riscrivere la sua creazione preferita, cambiando l'atmosfera del dipinto secondo i suoi sentimenti. La combinazione di toni scintillanti e riflessi dorati stupisce con la sua raffinatezza e splendore.

Il destino del dipinto è sorprendente e drammatico, così come la storia della vita dell'artista stesso. Dopo la morte dell'autore, il capolavoro cambiò molti proprietari. Dopo l'acquisizione dell'opera da parte di Caterina II, “Danae” occupò un posto d'onore nella famosa collezione dell'Ermitage. Nel 1985 si verificò uno spiacevole incidente nel museo, che quasi privò il mondo dell’opportunità di contemplare la creazione di Rembrandt. Un pazzo si avvicinò al dipinto e vi gettò sopra dell'acido. La vernice cominciò immediatamente a bollire. Ma anche questo non è bastato all'aggressore: è riuscito a praticare un paio di tagli sulla tela con un coltello prima di essere fermato. I danni hanno interessato circa il 30% del capolavoro. Il maniaco si rivelò essere un certo Bronius Maigis, che in seguito trascorse 6 anni in una clinica psichiatrica. Il restauro del dipinto è durato 12 anni. Ora è esposto all'Ermitage, proteggendo il capolavoro dai vandali. Un altro fatto interessante. L'opera d'arte e le sue riproduzioni sono spesso presenti nei film. Ad esempio, "Danae" appare nella serie "Gangster Petersburg" come il dipinto di Rembrandt "Egina".

"Ronda di notte" (1642)

Il dipinto fu commissionato a Rembrandt dal capo di una divisione di fanteria. La tela raffigura una compagnia di miliziani che intraprende una campagna. I moschettieri, incoraggiati dal battito dei tamburi, sono raffigurati accanto a soldati di vario status sociale ed età, pronti alla battaglia. Tutti loro sono uniti dalla mascolinità e dall'impulso patriottico. L'opera si distingue per la meticolosità nel disegnare tutte le immagini e i dettagli. Il dipinto di Rembrandt "La ronda di notte" evoca negli spettatori che lo vedono un senso completo della realtà di tutto ciò che sta accadendo. L'autore ha cercato non solo di mostrare le caratteristiche esterne di tutti i personaggi, ma anche di rivelare il mondo interiore di ogni soldato. L'apoteosi dell'immagine è l'arco di trionfo, un simbolo dei successi passati e un presagio di una nuova gloriosa vittoria. Con l'aiuto di colori colorati (oro, nero e giallo), lo spettatore rivela l'energia, il dramma e la solennità dell'umore dei militari. Il carattere e il destino di ogni personaggio sono leggibili grazie al pennello di un famoso artista.

Esistono molte versioni della ragazza raffigurata quasi al centro dell'immagine. Si differenzia da tutti gli altri per i suoi colori vivaci e l'aspetto angelico. Forse questa è una specie di mascotte della milizia. Secondo un'altra versione, la ragazza è l'immagine dell'amata moglie dell'autore, che è partita per un altro mondo nel mezzo della pittura. Come sapete, il lavoro non è piaciuto ai clienti. Acquistato il quadro, tagliarono barbaramente la tela e la appesero nella sala dei banchetti.

"Il ritorno del figliol prodigo" (1666-1669)

Il dipinto di Rembrandt “Il ritorno del figliol prodigo” è uno dei picchi più sorprendenti dell'opera del famoso artista. È stato scritto negli ultimi anni di vita del maestro. Questo è il tempo in cui era molto vecchio e debole, bisognoso e affamato. Il tema del figliol prodigo è apparso più volte nell’opera dell’artista. Questo lavoro è una conclusione, un riassunto dei tanti anni di peregrinazioni creative del famoso autore. Il dipinto irradia tutto il calore e la profondità della tavolozza di Rembrandt. Colori scintillanti e graziosi giochi di luci e ombre evidenziano le immagini dei personaggi principali. L'apparizione del venerabile vecchio e del suo figliol prodigo esprime tutta una serie di sentimenti diversi: pentimento e amore, misericordia e amarezza dell'intuizione tardiva. Secondo i critici d'arte, “Il Ritorno” ha rivelato tutto il talento psicologico del pittore. Ha messo tutta la sua esperienza creativa accumulata, tutta la sua passione, tutta la sua ispirazione nella sua idea.

Conclusione

È difficile persino immaginare come Rembrandt abbia raffigurato quelli presentati in questo articolo. Quanti anni sono passati dalla loro creazione, quanta fuliggine delle candele di sego le ha ricoperte in oltre tre secoli di storia! Possiamo solo immaginare come apparissero nei loro compleanni. Nel frattempo, fino ad oggi, milioni di fan del talento del famoso pittore vengono a vedere i suoi capolavori in diversi musei di tutto il mondo.

Rembrandt Harmens van Rijn (1606 - 1669) è stato un pittore, disegnatore e incisore olandese. La creatività è intrisa del desiderio di una comprensione profonda e filosofica della realtà e del mondo interiore dell'uomo con tutta la ricchezza delle sue esperienze spirituali.

Realistico e umanistico nella sua essenza, segnò l'apice dello sviluppo dell'arte olandese del XVII secolo, incarnando alti ideali morali, fede nella bellezza e nella dignità della gente comune in una forma artistica brillantemente individuale e perfetta.

Rembrandt. Disegno "Capanne sotto un cielo che preannuncia una tempesta" (1635)

Il patrimonio artistico di Rembrandt si distingue per la sua eccezionale diversità: ritratti, nature morte, paesaggi, scene di genere, dipinti su soggetti biblici, mitologici e storici. Rembrandt fu un maestro insuperabile del disegno e...

Rembrandt. Acquaforte "Mulino" (1641)

Il futuro grande artista è nato nella famiglia di un mugnaio. Dopo aver studiato brevemente all'Università di Leida nel 1620, si dedicò all'arte. Studiò pittura con J. van Swanenburch a Leida (dal 1620 al 1623) e P. Lastman ad Amsterdam nel 1623. Nel periodo dal 1625 al 1631 lavorò a Leida. Un esempio dell’influenza di Lastman sul lavoro dell’artista è il dipinto “ Allegoria della musica", dipinto da Rembrandt nel 1626.

Rembrandt "Allegoria della Musica"

Nei dipinti" Apostolo Paolo"(1629 - 1630) e" Simeone nel tempio"(1631) Rembrandt fu il primo a utilizzare il chiaroscuro come mezzo per esaltare la spiritualità e l'espressività emotiva delle immagini.

