Kratka biografija Rembrandta i njegovog rada. Najpoznatija Rembrandtova djela
Njegove slike mogu se vidjeti u mnogim muzejima širom svijeta, danas ga poznaje svaka osoba na Zemlji. Strah i radost, iznenađenje i ogorčenje toliko se prirodno odražavaju u njegovim djelima da je nemoguće ne vjerovati im. Divlja popularnost, tragična sudbina i tužni pad života i dalje su razlog za tračeve i filozofska razmišljanja.
Mladost
Umjetnik Rembrandt rođen je u porodici pekara 1606. godine u holandskom gradu Leidenu, smještenom na obali Rajne. Vrlo rano je osetio umetnički talenat. Nakon što je nekoliko godina studirao kod kuće, mladić je otišao u Amsterdam na časove poznatog slikara Lastmana. Obuka nije dugo trajala, a sa 19 godina Rembrandt se vratio u Leiden. U to vrijeme slikao je portrete svoje porodice i prijatelja, a veliku pažnju je poklanjao i autoportretima. Mnoga autorova djela su preživjela do danas, gdje sebe prikazuje u raznim slikama.
Ispovest
Jednog dana, ambiciozni umjetnik prima odličnu narudžbu od Ceha hirurga. Ovako se pojavljuje djelo “Lekcija anatomije”. Slika donosi Rembrandtovo priznanje. Odmah prima više od pedeset narudžbi za portrete plemića i amsterdamskog plemstva. Istovremeno s popularnošću, raste i dobrobit gospodara. Počinje sakupljati antikvitete i antičke kostime. Kupuje luksuzan dom, koji ispunjava izuzetnim starinskim namještajem i umjetničkim predmetima.
Saskia
U dobi od 28 godina, Rembrandt, čije su slike postajale sve popularnije, oženio se bogatom djevojkom Saskiom. Oženio se iz ljubavi i ne samo da je spasio, već i uvećao kapital svoje voljene. Rembrandt je idolizirao svoju ženu, često je prikazujući na različite načine u svojim djelima. Jedna od najpoznatijih umetnikovih slika, Autoportret sa Saskiom, prikazuje srećnog Rembranta sa svojom mladom suprugom. Istovremeno, umjetnik je dobio narudžbu za seriju radova s biblijskim zapletom. Tako se pojavljuju Rembrandtove slike s naslovima „Žrtva Abrahamova“ i „Praznik Valtazara“. Iz tog perioda datira i jedno od najpoznatijih majstorovih djela, "Danae". Sliku je umjetnik nekoliko puta prepisivao i ima nekoliko originalnih verzija.
Zalazak sunca
Umjetnikovo bezbrižno vrijeme nije dugo trajalo. Nije se svima dopao Rembrandtov način prikazivanja osobe kakva jeste. Nakon što je slikana slika “Noćna straža” izbio je nevjerovatan skandal. Na platnu su se pojavili stranci. Možda je razlog bio taj što je usred posla njegova voljena Saskia umrla od tuberkuloze. Na slici se, uz likove strijelaca, vidi silueta djevojke koja toliko podsjeća na gospodarovu ženu. Autorova popularnost počinje da opada. Novih narudžbi gotovo da i nema. Izgubivši svoj dom i svu imovinu, Rembrandt, čije slike dobijaju novo, filozofsko značenje, počinje da prikazuje obične ljude i svoje najmilije. Mnogo piše o svom sinu, kao i ljudima koji ga okružuju u posljednjim godinama njegovog života. U to vrijeme rođene su Rembrandtove slike s naslovima „Portret starca u crvenom“, „Portret sina Titovog čitanja“ i druga djela. Na kraju njegovog života iz majstorovog pera pojavljuje se još jedno remek-djelo - "Povratak izgubljenog sina". Na ovoj slici majstor sebe prikazuje kao vječnog lutalicu koji je prisiljen lutati teškim putevima promjene slave. 1969. godine, sahranivši sina i nevjestu, sam Rembrandt umire, zauvijek ostavljajući svoj kreativni trag na ovom svijetu. Danas umjetnikove slike zauzimaju počasno mjesto u bilo kojem većem muzeju na svijetu.
Najviše Rembranta. "Lekcija anatomije" (1632.)
Ova slika je prva velika narudžba koju je Rembrandt dobio nakon preseljenja u Amsterdam. Na platnu je prikazana obdukcija koju je izvršio dr. Tulp. Doktor drži tetive svojih ruku pincetom, pokazujući učenicima kako se prsti savijaju. Ovakvi grupni portreti bili su veoma popularni među lekarskim esnafima u to vreme. Istina, u pravilu su im članovi grupe pozirali, sjedeći u redu. Rembrandt, čije su slike odlikovale prirodnost i realizam, prikazao je studente u uskom krugu, pažljivo slušajući riječi doktora Tulpa. Blijeda lica i sam leš ističu se kao svijetle svjetlosne mrlje na sumornoj i tamnoj pozadini slike. Djelo je Rembrandtu donijelo prvu popularnost, nakon čega su narudžbe nevjerovatnom brzinom padale na autora.
"Autoportret sa Saskiom" (1635.)
Tokom svog života, Rembrandt je naslikao nevjerovatan broj autoportreta. Ova slika je jedna od najpoznatijih. Ovo prikazuje umjetnikovo zadovoljstvo zbog sreće što posjeduje svoju voljenu. Emocionalno stanje slikara ogleda se u otvorenom pogledu likova, u ozarenom Rembrandtovom licu, kao da se guši od sreće i blagostanja. No, u portretu se krije i skrivena provokacija: uostalom, umjetnik se prikazuje u liku tog istog „razmetnog sina“ koji se gušta s običnom kurtizanom. Koliko je “razmetni sin” na ovom autoportretu vrlo različit od onog kojeg publika poznaje sa istoimene slike!
"Danae" (1636.)
Najpoznatija Rembrandtova slika. Napisana je na osnovu mita o Persejevoj majci, Danai. Prema legendi, djevojčin otac je saznao da će umrijeti od sina svoje kćeri i zatvorio je u tamnicu. Zevs je ušao u zarobljenika u obliku zlatne kiše, nakon čega je rođen Persej. Slika privlači svojim neobičnim koloritom, karakterističnim za umjetnikov rad. U sredini je gola žena čije je telo obasjano jakom sunčevom svetlošću. Na ovoj slici, Rembrandt, čije slike često prikazuju ljude bliske njemu, uhvatio je sliku svoje voljene supruge Saskie. Slika anđela dodata je nakon smrti njegove žene. Čini se da uvijek plače za sudbinom pokojnika. Rembrandt je proveo dugo vremena prepravljajući svoju omiljenu kreaciju, mijenjajući raspoloženje slike u skladu sa svojim osjećajima. Kombinacija svjetlucavih tonova i zlatnih naglasaka zadivljuje svojom sofisticiranošću i sjajem.