Rembrandt "Apostolo Paolo"

In questi stessi anni Rembrandt lavorò intensamente sul ritratto, studiando le espressioni facciali del volto umano. Le ricerche creative dell’artista durante questo periodo si esprimono in una serie di autoritratti e ritratti di membri della famiglia dell’artista. Così si ritraeva Rembrandt all'età di 23 anni.

Rembrandt "Autoritratto"

Nel 1632 Rembrandt si trasferì ad Amsterdam, dove presto sposò la ricca patrizia Saskia van Uylenbruch. Gli anni '30 del XVII secolo furono per l'artista anni di felicità familiare e di enorme successo artistico. Nel dipinto è raffigurata la coppia familiare" Il figliol prodigo in una taverna"(1635).

Rembrandt "Il figliol prodigo nella taverna" (1635)

Allo stesso tempo, l'artista dipinge la tela" Cristo durante una tempesta sul Mar di Galilea"(1633). Il dipinto è unico in quanto è l’unico paesaggio marino dell’artista.

Rembrandt "Cristo durante una tempesta sul Mar di Galilea"

Pittura " Lezione di anatomia del Dr. Tulpa"(1632), in cui l'artista risolse il problema di un ritratto di gruppo in un modo nuovo, conferendo alla composizione una facilità vitale e unendo le persone nel ritratto con un'unica azione, portò a Rembrandt un'ampia fama. Ricevette molti ordini e numerosi studenti lavorarono nel suo laboratorio.

Rembrandt "Lezione di anatomia del dottor Tulp"

Nei ritratti commissionati di ricchi borghesi, l'artista ha trasmesso con cura i lineamenti del viso, i più piccoli dettagli dell'abbigliamento e la lucentezza dei gioielli di lusso. Questo può essere visto sulla tela" Ritratto del Burgravio", scritto nel 1633. Allo stesso tempo, i modelli spesso ricevevano caratteristiche sociali adeguate.

Rembrandt "Ritratto del Burgravio"

I suoi autoritratti e ritratti di persone vicine sono più liberi e vari nella loro composizione:

• » Auto ritratto", scritto nel 1634. Il dipinto è attualmente esposto al Louvre.

Rembrandt "Autoritratto" (1634)

• » Saskia sorridente". Il ritratto fu dipinto nel 1633. Oggi si trova nella Galleria d'arte di Dresda.

Rembrandt "Saskia sorridente"

Queste opere si distinguono per la vivace spontaneità e l'euforia della composizione, il modo libero di dipingere, la combinazione di colori dorati principali, pieni di luce.

Una coraggiosa sfida ai canoni e alle tradizioni classiche nel lavoro dell'artista può essere vista nell'esempio della tela" Il rapimento di Ganimede", scritto nel 1635. L'opera è attualmente nella Galleria d'arte di Dresda.

Rembrandt "Il ratto di Ganimede"

Dipinto "Danae"

La composizione monumentale era una vivida incarnazione delle nuove visioni estetiche dell'artista" Danae"(scritto nel 1636), in cui entra in discussione con i grandi maestri del Rinascimento italiano. L'artista è andato contro i canoni di rappresentazione generalmente accettati e ha creato un bellissimo quadro che andava oltre le idee allora sulla vera bellezza.

Rembrandt dipinse la figura nuda di Danae, lontana dagli ideali classici della bellezza femminile, con audace e realistica spontaneità, e l'artista contrappose la bellezza ideale delle immagini dei maestri italiani alla sublime bellezza della spiritualità e al calore del sentimento intimo di una persona .

Rembrandt "Danae" (1636)

Sottili sfumature di esperienze emotive sono state espresse dal pittore nei suoi dipinti" Davide e Jonathan"(1642) e" Sacra Famiglia"(1645). Riproduzioni di alta qualità dei dipinti di Rembrandt possono essere utilizzate per la decorazione in molti stili.

Nel 1656 Rembrandt fu dichiarato debitore insolvente e tutte le sue proprietà furono vendute all'asta pubblica. Fu costretto a trasferirsi nel quartiere ebraico di Amsterdam, dove trascorse il resto della sua vita.

Rembrandt "La Sacra Famiglia" (1645)

Dipinto "Il ritorno del figliol prodigo".

Un freddo malinteso dei borghesi olandesi circondò Rembrandt negli ultimi anni della sua vita. Tuttavia, l'artista ha continuato a creare. Un anno prima della sua morte, iniziò a creare la sua brillante tela" Ritorno del figliol prodigo"(1668-1669), in cui erano incarnate tutte le questioni artistiche, morali ed etiche.

In questo dipinto, l'artista crea tutta una serie di sentimenti umani complessi e profondi. L'idea principale dell'immagine è la bellezza della comprensione umana, della compassione e del perdono. Il culmine, la tensione dei sentimenti e il successivo momento di risoluzione delle passioni sono incarnati in pose espressive e gesti avari e laconici di padre e figlio.

Rembrandt "Il ritorno del figliol prodigo"

Autoritratto di Rembrandt, 1661. Olio su tela, 114x91.
Kenwood House, Londra, Patrimonio inglese.
Illustrazione dal sito http://rembr.ru/

Rembrandt, Harmenz van Rijn (1606–1669), pittore, disegnatore e incisore olandese, uno dei più grandi maestri dell'arte dell'Europa occidentale. Nato a Leida il 15 luglio 1606 nella famiglia di un ricco mugnaio. Nel 1620 entrò all'Università di Leida, ma non vi rimase a lungo e presto divenne allievo dell'artista locale Jacob Isaacs Swanenburch. Intorno al 1623 si trasferì ad Amsterdam, dove entrò nella bottega di Jan Peynas e studiò con il maestro della pittura storica Pieter Lastman. Quest'ultimo ha introdotto Rembrandt alle opere dei maestri dell'arte italiana. Dal 1625 al 1631, Rembrandt mantenne il proprio laboratorio a Leida, lavorando talvolta con il pittore e incisore Jan Lievens. Tra gli studenti di Rembrandt, Gerard Dou è il più famoso.

Nel 1631 o alla fine del 1632 Rembrandt tornò ad Amsterdam. Il 22 giugno 1635 sposò Saskia van Uylenburch, figlia del ricco borgomastro di Leuwarden. Nel 1642, il successo nella creatività e nella vita personale lasciò il posto a una serie di disgrazie. Alla fine degli anni Trenta del Seicento gli nacquero quattro figli uno dopo l'altro, ma morirono tutti durante l'infanzia, e poi il 14 giugno 1642 la sua amata moglie morì improvvisamente. L'artista è rimasto con il figlio Tito di un anno. La Ronda di Notte (1642, Amsterdam, Rijksmuseum), completata poco dopo la morte di Saskia, segna l'inizio delle sue nuove esplorazioni creative.

Alla fine degli anni Quaranta del Seicento Hendrikje Stoffels divenne la moglie non ufficiale di Rembrandt (secondo il testamento di Saskia non poteva sposarsi una seconda volta). Nel 1654 nacque la loro figlia Cornelia. Tuttavia, ora l'artista era perseguitato da difficoltà finanziarie. Nel luglio 1656 fu costretto a dichiarare bancarotta e nei due anni successivi la sua notevole collezione fu svenduta. Volendo aiutare Rembrandt, alla fine del 1658 Titus e Hendrikje iniziarono a dedicarsi al commercio della pittura.

Gli ultimi anni della vita dell'artista furono oscurati dalla morte dei propri cari. Hendrickje morì il 24 luglio 1663. Tito si sposò nel febbraio 1668 e morì sei mesi dopo. Ora Rembrandt rimase solo con la giovane Cornelia. Rembrandt morì il 4 ottobre 1669.

Rembrandt ha realizzato circa 600 dipinti, quasi 300 acqueforti e più di 1.400 disegni. Di seguito è riportata una panoramica cronologica del suo lavoro.

Il primo periodo dell'opera di Rembrandt dovrebbe essere considerato nel contesto dell'influenza dell'arte italiana sulla pittura olandese. Tra i maestri italiani, gli olandesi erano particolarmente attratti da Caravaggio, nelle cui opere l'audace naturalismo e la modellazione contrastante di luci e ombre sembravano essere una sfida all'arte classica. Artisti come Gerard Terbruggen e l'insegnante di Rembrandt Pieter Lastman hanno lavorato nello stile di Caravaggio, introducendo gradualmente il caravaggismo nell'arsenale dei mezzi artistici della pittura olandese. A questo movimento appartengono anche i dipinti di Rembrandt del periodo di Leida (1625–1631). I dipinti Il cambiavalute (1627, Berlino) e Lo scienziato nel suo studio (1629, Londra, National Gallery) mostrano l'interesse del maestro nel trasmettere effetti di luce. Il primo raffigura un vecchio con gli occhiali al lavoro, in un angolo disseminato di libri contabili. Il suo volto rugoso è illuminato dalla fioca luce di un'unica candela, che copre con la mano. Nel secondo dipinto, Rembrandt ha cercato di trasmettere l'atmosfera di un interno arioso. Il soggetto principale dell'immagine è la stanza stessa con un soffitto alto, piena di luce morbida e tremolante.

Nel corso della sua carriera creativa, l'artista si è rivolto a soggetti in cui il dramma della vita profonda si combina con elementi di sottile psicologismo. Il dipinto Cena in Emmaus (1630 circa, Parigi, Museo Jacquemart-André) mostra le caratteristiche della pittura di Rembrandt di questo periodo. Rembrandt ha presentato questo episodio come una messa in scena teatrale. La sagoma di Cristo si staglia sullo sfondo di una luce abbagliante, gran parte della tela è immersa nell'ombra.

Il trasferimento ad Amsterdam e i grandi successi artistici che ne seguirono aprirono un nuovo periodo nell’opera di Rembrandt; si tratta di un decennio durante il quale nascono opere intrise di drammaticità e allo stesso tempo non prive di sensualità materiale, in parte legate nello spirito alle opere del fiammingo Peter Paul Rubens. Il primo grande ordine ricevuto da Rembrandt ad Amsterdam fu il dipinto Anatomia del dottor Tulp (1632, L'Aia, Mauritshuis). È l'immagine di un famoso medico di Amsterdam e dei suoi colleghi della corporazione dei chirurghi cittadini.

Tra i dipinti di soggetto storico realizzati da Rembrandt negli anni Trenta del Seicento, l'accecamento di Sansone (1636, Francoforte sul Meno, Städel Art Institute) sembra particolarmente drammatico. Lampi di luce, diagonali dinamiche e colori vibranti vengono utilizzati per aumentare la tensione della trama; l'immagine è piena di movimenti netti e rapidi.

L'edonismo e il virtuosismo tecnico che caratterizzarono la pittura di Rembrandt di questi anni furono forse incarnati in modo più vivido nell'Autoritratto con Saskia (1635 circa, Dresda, Pinacoteca). Qui l'artista si è raffigurato in un romantico abito da gentiluomo; Solleva il bicchiere di birra con una mano e abbraccia Saskia, che è seduta sulle sue ginocchia, con l'altra. La luminosità dei colori e la libertà dei tratti corrispondono pienamente allo stato d'animo della scena.

Autoritratto con Saskia in grembo. 1635

All'inizio degli anni Quaranta del Seicento, la vita e l'attività artistica di Rembrandt acquisirono stabilità e regolarità. Autoritratto 1640 (Londra, National Gallery), influenzato dalle opere di Raffaello e Tiziano, mostra un uomo sicuro e sensibile, vestito alla moda italiana del XVI secolo, appoggiato a una balaustra; le sue spalle sono leggermente girate, il suo sguardo diretto verso lo spettatore.

Uno dei dipinti più famosi di questo periodo è La ronda di notte (1642, Amsterdam, Rijksmuseum). Il vero nome dell'opera è Compagnia del capitano Frans Banning Kok e del tenente Willem van Ruytenburg. Fu scritto in occasione della visita della regina francese Maria de' Medici ad Amsterdam e della cerimonia di uscita delle truppe della milizia cittadina organizzata in questa occasione. Lo sfondo scuro predominante nella foto permette di evidenziare meglio le figure dei personaggi. Ecco perché nel XVIII secolo. il dipinto era erroneamente intitolato Night Watch. Come Anatomia del dottor Tulpe, questo dipinto va oltre il tradizionale ritratto di gruppo. Raffigura 29 personaggi, 16 dei quali sono personaggi storici reali; i loro movimenti e la loro posizione nell'immagine sono subordinati a un'unica azione generale che si sviluppa davanti agli occhi dello spettatore. Pali, stendardi e moschetti sporgono in direzioni diverse, rendendo la composizione più libera e dinamica; la sensazione è esaltata dal gioco di luci e ombre.

La Guardia notturna. 1642

Negli anni Quaranta del Seicento, la pittura religiosa di Rembrandt divenne meno retorica, in essa apparvero l'umiltà e la profonda forza interiore caratteristiche dell'opera successiva del maestro. Fin dal Rinascimento, gli eventi della Sacra Scrittura sono stati solitamente interpretati in maniera eroica, e i loro personaggi sono stati dotati di bellezza fisica. La visione di Rembrandt differiva nettamente da questo concetto; Cristo nelle sue opere appare umile e mite, umiliato e invisibile tra le persone.