Sudbina slike je iznenađujuća i dramatična, kao i životna priča samog umjetnika. Nakon smrti autora, remek djelo je promijenilo mnoge vlasnike. Nakon preuzimanja dela Katarine II, „Danae“ je zauzela ponosno mesto u čuvenoj kolekciji Ermitaža. Godine 1985. u muzeju se dogodio neugodan incident, koji je gotovo lišio svijet mogućnosti da razmišlja o Rembrandtovom stvaralaštvu. Jedan ludak je prišao slici i polio je kiselinom. Boja je odmah počela da bubri. Ali ni to napadaču nije bilo dovoljno: uspio je nožem napraviti nekoliko rezova na platnu prije nego što je zaustavljen. Šteta je zahvatila oko 30% remek-djela. Ispostavilo se da je manijak izvjesni Bronius Maigis, koji je kasnije proveo 6 godina na psihijatrijskoj klinici. Restauracija slike trajala je 12 godina. Sada je izložena u Ermitažu, štiteći remek-djelo od vandala. Još jedna zanimljiva činjenica. Umjetničko djelo i njegove reprodukcije često se prikazuju u filmovima. Na primjer, "Danae" se pojavljuje u seriji "Gangster Petersburg" kao Rembrandtova slika "Egina".
"Noćna straža" (1642.)
Sliku je od Rembrandta naručio šef pješadijske divizije. Na platnu je prikazana četa milicije koja ide u pohod. Mušketiri, ohrabreni udarcem u bubnjeve, prikazani su pored vojnika različitog društvenog statusa i uzrasta, spremnih za bitku. Sve njih ujedinjuje muškost i patriotski nagon. Rad se odlikuje pedantnošću u crtanju svih slika i detalja. Rembrantova slika “Noćna straža” kod gledalaca izaziva potpuni osjećaj stvarnosti svega što se dešava. Autor je pokušao ne samo da prikaže vanjske karakteristike svih likova, već i da otkrije unutrašnji svijet svakog vojnika. Apoteoza slike je trijumfalni luk - simbol prošlih uspjeha i predznak nove slavne pobjede. Uz pomoć šarenih boja (zlatne, crne i žute) gledalac otkriva energiju, dramatičnost i svečanost raspoloženja vojske. Lik i sudbina svakog lika čitljivi su zahvaljujući četkici poznatog umjetnika.
Postoji mnogo verzija o djevojci koja je prikazana gotovo u sredini slike. Ona se razlikuje od svih ostalih svojim jarkim bojama i anđeoskim izgledom. Možda je ovo neka maskota milicije. Prema drugoj verziji, djevojka je slika voljene žene autora, koja je otišla u drugi svijet usred slikanja. Kao što znate, posao nije bio po volji kupaca. Nakon što su kupili sliku, varvarski su isjekli platno i okačili je u banket salu.
"Povratak izgubljenog sina" (1666-1669)
Rembrandtova slika "Povratak izgubljenog sina" jedan je od najupečatljivijih vrhunaca rada slavnog umjetnika. Napisano je u posljednjim godinama majstorovog života. To je vrijeme kada je bio veoma star i slab, u potrebi i gladan. Tema izgubljenog sina više se puta pojavljivala u umjetnikovom radu. Ovo djelo je zaključak, sumiranje višegodišnjih stvaralačkih lutanja slavnog autora. Slika zrači svom toplinom i dubinom Rembrandtove palete. Svjetlucave boje i graciozna igra svjetla i sjene ističu slike glavnih likova. Pojava časnog starca i njegovog izgubljenog sina izražava čitav niz različitih osećanja: pokajanje i ljubav, milosrđe i gorčinu zakasnelog uvida. Prema mišljenju likovnih kritičara, “Povratak” je otkrio sav psihološki talenat slikara. Svo svoje akumulirano stvaralačko iskustvo, svu svoju strast, svu svoju inspiraciju uložio je u svoju zamisao.
Zaključak
Teško je i zamisliti kako je Rembrandt prikazao one predstavljene u ovom članku. Koliko je godina prošlo od njihovog nastanka, koliko ih je čađi od lojenih sveća prekrilo tokom tri veka istorije! Možemo samo da nagađamo kako su izgledali na svojim rođendanima. U međuvremenu, do danas milioni obožavatelja talenta slavnog slikara u različitim muzejima širom svijeta dolaze da pogledaju njegova remek-djela.
Rembrandt Harmens van Rijn (1606. - 1669.) bio je holandski slikar, crtač i grafičar. Kreativnost je prožeta željom za dubokim, filozofskim poimanjem stvarnosti i unutrašnjeg svijeta čovjeka sa svim bogatstvom njegovih duhovnih iskustava.
Realističan i humanistički u svojoj suštini, označio je vrhunac razvoja holandske umjetnosti 17. stoljeća, oličavajući visoke moralne ideale, vjeru u ljepotu i dostojanstvo običnih ljudi u blistavoj individualnoj i savršenoj umjetničkoj formi.
Rembrandt. Crtež "Kolibe pod nebom koje nagovještavaju oluju" (1635.) Rembrandtovo umjetničko nasljeđe odlikuje se izuzetnom raznolikošću: portreti, mrtve prirode, pejzaži, žanr scene, slike na biblijske, mitološke i povijesne teme. Rembrandt je bio nenadmašni majstor crtanja i...
Rembrandt. Baktura "Mlin" (1641.) Budući veliki umjetnik rođen je u mlinarevoj porodici. Nakon kratkog studija na Univerzitetu u Leidenu 1620. godine, posvetio se umjetnosti. Studirao je slikarstvo kod J. van Swanenburcha u Lajdenu (od 1620. - 1623.) i P. Lastmana u Amsterdamu 1623. godine. U periodu od 1625. do 1631. radio je u Leidenu. Primjer Lastmanovog utjecaja na umjetnikov rad je slika " Alegorija muzike“, koju je naslikao Rembrandt 1626.
Rembrandt "Alegorija muzike" na slikama" Apostol Pavle"(1629 - 1630) i" Simeona u hramu"(1631.) Rembrandt je bio prvi koji je koristio chiaroscuro kao sredstvo za poboljšanje duhovnosti i emocionalne ekspresivnosti slika.
Rembrandt "Apostol Pavle" Tokom istih godina, Rembrandt je naporno radio na portretu, proučavajući izraze lica ljudskog lica. Umjetnička kreativna traganja u ovom periodu izražena su u nizu autoportreta i portreta članova umjetnikove porodice. Ovako je sebe Rembrandt prikazao sa 23 godine.
Rembrandt "Autoportret" Godine 1632. Rembrandt se preselio u Amsterdam, gdje se ubrzo oženio bogatom patricijkom Saskiom van Uylenbruch. Tridesete godine 17. veka za umetnika su bile godine porodične sreće i ogromnog umetničkog uspeha. Porodični par je prikazan na slici" Prometni sin u kafani(1635.).
Rembrandt "Blutni sin u kafani" (1635.) Istovremeno, umjetnik slika platno" Hristos tokom oluje na Galilejskom jezeru(1633.). Slika je jedinstvena po tome što je umjetnikov jedini morski pejzaž.