La Foglia dei cento fiorini, incisione che prende il nome dal prezzo a cui fu venduta in una delle prime aste, tratta il tema dell'umiltà cristiana. La figura di Cristo non si distingue dalla massa né per i vestiti né per la posizione speciale, ma l'attenzione dello spettatore è attratta dal centro della composizione: il volto del Salvatore da cui emanano i raggi più sottili della luce divina. Alla sua sinistra ci sono coloro che sono spezzati dalla debolezza dello spirito e della carne, ricchi e poveri, uniti dalla sofferenza. A destra ci sono i farisei, non credenti e immersi in infinite controversie. I bambini cadono ai piedi di Cristo. Nell'incisione Foglia dei cento fiorini, in assenza di azione visibile, Rembrandt riuscì perfettamente a trasmettere il miracolo della presenza divina nel mondo delle persone.

Dall'inizio degli anni Cinquanta del Seicento, i ritratti di Rembrandt divennero profondamente personali, le composizioni divennero rigorose e geometriche nella costruzione e la combinazione di colori divenne un vasto spettro di sfumature di tre o quattro colori. L'arte di Rembrandt non riflette i gusti più artistici del pubblico; L'artista è ora impegnato nella ricerca sulle proprietà delle tecniche di pittura ad olio. La visione del mondo del maestro, incarnata nelle sue opere successive, così apprezzate oggi, è rimasta incomprensibile ai suoi contemporanei.

Rembrandt. "Danae." 1636.

Il dipinto Uomo con l’elmo dorato (1651, Berlino - Dahlem) della bottega di Rembrandt mostra i tratti caratteristici dello stile tardo del maestro. Il volto del guerriero dai capelli grigi è immerso in un'ombra profonda e morbida, e i riflessi della luce sull'elmo sono trasmessi con tratti liberi, ampi e spessi. Per Rembrandt, un soggetto insolito a volte poteva diventare motivo di audaci esperimenti artistici. Un esempio qui è il dipinto Carcassa di toro scuoiato (1655, Parigi, Louvre). Il pennello riporta la vita alla carne morta e la bellezza alla bruttezza. Rembrandt ha sempre evitato l'idealizzazione classicista nel rappresentare il corpo umano. Nel dipinto Betsabea (1654, Parigi, Louvre), la donna che il re Davide vide fare il bagno e di cui si innamorò per la sua straordinaria bellezza non è raffigurata nel momento del bagno, così spesso scelto dagli artisti per raccontare questa storia, e non è affatto bello. È immersa in pensieri profondi e sembra prevedere la morte di suo marito.

Nella sua opera successiva, Rembrandt si rivolse sempre più all'interpretazione degli eventi della storia cristiana. Il dipinto La Deposizione dalla Croce (1655 circa, Washington, National Gallery) è dedicato non solo alla morte di Cristo, ma anche al dolore di coloro che lo piangono.

Una delle opere più famose di pittura religiosa di Rembrandt di questo periodo è il dipinto La negazione di Pietro (1660 circa, Amsterdam, Rijksmuseum). Al centro è raffigurata una giovane serva che si rivolge a Pietro, e lui, con un gesto della mano spostata di lato, conferma le sue parole sulla rinuncia a Cristo. Lo spazio in primo piano è illuminato da un'unica candela, che l'ancella oscura con la mano, una tecnica molto in voga tra i caravaggisti all'inizio del secolo. La luce soffusa di una candela modella le forme delle figure e degli oggetti posti in primo piano. Sono dipinti con tratti leggeri, in una combinazione di colori bruno-giallastro con alcuni accenti rossi. A volte le forme sembrano dissolversi nella luce o se ne riempiono, come la mano di una ancella che blocca una candela. C'è una profonda tristezza sul volto di Peter. Qui, come nei successivi ritratti e autoritratti dell’artista, Rembrandt raffigura la vecchiaia con insuperabile abilità, con la saggezza accumulata negli anni, la debolezza della carne e la forza d’animo.

Anche i ritratti di Rembrandt diventano profondamente personali nel corso degli anni. Nel ritratto del poeta Jan Six (1654, Amsterdam, collezione della famiglia Six), il soggetto è raffigurato da una prospettiva appena percettibile dal basso verso l'alto; Ad eccezione del volto finemente modellato, il ritratto è dipinto rapidamente e liberamente, con tratti ampi. La combinazione di colori è dominata dal rosso scintillante del mantello e dall'oro dei bottoni dell'abito, in contrasto con varie tonalità di verde e grigio.

Nel ritratto di Hendrikje Stoffels (1656 circa, Berlino - Dahlem), la figura è inscritta nella cornice dell'apertura della finestra e, a causa della grande scala scelta dall'artista, sembra essere molto vicina al piano del quadro. Lo sguardo di Hendrickje è rivolto allo spettatore, la sua posa è libera, la sua testa è inclinata di lato e le sue mani giacciono in modo molto naturale. La combinazione di colori del dipinto è una combinazione di toni dorati, bianchi, rossi e neri.

Uno dei migliori ritratti di gruppo di Rembrandt è quello dei Sindaci (1661–1662, Amsterdam, Rijksmuseum). I committenti del ritratto erano rappresentanti del laboratorio di stoffe di Amsterdam (sindics). Sono raffigurati attorno a un tavolo su cui è appoggiato un libro di conteggio. L'artista rende lo spettatore partecipe di ciò che sta accadendo nella foto. Sembra che abbiamo appena interrotto i sindaci impegnati nei loro calcoli, e quindi tutti, come alzando lo sguardo per un momento dal loro lavoro, guardano lo spettatore. Nella foto predominano le linee rette, ma la rotazione del tavolo e il complesso gioco di luci ammorbidiscono la severità della composizione. Punti di luce sono sparsi su tutta la tela, ravvivandone la superficie pittorica. Questa immagine è notevole sia come studio psicologico, il cui scopo è rappresentare persone con personaggi diversi, sia come documento storico.

Intorno al 1661, Rembrandt ricevette l'incarico di ricevere uno degli otto dipinti storici che avrebbero dovuto decorare il municipio di Amsterdam. L'enorme tela (dimensioni originali 5-5 m) La Congiura di Giulio Civile, secondo varie versioni, o non fu mai esposta nel palazzo comunale, oppure occupò lo spazio ad essa assegnato per non più di due anni, per poi essere sostituita da un dipinto di Forni sullo stesso soggetto. Di quest'opera di Rembrandt è sopravvissuto solo un frammento, che si trova nel Museo Nazionale di Stoccolma. Rembrandt raffigurò un evento descritto negli Annali dello storico romano Tacito (I secolo): i capi della tribù batava giurano sulla spada di combattere per la liberazione dal dominio romano. La scala di quest'opera nella sua forma originale può essere giudicata dallo schizzo compositivo situato a Monaco. Mostra che inizialmente il tavolo e le persone riunite attorno ad esso erano mostrati nello spazio di un'enorme sala, la cui profondità veniva trasmessa attraverso il gioco di luci e ombre.