Rembrandt "Hrist tokom oluje na Galilejskom jezeru" slikanje " Lekcija iz anatomije dr Tulpa„(1632), u kojoj je umjetnik na nov način riješio problem grupnog portreta, dajući kompoziciji vitalnu lakoću i ujedinjujući ljude na portretu jednom akcijom, donio je Rembrandtu široku slavu. Primao je mnoge narudžbe, a u njegovoj radionici radili su brojni učenici.
Rembrandt "Lekcija anatomije dr Tulpa" U naručenim portretima bogatih građanki, umjetnik je pažljivo prenio crte lica, najsitnije detalje odjeće i sjaj raskošnog nakita. Ovo se vidi na platnu" Portret grobara“, napisano 1633. godine. Istovremeno, manekenke su često dobijale odgovarajuće društvene karakteristike.
Rembrandt "Portret grobara" Njegovi autoportreti i portreti bliskih ljudi slobodniji su i raznolikiji po svojoj kompoziciji:
- » Auto portret“, napisano 1634. godine. Slika je trenutno izložena u Luvru.
Rembrandt "Autoportret" (1634.) - » Smiling Saskia". Portret je naslikan 1633. godine. Danas se nalazi u Drezdenskoj umjetničkoj galeriji.
Rembrandt "Smiling Saskia" Ove radove odlikuju živa spontanost i ushićenost kompozicije, slobodan način slikanja, dur, svjetlosni, zlatni kolorit.
Smjeli izazov klasičnim kanonima i tradicijama u umjetnikovom radu može se vidjeti na primjeru platna" Otmica Ganimeda“, napisano 1635. godine. Rad se trenutno nalazi u Drezdenskoj umjetničkoj galeriji.
Rembrandt "Silovanje Ganimeda" Slika "Danae"
Monumentalna kompozicija bila je živopisno utjelovljenje umjetnikovih novih estetskih pogleda" Danae(napisano 1636. godine), u kojem ulazi u raspravu sa velikim majstorima italijanske renesanse. Umjetnik se suprotstavio općeprihvaćenim kanonima prikazivanja i stvorio prekrasnu sliku koja je nadilazila tadašnje ideje prave ljepote.
Rembrandt je nagi lik Danae, daleko od klasičnih ideala ženske ljepote, naslikao smjelom, realističkom spontanošću, a idealnu ljepotu slika talijanskih majstora umjetnik je suprotstavio uzvišenoj ljepoti duhovnosti i toplini intimnog osjećaja osobe. .
Rembrandt "Danae" (1636.) Suptilne nijanse emotivnih doživljaja slikar je izrazio na svojim slikama" David i Jonathan"(1642) i" Sveta porodica(1645.). Visokokvalitetne reprodukcije Rembrandtovih slika mogu se koristiti za dekoraciju u mnogim stilovima.
Godine 1656. Rembrandt je proglašen nesolventnim dužnikom i sva njegova imovina je prodata na javnoj dražbi. Bio je primoran da se preseli u jevrejsku četvrt Amsterdama, gde je proveo ostatak života.
Rembrandt "Sveta porodica" (1645.) Slika "Povratak izgubljenog sina".
Hladan nesporazum holandskih građanki okružio je Rembranta u poslednjim godinama njegovog života. Međutim, umjetnik je nastavio stvarati. Godinu dana prije smrti, počeo je stvarati svoje briljantno platno" Povratak izgubljenog sina(1668. - 1669.), u kojoj su oličena sva umjetnička, moralna i etička pitanja.
Na ovoj slici umjetnik stvara čitav niz složenih i dubokih ljudskih osjećaja. Glavna ideja slike je ljepota ljudskog razumijevanja, saosjećanja i praštanja. Vrhunac, napetost osjećaja i potonji trenutak razrješenja strasti oličeni su u ekspresivnim pozama i škrtim, lakoničnim gestovima oca i sina.
Rembrandt "Povratak izgubljenog sina" Autoportret Rembrandta, 1661. Ulje na platnu, 114x91.
Kenwood House, London, Engleska baština.
Ilustracija sa sajta http://rembr.ru/
Rembrandt, Harmenz van Rijn (1606–1669), holandski slikar, crtač i bakropisac, jedan od najvećih majstora zapadnoevropske umjetnosti. Rođen u Lajdenu 15. jula 1606. godine u porodici bogatog mlinara. Godine 1620. upisao je Univerzitet u Leidenu, ali se tamo nije dugo zadržao i ubrzo je postao učenik lokalnog umjetnika Jacoba Isaacsa Swanenburcha. Oko 1623. preselio se u Amsterdam, gdje je ušao u radionicu Jana Peynasa i učio kod majstora istorijskog slikarstva Pietera Lastmana. Potonji je Rembranta upoznao sa djelima majstora italijanske umjetnosti. Od 1625. do 1631. Rembrandt je držao svoju radionicu u Leidenu, ponekad radeći sa slikarom i graverom Janom Livensom. Od Rembrantovih učenika najpoznatiji je Gerard Dou.
1631. ili krajem 1632. Rembrandt se vratio u Amsterdam. Dana 22. juna 1635. oženio se Saskiom van Uylenburch, kćerkom bogatog burgomastera iz Leuwardena. Godine 1642. uspjeh u kreativnosti i privatnom životu ustupio je mjesto nizu nesreća. Krajem 1630-ih godina rodi mu se jedno za drugim četvero djece, ali su sva umrla u djetinjstvu, a onda je 14. juna 1642. iznenada umrla njegova voljena žena. Umjetnik je ostao sa svojim jednogodišnjim sinom Titusom. Noćna straža (1642, Amsterdam, Rijksmuseum), završena ubrzo nakon Saskijine smrti, označava početak njegovih novih kreativnih istraživanja.
Krajem 1640-ih, Hendrikje Stoffels je postala Rembrandtova nezvanična supruga (prema Saskijinoj oporuci, nije se mogao oženiti drugi put). 1654. rodila im se kćerka Kornelija. Međutim, sada su umjetnika proganjale finansijske poteškoće. U julu 1656. bio je primoran da proglasi bankrot, a u naredne dvije godine njegova izuzetna kolekcija je rasprodata. Želeći da pomognu Rembrantu, krajem 1658. godine Tit i Hendrikje su počeli da se bave slikarstvom.
Posljednje godine umjetnikovog života bile su zasjenjene smrću najmilijih. Hendrickje je umro 24. jula 1663. godine. Titus se oženio u februaru 1668. i umro šest mjeseci kasnije. Sada je Rembrandt ostao sam sa mladom Kornelijom. Rembrandt je umro 4. oktobra 1669. godine.
Rembrandt je stvorio oko 600 slika, skoro 300 bakropisa i više od 1.400 crteža. U nastavku donosimo hronološki pregled njegovog rada.
Rani period Rembrantovog stvaralaštva treba posmatrati u kontekstu uticaja italijanske umetnosti na holandsko slikarstvo. Od talijanskih majstora, Holanđane je posebno privukao Caravaggio, u čijim se djelima hrabar naturalizam i kontrastno modeliranje svjetla i sjene činilo izazovom klasičnoj umjetnosti. Umjetnici kao što su Gerard Terbruggen i Rembrandtov učitelj Pieter Lastman radili su u stilu Caravaggia, postepeno uvodeći karavagizam u arsenal umjetničkih sredstava holandskog slikarstva. Ovom pokretu pripadaju i Rembrandtove slike iz perioda Lajdena (1625–1631). Slike Mjenjača novca (1627, Berlin) i Naučnik u svojoj studiji (1629, London, Nacionalna galerija) pokazale su majstorovo interesovanje za prenošenje svjetlosnih efekata. Prva od njih prikazuje starca sa naočalama na poslu, u kutu prepunom računskih knjiga. Njegovo naborano lice obasjava mutna svjetlost jedne svijeće koju pokriva rukom. Na drugoj slici Rembrandt je nastojao prenijeti atmosferu prozračne unutrašnjosti. Glavni predmet slike je sama soba s visokim stropom, ispunjena mekim, lepršavim svjetlom.
Tokom svoje kreativne karijere, umetnik se okrenuo temama u kojima je duboka životna drama kombinovana sa elementima suptilnog psihologizma. Slika Večera u Emausu (oko 1630, Pariz, Muzej Jacquemart-André) prikazuje karakteristike Rembrandtovog slikarstva ovog perioda. Rembrandt je ovu epizodu predstavio kao kazališnu mizanscenu. Kristova silueta se ističe na pozadini blistave svjetlosti, većina platna je uronjena u sjenu.
Preseljenje u Amsterdam i veliki umetnički uspesi koji su usledili otvorili su novo razdoblje u Rembrantovom stvaralaštvu; ovo je decenija tokom koje su nastajala dela prožeta dramatikom i istovremeno ne lišena materijalne senzualnosti, delom duhom vezana za dela Flamanca Petera Paula Rubensa. Prva velika narudžba koju je Rembrandt dobio u Amsterdamu bila je slika Anatomija doktora Tulpa (1632, Hag, Mauritshuis). To je slika poznatog amsterdamskog doktora i njegovih kolega u gradskom esnafu hirurga.
Među slikama na povijesne teme koje je Rembrandt napravio 1630-ih godina, Osljepljivanje Samsona (1636, Frankfurt na Majni, Institut za umjetnost Städel) čini se posebno dramatičnim. Bljeskovi svjetlosti, dinamične dijagonale i žive boje koriste se za povećanje napetosti zapleta; slika je ispunjena oštrim, brzim pokretima.
Hedonizam i tehnička virtuoznost koji su karakterizirali Rembrandtovo slikarstvo ovih godina možda su najslikovitije oličeni u Autoportretu sa Saskiom (oko 1635., Drezden, Galerija slika). Ovdje je umjetnik sebe prikazao u romantičnom odijelu džentlmena; Jednom rukom podiže čašu piva, a drugom grli Saskiju koja mu sjedi u krilu. Jačina boja i sloboda poteza u potpunosti odgovaraju raspoloženju scene.
Autoportret sa Saskiom u krilu. 1635
Do ranih 1640-ih, Rembrandtov život i umjetnička aktivnost stekli su stabilnost i pravilnost. Autoportret 1640. (London, Nacionalna galerija), pod utjecajem djela Rafaela i Ticijana, prikazuje samouvjerenog, razumnog čovjeka, obučenog na talijanski način 16. stoljeća, naslonjenog na balustradu; ramena su mu blago okrenuta, pogled usmeren ka posmatraču.
Jedna od najpoznatijih slika ovog perioda je Noćna straža (1642, Amsterdam, Rijksmuseum). Pravo ime djela je četa kapetana Fransa Banninga Koka i poručnika Willema van Ruytenburga. Napisano je povodom posjete francuske kraljice Marije de Mediči Amsterdamu i svečanog izlaska trupa gradske milicije upriličenog ovom prilikom. Prevladavajuća tamna pozadina na slici omogućava da se bolje istaknu figure likova. Zato je u 18.st. slika je pogrešno nazvana Noćna straža. Kao i Anatomija doktora Tulpea, ova slika nadilazi tradicionalni grupni portret. Prikazuje 29 likova, od kojih su 16 stvarne istorijske ličnosti; njihovi pokreti i položaj na slici podređeni su jednoj općoj radnji koja se razvija pred očima gledatelja. motke, transparenti i muškete strše u različitim smjerovima, čineći kompoziciju slobodnijom i dinamičnijom; osjećaj je pojačan igrom svjetla i sjene.
Noćna straža. 1642
1640-ih Rembrantovo religiozno slikarstvo postaje manje retoričko, u njemu se pojavljuje poniznost i duboka unutrašnja snaga karakteristična za kasnije majstorovo stvaralaštvo. Od renesanse događaji iz Svetog pisma obično su se tumačili na herojski način, a njihovi likovi su obdareni fizičkom ljepotom. Rembrandtova vizija se oštro razlikovala od ovog koncepta; Hristos u svojim delima deluje skromno i krotko, poniženo i nevidljivo među ljudima.
Sto guldena, gravura koja je dobila ime po cijeni po kojoj je prodata na jednoj od prvih aukcija, bavi se temom kršćanske poniznosti. Kristov lik se ne izdvaja iz gomile ni odjećom ni posebnim položajem, ali pažnju gledatelja privlači središte kompozicije - lice Spasitelja sa najsuptilnijim zrakama božanske svjetlosti koje izbijaju iz njega. S njegove lijeve strane su oni slomljeni slabošću duha i tijela, bogati i siromašni, ujedinjeni patnjom. Desno su fariseji, nevjernici i uronjeni u beskrajne rasprave. Mala djeca padaju pred noge Hristove. U gravuri List od stotinu guldena, u nedostatku vidljive akcije, Rembrandt je savršeno uspio prenijeti čudo Božanskog prisustva u svijetu ljudi.
Od početka 1650-ih, Rembrandtovi portreti su postali duboko lični, kompozicije su postale stroge i geometrijske konstrukcije, a shema boja postala je ogroman spektar nijansi od tri ili četiri boje. Rembrandtova umjetnost ne odražava više umjetničke ukuse javnosti; Umjetnik se sada bavi istraživanjem osobina tehnika uljanog slikanja. Majstorov pogled na svijet, oličen u njegovim kasnijim djelima, danas tako visoko cijenjen, ostao je neshvatljiv njegovim savremenicima.
Rembrandt. "Danae." 1636.