Nel XVII secolo il disegno solitamente serviva come schizzo preliminare per lo sviluppo di una grande composizione, uno schizzo dei singoli dettagli del futuro dipinto, oppure veniva applicato su cartone e poi trasferito sulla superficie destinata alla pittura. Molto raramente un disegno è stato pensato come un'opera d'arte completa; Spesso i disegni venivano buttati via una volta completato il progetto. Ogni disegno di Rembrandt è uno studio sulla natura dei fenomeni e un tentativo di catturare il carattere di un momento o di un oggetto. Quando un artista realizzava schizzi dalle opere di antichi maestri, non creava copie, ma variazioni sullo stesso tema, risolvendo i propri problemi artistici. Negli anni Trenta e Quaranta del Seicento dipinse combinando linee di vario spessore con lavaggi finissimi. A volte i suoi disegni sembrano schizzi veloci, dove la linea nervosa difficilmente rimane continua da nessuna parte.

Rembrandt fu il primo a rendersi conto delle ricche possibilità dell'acquaforte rispetto all'incisione su metallo. Questa incisione viene realizzata incidendo un disegno su una placca metallica; quindi la lastra viene ricoperta di vernice, riempiendo le rientranze lasciate dalla taglierina, e da essa vengono impresse le impronte su carta utilizzando una pressa. La taglierina richiede una pressione decisa e grande attenzione. Lavorare all'acquaforte, al contrario, non richiede molta forza fisica, e le linee risultano più libere e flessibili. Invece di graffiare il metallo con uno scalpello, l'artista riveste la lastra con una vernice resistente agli acidi e la disegna con un ago, quindi immerge la lastra nell'acido e il metallo viene inciso nelle zone prive di vernice. L'acquaforte dà all'artista molta più libertà e può disegnare con un ago come se usasse una penna su carta. Nelle acqueforti di Rembrandt le linee sono libere e fluide come negli schizzi a penna. Per ottenere nuovi effetti espressivi, spesso combinava tecniche diverse: a volte passava un taglierino su una tavola già incisa con l'acido, a volte incideva con la “punta secca”, un utensile con all'estremità un diamante, che lascia dei solchi con delle tacche sulla superficie. il metallo, donando un tocco morbido e vellutato alla stampa. Ad esempio, nel Foglio dei cento fiorini l'artista ha utilizzato tutte queste tecniche (il lavoro su questa tavola è durato diversi anni).

La Buona Novella ai pastori di Liszt (1634) è una vera rappresentazione teatrale barocca. Il disegno è realizzato con tratti intersecanti fitti che creano contrasti di toni chiari e scuri. Cinque anni dopo, nell'Assunzione della Madonna, la predominanza di zone scure densamente ombreggiate fu sostituita da una predominanza di zone chiare e da sottili ombreggiature parallele. Nell'acquaforte di Tre alberi (1643), il contrasto tra frammenti di immagini densamente ombreggiate e carta bianca è portato all'estremo; le linee parallele oblique contro il cielo trasmettono perfettamente la sensazione di un temporale estivo. La più drammatica delle acqueforti di Rembrandt è il foglio delle Tre Croci (1650 circa).

Sono stati utilizzati materiali dell'enciclopedia "Il mondo intorno a noi".

Ritorno del figliol prodigo. 1669

L'apice del realismo olandese è l'opera di Rembrandt. Il contenuto ideologico e la notevole abilità artistica insita nelle sue immagini collocano Rembrandt tra i più grandi rappresentanti dell'arte mondiale. È ugualmente eccezionale come pittore e come maestro dell'incisione e del disegno.

Rembrandt Garmens van Rijn nacque nel 1606 a Leida, figlio del proprietario di un mulino. La sua vocazione per la pittura si manifestò molto presto. I primi anni del suo percorso creativo, svoltosi nella nativa Leida, sono stati segnati dalla ricerca dell'indipendenza creativa. Nel 1632 si trasferì ad Amsterdam, il centro della vita culturale della repubblica. Nella "Lezione di anatomia del dottor Tulp", che gli ha portato un grande successo, Rembrandt risolve il problema del ritratto di gruppo in un modo nuovo, unendolo all'unità di azione. La fama di Rembrandt cresce, molti studenti affluiscono al suo laboratorio, gli anni '30 sono il periodo del più grande successo di Rembrandt nella vita; Insieme ai dipinti su soggetti biblici e mitologici, dipinge un numero enorme di ritratti su commissione, lavora molto con la tecnica dell'acquaforte e dei disegni. Le opere di questo decennio sono segnate da un sentimento di grande vitalità, enfatizzato da un'espressività drammatica, anche se talvolta non sono esenti da effetti esterni. Tra le migliori creazioni degli anni '30 c'è "Danae", dove l'immagine mitologica tradizionale assume le caratteristiche di una straordinaria verità di vita. Sta emergendo l’impianto pittorico dell’artista, in cui il ruolo principale è giocato dai contrasti di luci e ombre, esaltando la risonanza emotiva delle immagini.

All’inizio degli anni ’40 si verificò una svolta nell’opera di Rembrandt: l’artista si liberò da alcuni tratti limitati caratteristici delle sue opere precedenti, il suo metodo realistico si approfondì, il che, tuttavia, non incontrò il riconoscimento degli ambienti borghesi. La storia del suo famoso dipinto, noto come “La ronda di notte”, è indicativa a questo proposito. Eseguendo un ordine per un ritratto di gruppo dei fucilieri della compagnia del capitano Banning Cock, Rembrandt ruppe tutte le tradizioni. Invece di una serie di figure decorosamente sedute raffigurate su una tela, presentò una scena di strada piena di realismo e di alta poesia, un'esibizione solenne dei fucilieri circondati dalla folla cittadina attratta da questo evento. In quest'opera monumentale si può sentire l'eco dei tempi eroici della Rivoluzione olandese. L'accoglienza ostile che accolse la Ronda di Notte fu un indicatore dei gusti limitati della borghesia olandese, del suo allontanamento dagli ideali progressisti dell'era rivoluzionaria.

Nelle opere degli anni '40, Rembrandt si rivolge al mondo delle persone semplici e povere: è in questo ambiente che trova portatori di alta nobiltà morale, sentimenti forti e sinceri. In film come La Sacra Famiglia o Il Buon Samaritano, gli eventi evangelici sono rappresentati come episodi della vita quotidiana. Ciò conferisce al tema religioso un significato sociale speciale. La grafica di Rembrandt si sta sviluppando nella stessa direzione. Nella famosa incisione “Cristo guarisce i malati”, le immagini dei poveri e dei sofferenti sono in contrasto con i farisei ipocriti.