Slika Čovjek u pozlaćenoj kacigi (1651, Berlin - Dahlem) Rembrandtove radionice pokazuje karakteristične crte majstorovog kasnog stila. Lice sijedog ratnika uronjeno je u duboku meku sjenu, a odsjaji svjetlosti na kacigi prenošeni su slobodnim, širokim, debelim potezima. Za Rembrandta je neobična tema ponekad mogla postati razlog za hrabre umjetničke eksperimente. Primjer ovdje je slika Oguljena lešina bika (1655, Pariz, Luvr). Četkica vraća život mrtvom tijelu, a ljepotu ružnoći. Rembrandt je uvijek izbjegavao klasicističku idealizaciju u prikazivanju ljudskog tijela. Na slici Batšeba (1654, Pariz, Luvr), žena koju je kralj David video kako se kupa i u nju se zaljubio zbog njene izuzetne lepote nije prikazana u trenutku kupanja, koju su umetnici često birali da ispričaju ovu priču, i nije uopšte prelepo. Ona je uronjena u duboke misli i čini se da predviđa smrt svog muža.
U svom kasnijem radu, Rembrandt se sve više okreće tumačenju događaja iz hrišćanske istorije. Slika Silazak sa krsta (oko 1655, Vašington, Nacionalna galerija) posvećena je ne samo Hristovoj smrti, već i tuzi onih koji ga oplakuju.
Jedno od najpoznatijih Rembrandtovih djela religioznog slikarstva iz ovog perioda je slika Poricanje Petra (oko 1660., Amsterdam, Rijksmuseum). U sredini je prikazana mlada služavka koja se okreće Petru, a on pokretom ruke pomaknute u stranu potvrđuje svoje riječi o odricanju od Krista. Prostor u prvom planu je osvijetljen jednom svijećom, koju služavka zasjenjuje svojom rukom - tehnika koja je bila vrlo popularna među karavadžistima početkom stoljeća. Blaga svjetlost svijeće modelira oblike figura i objekata koji se nalaze u prvom planu. Oslikane su laganim potezima, u smeđkasto-žućkastoj shemi boja sa nekoliko crvenih akcenta. Ponekad se čini da se oblici rastvaraju u svjetlosti ili su njome ispunjeni, kao ruka služavke koja blokira svijeću. Na Peterovom licu je duboka tuga. Ovdje, kao iu kasnijim umjetnikovim portretima i autoportretima, Rembrandt prikazuje starost s nenadmašnom vještinom, s njenom godinama nagomilanom mudrošću, slabošću tijela i snagom duha.
Rembrandtovi portreti takođe postaju duboko lični tokom godina. Na portretu pjesnika Jana Siksa (1654, Amsterdam, zbirka Šest porodice), subjekt je prikazan u jedva primjetnoj perspektivi odozdo prema gore; Sa izuzetkom fino modelovanog lica, portret se slika brzo i slobodno, širokim potezima. Šemom boja dominiraju svjetlucava crvena ogrtača i zlatna dugmad odijela, u kontrastu s raznim nijansama zelene i sive.
Na portretu Hendrikjea Stoffelsa (oko 1656, Berlin - Dahlem) figura je upisana u okvir prozorskog otvora i, zbog velike razmjere koju je umjetnik odabrao, čini se da stoji vrlo blizu ravni slike. Hendrickjeov pogled je usmjeren prema posmatraču, njena poza je slobodna, glava joj je nagnuta u stranu, a ruke leže vrlo prirodno. Šema boja slike je kombinacija zlatnih, bijelih, crvenih i crnih tonova.
Jedan od najboljih Rembrandtovih grupnih portreta su Sindici (1661–1662, Amsterdam, Rijksmuseum). Naručioci portreta bili su predstavnici amsterdamske odjevne radionice (sindics). Prikazani su oko stola na kojem leži knjiga za brojanje. Umetnik čini gledaoca učesnikom u onome što se dešava na slici. Čini se da smo upravo prekinuli sindike koji su bili zauzeti svojim kalkulacijama i zato svi, kao da na trenutak podižu pogled sa posla, gledaju u gledaoca. Na slici prevladavaju ravne linije, ali okret stola i složena igra svjetla ublažavaju ozbiljnost kompozicije. Svetlosne mrlje su raštrkane po platnu, oživljavajući njegovu slikovnu površinu. Ova slika je izuzetna i kao psihološka studija, čija je svrha da prikaže ljude različitih karaktera, i kao istorijski dokument.
Oko 1661. Rembrandt je dobio jednu od osam istorijskih slika koje su trebale da ukrašavaju amsterdamsku gradsku vijećnicu. Ogromno platno (originalne dimenzije 5-5 m) Zavjera Julija Civilisa, prema različitim verzijama, ili nikada nije bila obješena u gradskoj vijećnici, ili je zauzimala prostor koji je za njega dodijeljen najviše dvije godine, a zatim je zamijenjen slika Ovensa na istu temu. Sačuvao se samo fragment ovog Rembrandtovog djela, koji se nalazi u Nacionalnom muzeju u Štokholmu. Rembrandt je opisao događaj opisan u Analima rimskog istoričara Tacita (1. vek): vođe plemena Batavi zaklinju se mačem da će se boriti za oslobođenje od rimske vlasti. O razmjerima ovog djela u izvornom obliku može se suditi iz kompozicione skice koja se nalazi u Minhenu. To pokazuje da su najprije stol i ljudi okupljeni oko njega prikazani u prostoru ogromne dvorane čija se dubina prenosila igrom svjetla i sjene.
U 17. veku crtež je obično služio kao preliminarna skica za razvijanje velike kompozicije, skica pojedinih detalja buduće slike, ili se nanosio na karton i potom prenosio na površinu namijenjenu slikanju. Vrlo rijetko se o crtežu smatralo cjelovito umjetničko djelo; Često su crteži bačeni nakon završetka projekta. Svaki Rembrandtov crtež je studija prirode fenomena i pokušaj da se uhvati karakter trenutka ili objekta. Kada je umjetnik pravio skice iz djela starih majstora, nije stvarao kopije, već varijacije na istu temu, rješavajući svoje likovne probleme. 1630-ih i 1640-ih slikao je kombinirajući linije različite debljine s najfinijim ispiranjem. Ponekad njegovi crteži izgledaju kao brze skice, gdje nervozna linija gotovo igdje ne ostaje kontinuirana.
Rembrandt je prvi shvatio bogate mogućnosti gravure u odnosu na metalnu gravuru. Ova gravura se stvara grebanjem dizajna na metalnoj ploči; zatim se ploča prekriva bojom, ispunjavajući udubljenja koja je ostavio rezač, a od nje se izrađuju otisci na papiru pomoću preše. Rezač zahteva snažan pritisak i veliku pažnju. Rad na bakropisu, naprotiv, ne zahtijeva veliku fizičku snagu, a linije su slobodnije i fleksibilnije. Umjesto da zagrebe metal dlijetom, umjetnik premazuje ploču kiselootpornim lakom i crta po njoj iglom, zatim umače ploču u kiselinu i metal se urezuje na mjestima bez laka. Grafika daje umjetniku mnogo više slobode, a može crtati iglom kao da koristi olovku na papiru. U Rembrandtovim bakropisima linije su slobodne i fluidne kao u skicama perom. Da bi postigao nove izražajne efekte, često je kombinovao različite tehnike: ponekad je rezačem prelazio preko daske već urezane kiselinom, ponekad je gravirao „suhim vrhom“ - alatom sa dijamantom na kraju, koji ostavlja žljebove sa urezima. metal, koji daje mek i baršunast dodir otisku. Na primjer, u Sto guldena umjetnik je koristio sve ove tehnike (rad na ovoj ploči trajao je nekoliko godina).
Listova Radosna vijest pastirima (1634.) prava je barokna pozorišna predstava. Crtež je napravljen gusto postavljenim ukrštanim potezima koji stvaraju kontraste svijetlih i tamnih tonova. Pet godina kasnije, u Veliku Gospu, dominaciju gusto osjenčanih tamnih područja zamijenila je dominacija svijetlih područja i tankih paralelnih sjenčanja. U bakropisu Tri drveta (1643.) kontrast gusto osjenčanih fragmenata slike i bijelog papira doveden je do krajnosti; nagnute paralelne linije prema nebu savršeno prenose osjećaj ljetne grmljavine. Najdramatičniji od Rembrandtovih bakropisa je list Tri krsta (oko 1650.).
Korišteni su materijali iz enciklopedije "Svijet oko nas".
Povratak izgubljenog sina. 1669
Vrhunac holandskog realizma je Rembrandtovo djelo. Idejni sadržaj i izuzetna umjetnička vještina svojstvena njegovim slikama svrstavaju Rembranta među najveće predstavnike svjetske umjetnosti. Podjednako je sjajan i kao slikar i kao majstor graviranja i crtanja.
Rembrandt Garmens van Rijn rođen je 1606. godine u Leidenu, kao sin vlasnika mlina. Njegov slikarski poziv se pokazao vrlo rano. Prve godine njegovog stvaralačkog puta, koje se odvijao u njegovom rodnom Leidenu, obilježila je potraga za kreativnom samostalnošću. Godine 1632. preselio se u Amsterdam - centar kulturnog života republike. U “Lekciji anatomije doktora Tulpa”, koja mu je donijela veliki uspjeh, Rembrandt rješava problem grupnog portreta na nov način, ujedinjujući ga jedinstvom akcije. Rembrandtova slava raste, mnogi studenti hrle u njegovu radionicu, 30-te su vrijeme Rembrandtovog najvećeg uspjeha u životu; Uz slike na biblijske i mitološke teme, slika veliki broj naručenih portreta, mnogo radi u tehnici bakropisa i crta. Radove ove decenije obilježava osjećaj velike vitalnosti, naglašene dramatičnom ekspresivnošću, iako ponekad nisu oslobođeni vanjskih efekata. Među najboljim kreacijama 30-ih je "Danae", gdje tradicionalna mitološka slika poprima crte zadivljujuće životne istine. Pojavljuje se umjetnikov slikovni sistem u kojem vodeću ulogu imaju kontrasti svjetla i sjene, pojačavajući emocionalnu rezonancu slika.
Početkom 40-ih godina dolazi do prekretnice u Rembrandtovom stvaralaštvu: umjetnik se oslobađa nekih ograničenih crta karakterističnih za njegova ranija djela, produbljuje se njegova realistička metoda koja, međutim, nije naišla na priznanje u buržoaskim krugovima. Istorija njegove čuvene slike, poznate kao "Noćna straža", je indikativna u tom pogledu. Ispunjavajući narudžbu za grupni portret puškara iz čete kapetana Banning Cocka, Rembrandt je prekršio sve tradicije. Umjesto niza dostojno sjedećih figura prikazanih na jednom platnu, prikazao je uličnu scenu punu realizma i visoke poezije, svečani nastup puškara okruženih gradskom gomilom privučenom ovim događajem. U ovom monumentalnom djelu može se čuti odjek herojskih vremena Holandske revolucije. Neprijateljski prijem koji je dočekao Noćnu stražu bio je pokazatelj ograničenih ukusa holandske buržoazije, njenog udaljavanja od progresivnih ideala revolucionarne ere.
U djelima 40-ih Rembrandt se okreće svijetu jednostavnih i siromašnih ljudi - upravo u tom okruženju pronalazi nosioce visokog moralnog plemenitosti, snažnih, iskrenih osjećaja. U filmovima kao što su Sveta porodica ili Dobri Samaritanac, događaji iz evanđelja su prikazani kao epizode iz svakodnevnog života. To religijskoj temi daje posebno društveno značenje. Rembrandtova grafika se razvija u istom pravcu. U čuvenom bakropisu „Hrist isceljuje bolesne“ slike siromašnih i patnika su u suprotnosti sa samopravednim farisejima.
Poslednjih 20 godina je najtragičnije vreme u Rembrantovom životu. Njegovo odstupanje od preovlađujućih ukusa buržoazije dovelo je do smanjenja narudžbi i završilo bankrotom 1656.: umjetnikova imovina i kolekcije prodani su na aukciji, a on sam bio je primoran da se nastani u najsiromašnijoj četvrti Amsterdama.
Progone ga teški porodični gubici. Ali upravo je tokom ovih godina Rembrandtova umetnost dostigla svoj vrhunac. Monumentalna priroda slika, duboko otkrivanje unutrašnjeg svijeta čovjeka, zadivljujuća energija slike, zasnovana na harmoniji crvenkastih i smećkastih tonova koji kao da gore iznutra - to su odlike njegove kasne umjetnosti. Najbolja djela tog vremena su “Asur, Haman i Estera”, “David pred Saulom” itd. U tim istim godinama Rembrant je stvorio svoju istorijsku kompoziciju, punu herojske snage, “Zavjeru Julija Civilisa”, posvećenu oslobodilačkoj borbi Batavaca (koji se smatraju precima Holandije) protiv rimske vlasti.
U kasnijim godinama majstorova portretna umjetnost dostigla je vrhunac. U svojim portretima, Rembrandt se ne ograničava ni na jedan psihološki aspekt, već daje, takoreći, sliku cjelokupnog duhovnog života osobe, neprekidnog unutrašnjeg kretanja misli i osjećaja. Za Rembranta je bogatstvo ljudske ličnosti neiscrpno; Ponavljajući se okrećući istom modelu, majstor uvijek u njemu pronađe nešto novo i jedinstveno. Na primjer, Rembrandt je napravio preko stotinu autoportreta. Rembrandtove najbolje kreacije uključuju portrete Breuninga, Burgomaster Sixa, umjetnikove druge supruge Hendrikje Stoffels i njegovog sina Titusa koji čita.
Finale Rembrantovog dela - njegova čuvena slika "Povratak izgubljenog sina" - zadivljuje zračenjem dubokog ljudskog osećanja. Uspostavljanje humanističkih ideala u uslovima Holandije u 17. veku značilo je neizbežan raskid umetnika sa buržoazijom, koja se udaljila od svojih revolucionarnih tradicija. Veoma je značajno da je smrt velikog majstora 1669. godine prošla potpuno nezapaženo.