Gli ultimi 20 anni sono il periodo più tragico della vita di Rembrandt. La sua divergenza dai gusti prevalenti della borghesia portò a una diminuzione degli ordini e finì con la bancarotta nel 1656: le proprietà e le collezioni dell'artista furono vendute all'asta, e lui stesso fu costretto a stabilirsi nel quartiere più povero di Amsterdam.

È perseguitato da pesanti perdite familiari. Ma fu durante questi anni che l’arte di Rembrandt raggiunse il suo apice. La natura monumentale delle immagini, la profonda rivelazione del mondo interiore dell'uomo, la straordinaria energia del dipinto, basata sulle armonie dei toni rossastri e brunastri che sembrano bruciare dall'interno: queste sono le caratteristiche della sua arte tarda. Le migliori opere di questo periodo sono "Assur, Haman ed Ester", "David davanti a Saul", ecc. In questi stessi anni, Rembrandt creò la sua composizione storica, piena di potere eroico, "La cospirazione di Julius Civilis", dedicata alla lotta di liberazione dei Batavi (considerati gli antenati dei Paesi Bassi) contro il dominio romano.

Nei suoi ultimi anni, l'arte ritrattistica del maestro raggiunse il suo apice. Nei suoi ritratti, Rembrandt non si limita a nessun aspetto psicologico, ma dà, per così dire, un quadro dell'intera vita spirituale di una persona, il continuo movimento interno di pensieri e sentimenti. Per Rembrandt la ricchezza della personalità umana è inesauribile; Rivolgendosi ripetutamente allo stesso modello, il maestro trova sempre in esso qualcosa di nuovo e unico. Ad esempio, Rembrandt ha creato oltre un centinaio di autoritratti. Le migliori creazioni di Rembrandt includono i ritratti di Breuning, del Borgomastro Sei, della seconda moglie dell'artista Hendrikje Stoffels e di suo figlio Titus che legge.

Il finale dell'opera di Rembrandt - il suo famoso dipinto "Il ritorno del figliol prodigo" - stupisce con la radiazione di profondi sentimenti umani. L'istituzione di ideali umanistici nelle condizioni dell'Olanda nel XVII secolo significò l'inevitabile rottura dell'artista con la borghesia, che si era allontanata dalle sue tradizioni rivoluzionarie. È molto significativo che la morte del grande maestro nel 1669 sia passata del tutto inosservata.

Tra i pochi studenti che padroneggiarono gli alti principi del realismo di Rembrandt c'erano il defunto Carel Fabricius (circa 1622-1654) e Art de Gelder (1645-1727).

Nell'ultimo quarto del XVII secolo. Inizia un periodo di completo declino dell'arte olandese.

Citato da: Storia del mondo. Volume IV. M., 1958, pag. 311-313.

Letteratura:

Rovinsky D. Collezione completa delle incisioni di Rembrandt, volumi 1–4. San Pietroburgo, 1890

Rembrandt. Cultura artistica dell'Europa occidentale nel XVII secolo. San Pietroburgo, M., 1970

Egorova K.S. Rembrandt Garmen van Rijn. Dipinti dell'artista nei musei dell'Unione Sovietica [Album]. L., 1971

Egorova K.S. Ritratto nelle opere di Rembrandt. M., 1975

Leggi oltre:

Irina Nenarokomova. Rembrandt. (Giornale romano dei ragazzi).

Artisti(libro di riferimento biografico).

Leggi di più sul web:

Sito web http://rembr.ru/ - sull'artista olandese Rembrandt Van Rijn. Galleria di dipinti, biografia dell'artista, libri e studi sulla vita di Rembrandt.

Rembrandt Harmens van Rijn (olandese: Rembrandt Harmenszoon van Rijn [ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə(n)soːn vɑn ˈrɛin], 1606-1669) - Artista, disegnatore e incisore olandese, grande maestro del chiaroscuro, il più grande rappresentante dell'età d'oro della pittura olandese. È riuscito a incarnare nelle sue opere l'intero spettro delle esperienze umane con una tale ricchezza emotiva che l'arte non aveva mai conosciuto prima. Le opere di Rembrandt, estremamente diverse nel genere, rivelano allo spettatore il mondo spirituale senza tempo delle esperienze e dei sentimenti umani.

Rembrandt Harmenszoon ("figlio di Harmen") van Rijn nacque il 15 luglio 1606 (secondo alcune fonti, nel 1607) nella numerosa famiglia del ricco proprietario di mulini Harmen Gerritszoon van Rijn a Leida. Anche dopo la Rivoluzione olandese la famiglia materna rimase fedele alla fede cattolica.

A Leida Rembrandt frequentò la scuola di latino all'università, ma mostrò il massimo interesse per la pittura. All'età di 13 anni fu mandato a studiare belle arti con il pittore storico di Leida Jacob van Swanenburch, cattolico di fede. I ricercatori non sono riusciti a trovare opere di Rembrandt risalenti a questo periodo, quindi la questione dell’influenza di Swanenbuerch sullo sviluppo dello stile creativo di Rembrandt rimane aperta: oggi si sa troppo poco di questo artista di Leida.

Nel 1623 Rembrandt studiò ad Amsterdam con Pieter Lastman, che si era formato in Italia e si era specializzato in argomenti storici, mitologici e biblici. Ritornato a Leida nel 1627, Rembrandt, insieme al suo amico Jan Lievens, aprì il proprio laboratorio e iniziò a reclutare studenti. Nel giro di pochi anni divenne ampiamente noto.

La passione di Lastman per la variegatura e il dettaglio nell'esecuzione ha avuto un'enorme influenza sul giovane artista. Ciò emerge chiaramente nelle sue prime opere sopravvissute: “La lapidazione di S. Stefano" (1629), "Scena di storia antica" (1626) e "Il Battesimo dell'eunuco" (1626). Rispetto alle sue opere mature, sono insolitamente colorate, l'artista si sforza di descrivere attentamente ogni dettaglio del mondo materiale, per trasmettere l'ambientazione esotica della storia biblica nel modo più accurato possibile. Quasi tutti gli eroi appaiono davanti allo spettatore vestiti con fantasiosi abiti orientali, splendenti di gioielli, che creano un'atmosfera di sfarzo, sfarzo e festa ("Allegoria della musica", 1626; "David before Saul", 1627).