Među rijetkim studentima koji su ovladali visokim principima Rembrandtovog realizma bili su rano preminuli Carel Fabricius (oko 1622-1654) i Art de Gelder (1645-1727).
U poslednjoj četvrtini 17. veka. Počinje period potpunog propadanja holandske umjetnosti.
Citirano prema: Svjetska historija. Tom IV. M., 1958, str. 311-313.
književnost:
Rovinsky D. Kompletna zbirka Rembrandtovih gravura, tom 1–4. Sankt Peterburg, 1890
Rembrandt. Umetnička kultura Zapadne Evrope u 17. veku. Sankt Peterburg, M., 1970
Egorova K.S. Rembrandt Garmens van Rijn. Slike umjetnika u muzejima Sovjetskog Saveza [Album]. L., 1971
Egorova K.S. Portret u djelima Rembrandta. M., 1975
Pročitajte dalje:
Irina Nenarokomova. Rembrandt. (Dječije rimske novine).
Umetnici(biografski priručnik).
Pročitajte više na webu:
Website http://rembr.ru/ - o holandskom umjetniku Rembrandtu Van Rijnu. Galerija slika, biografija umjetnika, knjige i studije o Rembrandtovom životu.
Rembrandt Harmens van Rijn (holandski: Rembrandt Harmenszoon van Rijn [ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə(n)soːn vɑn ˈrɛin], 1606.-1669.) - holandski umjetnik, crtač i najveći predstavnik slikarstva, veliki predstavnik slikarstva Duchiroscur, veliki majstor Duchiroscura. Uspio je da u svojim djelima utjelovi čitav spektar ljudskih iskustava s takvim emocionalnim bogatstvom kakvo likovna umjetnost nikada prije nije poznavala. Rembrandtova djela, žanrovski izuzetno raznolika, otkrivaju gledaocu bezvremenski duhovni svijet ljudskih iskustava i osjećaja.
Rembrandt Harmenszoon („Harmenov sin”) van Rijn rođen je 15. jula 1606. (prema nekim izvorima 1607. godine) u velikoj porodici bogatog vlasnika mlina Harmena Gerritszoona van Rijna u Lajdenu. Čak i nakon holandske revolucije, majčina porodica ostala je vjerna katoličkoj vjeri.
U Lajdenu je Rembrant pohađao latinsku školu na univerzitetu, ali je najveće interesovanje pokazao za slikarstvo. Sa 13 godina poslan je da studira likovnu umjetnost kod istorijskog slikara Leidena Jacoba van Swanenburcha, katolika po vjeri. Istraživači nisu uspjeli pronaći Rembrandtova djela koja datiraju iz tog perioda, pa ostaje otvoreno pitanje Swanenbuerchovog utjecaja na razvoj Rembrandtovog kreativnog stila: danas se premalo zna o ovom leidenskom umjetniku.
Godine 1623. Rembrandt je studirao u Amsterdamu kod Pietera Lastmana, koji se školovao u Italiji i specijalizirao historijske, mitološke i biblijske teme. Vrativši se u Lajden 1627. godine, Rembrandt je, zajedno sa svojim prijateljem Janom Livensom, otvorio sopstvenu radionicu i počeo da regrutuje studente. U roku od nekoliko godina postao je nadaleko poznat.
Lastmanova strast za šarenilom i detaljima u izvođenju imala je ogroman uticaj na mladog umetnika. To jasno dolazi do izražaja u njegovim prvim sačuvanim djelima - „Kamenovanje sv. Stefana" (1629), "Scena iz antičke istorije" (1626) i "Krštenje evnuha" (1626). U poređenju sa njegovim zrelim radovima, neobično su živopisni, umetnik nastoji da pažljivo opiše svaki detalj materijalnog sveta, da što tačnije prenese egzotični ambijent biblijske istorije. Gotovo svi junaci izlaze pred gledatelja obučeni u otmjenu orijentalnu odjeću, blistajući nakitom, što stvara atmosferu raskošnosti, pompe i svečanosti („Alegorija muzike“, 1626; „David pred Saulom“, 1627).
Završna djela tog perioda - "Tobit i Ana", "Valam i magarac" - odražavaju ne samo bogatu maštu umjetnika, već i njegovu želju da što izražajnije prenese dramska iskustva svojih likova. Kao i drugi barokni majstori, počinje shvaćati vrijednost oštro izvajanog chiaroscura za prenošenje emocija. Njegovi učitelji u pogledu rada sa svjetlom bili su utrehtski karavadžisti, ali se u još većoj mjeri rukovodio radovima Adama Elsheimera, Nijemca koji je radio u Italiji. Najkaravažističkije slike Rembranta su „Parabola o glupom bogatašu“ (1627), „Simeon i Ana u hramu“ (1628), „Hrist u Emausu“ (1629).
Uz ovu grupu nalazi se slika „Umjetnik u svom ateljeu“ (1628; možda je ovo autoportret), na kojoj se umjetnik uhvatio u ateljeu u trenutku razmišljanja o vlastitom stvaralaštvu. Platno na kojem se radi stavlja se u prvi plan slike; u poređenju sa njim sam autor deluje kao patuljak.
Jedno od neriješenih pitanja u Rembrandtovoj kreativnoj biografiji je njegovo umjetničko preklapanje s Livensom. Radeći rame uz rame, više puta su se bavili istim zapletom, kao što su “Samson i Dalila” (1628/1629) ili “Uskrsnuće Lazara” (1631). Djelomično, oboje je privukao Rubens, koji je tada bio poznat kao najbolji umjetnik u cijeloj Evropi; ponekad je Rembrandt posuđivao Lievensova umjetnička otkrića, ponekad je bilo upravo suprotno. Iz tog razloga razlikovanje između djela Rembrandta i Lievensa iz 1628-1632 predstavlja određene poteškoće za istoričare umjetnosti. Među njegovim drugim poznatim djelima je "Valamov magarac" (1626).
Ovo je dio članka na Wikipediji koji se koristi pod licencom CC-BY-SA. Cijeli tekst članka ovdje →
Budući reformator likovne umjetnosti rođen je u porodici bogatog mlinara u Leidenu. Dječak je od ranog djetinjstva pokazivao interesovanje za slikanje, pa je sa 13 godina bio šegrt kod lajdenskog umjetnika Jacoba van Swanenburcha. Rembrandt je kasnije studirao kod amsterdamskog slikara Pietera Lastmana, koji se specijalizovao za istorijske, mitološke i biblijske teme.
Već 1627. Rembrandt je uspio otvoriti svoju radionicu sa svojim prijateljem Janom Livensom - mladi slikar, koji je imao jedva 20 godina, počeo je sam da regrutuje studente.
Već u ranim Rembrandtovim radovima jasno je vidljiv poseban slikarski stil, koji počinje da se oblikuje - umjetnik nastoji da svoje likove naslika što emotivnije, doslovno svaki centimetar platna ispunjen je dramom. Na samom početku svog puta, budući nenadmašni majstor rada s chiaroscurom shvatio je moć ove tehnike za prenošenje emocija.