Le opere finali del periodo - "Tobia e Anna", "Balaam e l'asino" - riflettono non solo la ricca immaginazione dell'artista, ma anche il suo desiderio di trasmettere le esperienze drammatiche dei suoi personaggi nel modo più espressivo possibile. Come altri maestri barocchi, inizia a cogliere il valore del chiaroscuro nettamente scolpito per trasmettere emozioni. I suoi insegnanti in termini di lavoro con la luce furono i caravaggisti di Utrecht, ma in misura ancora maggiore fu guidato dalle opere di Adam Elsheimer, un tedesco che lavorò in Italia. I dipinti più caravaggisti di Rembrandt sono “La parabola del ricco stolto” (1627), “Simeone e Anna nel tempio” (1628), “Cristo in Emmaus” (1629).

Attiguo a questo gruppo è il dipinto “L’artista nel suo studio” (1628; forse questo è un autoritratto), in cui l’artista si è catturato nello studio nel momento in cui contemplava la propria creazione. La tela su cui si sta lavorando viene portata in primo piano nel dipinto; in confronto a lui l'autore stesso sembra un nano.

Una delle questioni irrisolte nella biografia creativa di Rembrandt è la sua sovrapposizione artistica con Lievens. Lavorando fianco a fianco, affrontarono la stessa trama più di una volta, come “Sansone e Dalila” (1628/1629) o “La resurrezione di Lazzaro” (1631). In parte entrambi erano attratti da Rubens, allora conosciuto come il migliore artista d’Europa; a volte Rembrandt prendeva in prestito le scoperte artistiche di Lievens, a volte accadeva esattamente il contrario. Per questo motivo, distinguere tra le opere di Rembrandt e Lievens del 1628-1632 presenta alcune difficoltà per gli storici dell'arte. Tra le sue altre opere famose c'è "L'asino di Balaam" (1626).

Questo fa parte di un articolo di Wikipedia utilizzato sotto la licenza CC-BY-SA. Testo completo dell'articolo qui →

Il futuro riformatore delle belle arti nacque nella famiglia di un ricco mugnaio di Leida. Il ragazzo ha mostrato interesse per la pittura fin dalla prima infanzia, quindi all'età di 13 anni è stato apprendista presso l'artista di Leida Jacob van Swanenburch. Rembrandt studiò successivamente con il pittore di Amsterdam Pieter Lastman, specializzato in soggetti storici, mitologici e biblici.

Già nel 1627, Rembrandt riuscì ad aprire il proprio laboratorio con il suo amico Jan Lievens: il giovane pittore, che aveva appena 20 anni, iniziò lui stesso a reclutare studenti.

Già nei primi lavori di Rembrandt, uno stile pittorico speciale è chiaramente visibile, inizia a prendere forma: l'artista si sforza di dipingere i suoi personaggi nel modo più emotivo possibile, letteralmente ogni centimetro della tela è pieno di drammaticità. All'inizio del suo viaggio, il futuro maestro insuperabile del lavoro con il chiaroscuro si rese conto del potere di questa tecnica nel trasmettere emozioni.

Nel 1631 Rembrandt si trasferì ad Amsterdam, dove fu accolto con grande entusiasmo; gli intenditori d'arte paragonarono lo stile pittorico del giovane artista con le opere dello stesso Rubens - tra l'altro, Rembrandt era felice di prendere spunto da gran parte dell'estetica di questo artista.

Il periodo di lavoro nella capitale olandese divenne un punto di riferimento per il genere del ritratto nell'opera di Rembrandt: fu qui che il maestro dipinse molti studi di teste femminili e maschili, elaborando attentamente ogni dettaglio, comprendendo tutte le sottigliezze delle espressioni facciali dell'essere umano. viso. L'artista dipinge cittadini benestanti - la sua fama si diffonde rapidamente e diventa la chiave del successo commerciale - e lavora molto anche sugli autoritratti.

Il destino di Rembrandt, sia personale che creativo, non è stato facile. Ben presto favorito dalla fama e dal successo, il talentuoso pittore perse improvvisamente anche ricchi committenti che non riuscirono a cogliere il coraggio rivoluzionario delle sue opere. L'eredità di Rembrandt fu veramente apprezzata solo due secoli dopo: nel XIX secolo, gli artisti realisti furono ispirati dai dipinti di questo maestro, uno dei rappresentanti più brillanti dell'età d'oro della pittura olandese.

"Serata Mosca" suggerisce di ricordare i dipinti più famosi di Rembrandt, che sono le perle delle collezioni dei più grandi musei del mondo.

1. "Danae" (1633-1647)

Anche se non sai nulla di Rembrandt e non sei affatto interessato alla pittura, questo dipinto ti è sicuramente familiare. La tela, conservata all'Ermitage di San Pietroburgo, andò quasi perduta per sempre nel 1985 a causa di un vandalo che la cosparse di acido solforico e poi tagliò la tela con un coltello.

Il dipinto, che raffigura una ragazza nuda sdraiata su un letto sotto i raggi della luce ultraterrena, è stato dipinto da Rembrandt per la sua casa - il tema era il famoso mito greco antico sulla bella Danae, la futura madre della vincitrice Medusa Perseo, e Zeus il Tonante. L’aspetto stesso di Danae rappresentava un enigma per i ricercatori della creatività, che è stato risolto solo di recente: è noto che la modella di Rembrandt era sua moglie Saskia van Uylenburch, ma la Danae giunta fino a noi non somiglia affatto alla moglie dell’artista. Uno studio a raggi X della tela ha mostrato che Rembrandt ha parzialmente riscritto il volto di Danae dopo la morte di sua moglie - e lo ha reso simile al volto della sua seconda amante, la tata di suo figlio Titus, Gertje Dirks. Anche Cupido in bilico su Danae inizialmente sembrava diverso: il dio alato rideva, ma nella versione finale c'era la sofferenza congelata sul suo viso.

Dopo l'attacco al dipinto nel 1985, ci sono voluti 12 anni per restaurarlo. La perdita della pittura è stata del 27%, i migliori maestri hanno lavorato al restauro del capolavoro di Rembrandt, ma non c’erano garanzie di successo. Fortunatamente la tela è stata salvata, ora il dipinto è protetto in modo affidabile da un vetro blindato.

2. "Ronda di notte", (1642)

La colossale tela di quasi quattro metri divenne davvero fatale nella carriera del suo creatore. Il titolo corretto del dipinto è "Esibizione della compagnia di fucilieri del capitano Frans Banning Kok e del tenente Willem van Ruytenburg". Divenne la “Ronda di Notte” dopo che gli storici dell'arte la scoprirono, dimenticata per due secoli. Si è deciso che il dipinto raffigurasse i moschettieri durante un servizio notturno - e solo dopo il restauro è diventato chiaro che sotto lo strato di fuliggine c'era una colorazione originale completamente diversa - le ombre ne parlano eloquentemente - l'azione sulla tela si svolge intorno alle 2 nel pomeriggio.

L'opera fu commissionata da Rembrandt alla Shooting Society, un'unità della milizia civile dei Paesi Bassi. Un ritratto di gruppo di sei compagnie doveva decorare il nuovo edificio della società: a Rembrandt fu chiesto di dipingere la compagnia di fucilieri del capitano Frans Banning Cock. L'artista avrebbe dovuto realizzare un ritratto cerimoniale tradizionale - tutti i personaggi in fila - ma ha deciso di rappresentare i moschettieri in movimento. La composizione audace, in cui ogni figura è il più dinamica possibile, non ha trovato comprensione tra il cliente: l'insoddisfazione è stata causata dal fatto che alcuni di quelli raffigurati erano chiaramente visibili, mentre altri erano sullo sfondo. "La ronda di notte" interruppe letteralmente la carriera di Rembrandt: fu dopo questo dipinto che i clienti ricchi e abituali si allontanarono dal pittore e il suo stile pittorico cambiò radicalmente.

A proposito, il destino di questo dipinto non è meno tragico di quello di “Danae”. Per cominciare, nel XVIII secolo fu completamente tagliato barbaramente per adattarsi alla nuova sala della Società di Tiro. Così i moschettieri Jacob Dirksen de Roy e Jan Brugman scomparvero dalla scena. Fortunatamente è stata conservata una copia del dipinto originale. "Night Watch" è stato attaccato da vandali tre volte: la prima volta è stato ritagliato un grande pezzo di tela, la seconda volta il dipinto è stato pugnalato 10 volte e la terza volta è stato cosparso di acido solforico.

Ora la tela è conservata al Rijksmuseum, il Museo Nazionale di Amsterdam. Puoi guardare questa immagine per molte ore: tutti i personaggi sono raffigurati in modo così dettagliato sull'enorme tela, sia "su misura" (in realtà ci sono 18 moschettieri) sia quelli aggiunti da Rembrandt a sua discrezione (16 figure, quella più misteriosa è la bambina al posto delle “sezioni auree” del dipinto)

3. "Il figliol prodigo nella taverna" (1635)

Questo autoritratto dell'artista con la sua amata moglie Saskia in grembo è conservato nella Galleria degli Antichi Maestri di Dresda (conosciuta anche come Galleria di Dresda). Non c'è dubbio che l'artista abbia dipinto questo quadro assolutamente felice. Fu durante questo periodo della sua vita che Rembrandt lavorò duramente e fruttuosamente, fu popolare, ricevette compensi elevati per le sue opere e tra i suoi clienti c'erano persone famose e ricche. Il maestro ha rielaborato la trama del Vangelo di Luca nello spirito dei tempi: il figliol prodigo è vestito con una canotta e un cappello a tesa larga con una piuma, anche la prostituta in grembo è vestita alla moda di quel tempo. A proposito, questo è l'unico dipinto di un autoritratto dell'artista insieme a sua moglie: Rembrandt realizzò un'altra immagine di se stesso e Saskia nello stesso spazio pittorico utilizzando la tecnica dell'incisione nel 1638. Nonostante il tono generale allegro dell'immagine, l'autore non ha dimenticato di ricordarti che prima o poi dovrai pagare per tutto in questa vita - questo è eloquentemente evidenziato dalla lavagna di ardesia sullo sfondo, dove molto presto arriverà il festaiolo essere fatturato. Rembrandt avrebbe potuto immaginare quanto sarebbe stata grande la sua punizione per il suo talento?

4. "Il ritorno del figliol prodigo" (1666-1669)

Questo è il dipinto più grande di Rembrandt a tema religioso ed è conservato all'Ermitage. Il centro semantico dell'immagine è fortemente spostato di lato, le figure principali sono evidenziate dalla luce, i restanti personaggi sono coperti dall'ombra, il che rende impossibile commettere errori durante la lettura di quanto raffigurato. A proposito, tutti i dipinti di Rembrandt sono accomunati da un dettaglio importante: nonostante la chiarezza generale della trama principale, ogni dipinto contiene misteri che gli storici dell'arte non sono in grado di risolvere. Come la ragazza dei Guardiani della Notte, Il ritorno del figliol prodigo presenta personaggi avvolti nel mistero. Ce ne sono quattro: qualcuno li chiama convenzionalmente "fratelli e sorelle" del personaggio principale. Alcuni ricercatori interpretano la figura femminile dietro la colonna come un secondo figlio obbediente, anche se tradizionalmente questo ruolo è assegnato all'uomo in primo piano. Quest'uomo, barbuto, con un bastone in mano, non solleva meno domande: nel Vangelo di Luca, il fratello del decano corse incontro al parente prodigo direttamente dal campo, ma qui è raffigurato piuttosto come un nobile vagabondo, forse anche l'Eterno Ebreo. A proposito, è possibile che Rembrandt si sia raffigurato in questo modo: gli autoritratti, come sai, non sono rari nei suoi dipinti.

5. "Saskia come Flora" (1634)

La maggior parte delle immagini femminili sulle tele di Rembrandt del 1934-1942 furono dipinte dall'amata moglie dell'artista, Saskia van Uylenburch. Nell'immagine dell'antica dea della primavera Flora, il maestro ha raffigurato Saskia tre volte - il ritratto che stiamo considerando è stato creato nell'anno del loro matrimonio - è chiaro ad occhio nudo che Rembrandt idolatrava sua moglie, la ammirava e metteva tutto la sua tenerezza nel dipinto.

Saskia aveva 22 anni al momento del suo matrimonio; a 17 rimase orfana. Un incidente l'ha portata insieme al suo futuro marito: è venuta ad Amsterdam per visitare sua cugina, la moglie del predicatore Johann Cornelis Silvius, che conosceva Rembrandt. Il matrimonio ebbe luogo il 10 giugno 1634. Nel 1942, appena un anno dopo la nascita del tanto atteso figlio Titus, Saskia morì.

Flora-Saskia è l'incarnazione della giovinezza, della freschezza e della castità; c'è così tanta affascinante timidezza e freschezza da ragazza nel suo aspetto. Rembrandt ha abilmente combinato ritratti pastorali e storici in questo dipinto. A proposito, delle tre Flore dipinte con la moglie (gli altri due dipinti furono realizzati nel 1935 e nel 1941), la prima si riferisce maggiormente all'antichità, gli altri due ritratti alludono al mito solo con dettagli appena percettibili. "Saskia come Flora" è conservata all'Ermitage.