Godine 1631. Rembrandt se preselio u Amsterdam, gdje je dočekan krajnje oduševljeno; poznavaoci umjetnosti upoređivali su slikarski stil mladog umjetnika sa djelima samog Rubensa - inače, Rembrandt je rado uzimao tragove iz većine estetike ovog umjetnika.
Period rada u holandskoj prijestolnici postao je prekretnica za žanr portreta u Rembrandtovom djelu - tu je majstor naslikao mnoge studije ženskih i muških glava, pažljivo razrađujući svaki detalj, razumijevajući sve suptilnosti izraza lica čovjeka. lice. Umjetnik slika bogate građane - njegova slava se brzo širi i postaje ključ komercijalnog uspjeha - a također puno radi na autoportretima.
Rembrantova sudbina - i lična i kreativna - nije bila laka. Rano favorizovan slavom i uspehom, talentovani slikar je takođe iznenada izgubio bogate klijente koji nisu uspeli da shvate revolucionarnu hrabrost njegovih dela. Rembrantovo naslijeđe istinski je cijenjeno tek dva vijeka kasnije - u 19. vijeku umjetnici realisti bili su inspirisani slikama ovog majstora, jednog od najsjajnijih predstavnika zlatnog doba holandskog slikarstva.
"Večernja Moskva“ predlaže prisjetiti se najpoznatijih Rembrandtovih slika, koje su biseri zbirki najvećih svjetskih muzeja.
1. "Danae" (1633-1647)
Čak i ako ne znate ništa o Rembrandtu i uopšte vas ne zanima slikanje, ova slika vam je svakako poznata. Platno, pohranjeno u Ermitažu u Sankt Peterburgu, gotovo je zauvijek izgubljeno 1985. godine zbog vandala koji ga je polio sumpornom kiselinom, a zatim nožem isjekao platno.
Sliku, koja prikazuje golu devojku koja leži na krevetu u zracima nezemaljske svetlosti, Rembrandt je naslikao za svoj dom - tema je bio čuveni starogrčki mit o prelepoj Danaji, budućoj majci pobednice Meduze Perzej, i Zevs Gromovnik. Sama pojava Danae predstavljala je zagonetku istraživačima kreativnosti, koja je tek nedavno razriješena: poznato je da je Rembrandtov model bila njegova supruga Saskia van Uylenburch, ali Danaja koja je došla do nas nimalo ne liči na suprugu umjetnika. Rendgensko istraživanje platna pokazalo je da je Rembrandt djelimično prepravio Danaeino lice nakon smrti svoje žene - i učinio ga sličnim licu svoje druge ljubavnice, dadilje njegovog sina Titusa, Gertje Dirks. I Kupidon koji je lebdio iznad Danae u početku je izgledao drugačije - krilati bog se nasmijao, ali u konačnoj verziji na njegovom licu je bila zamrznuta patnja.
Nakon napada na sliku 1985. godine, restauracija je trajala 12 godina. Gubitak slike bio je 27%; najbolji majstori su radili na restauraciji Rembrandtovog remek-djela - ali nije bilo garancija za uspjeh. Srećom, platno je spašeno, sada je slika pouzdano zaštićena oklopnim staklom.
2. "Noćna straža", (1642.)
Kolosalno platno od skoro četiri metra postalo je zaista kobno u karijeri svog tvorca. Tačan naziv slike je „Nastup puške čete kapetana Fransa Banninga Koka i poručnika Willema van Ruytenburga“. Postala je „Noćna straža“ nakon što su je otkrili istoričari umetnosti, zaboravljena dva veka. Odlučeno je da slika prikazuje mušketare tokom noćne službe - a tek nakon restauracije postalo je jasno da ispod sloja čađi postoji potpuno drugačija originalna boja - sjene rječito govore o tome - radnja na platnu se odvija oko 2. popodne.
Rad je naručio Rembrandt iz streljačkog društva, jedinice civilne milicije Holandije. Grupni portret šest četa trebao je ukrasiti novu zgradu društva - Rembrandt je zamoljen da naslika četu pušaka kapetana Fransa Banning Cocka. Od umjetnika se očekivalo da napravi tradicionalni ceremonijalni portret - sve likove u nizu - ali je odlučio da prikaže mušketare u pokretu. Podebljana kompozicija, u kojoj je svaka figura što dinamičnija, nije naišla na razumijevanje kod kupaca – nezadovoljstvo je izazvalo to što su se neki od prikazanih jasno vidjeli, dok su drugi bili u pozadini. "Noćna straža" je bukvalno prekinula Rembrantovu karijeru - nakon ove slike redovni bogati klijenti su se odbili od slikara, a njegov slikarski stil se radikalno promijenio.
Inače, sudbina ove slike nije ništa manje tragična od one "Danae". Za početak, u 18. vijeku je potpuno varvarski odsječen kako bi se uklopio u novu salu Streljačkog društva. Tako su musketari Jacob Dirksen de Roy i Jan Brugman nestali sa slike. Na sreću, sačuvana je kopija originalne slike. “Noćnu stražu” su vandali napali tri puta: prvi put je izrezan veliki komad platna, drugi put je slika izbodena 10 puta, a treći put je polivena sumpornom kiselinom.
Sada se platno čuva u Rijksmuseumu - Nacionalnom muzeju Amsterdama. Ovu sliku možete gledati mnogo sati - svi likovi su tako detaljno prikazani na ogromnom platnu, i "po mjeri" (u stvari, ima 18 mušketira) i oni koje je Rembrandt dodao po vlastitom nahođenju (16 figura, najmisterioznija je djevojčica na mjestu "zlatnog preseka" slike)
3. "Blutni sin u kafani" (1635.)
Ovaj autoportret umjetnika sa voljenom suprugom Saskiom u krilu čuva se u Galeriji starih majstora u Drezdenu (poznatoj i kao Drezdenska galerija). Nema sumnje da je umjetnik naslikao ovu sliku potpuno srećan. U tom periodu svog života Rembrandt je vrijedno i plodno radio, bio popularan, primao visoke honorare za svoja djela, a među njegovim kupcima bili su poznati i bogati ljudi. Majstor je radnju iz Jevanđelja po Luki preradio u duhu vremena - rasipni sin je odjeven u kamisol i šešir širokog oboda s perom, bludnica u njegovom krilu također je odjevena po tadašnjoj modi. Inače, ovo je jedina slika autoportreta umjetnika zajedno sa suprugom - Rembrandt je u istom slikovnom prostoru napravio još jednu sliku sebe i Saskije tehnikom graviranja 1638. godine. Uprkos sveukupnom veselom tonu slike, autor nije zaboravio da vas podseti da ćete pre ili kasnije morati da platite za sve u ovom životu - o tome elokventno svedoči ploča od škriljevca u pozadini, na kojoj će vrlo brzo veseljak biti naplaćen. Da li je Rembrant mogao da pretpostavi kolika bi bila njegova sopstvena odmazda za svoj talenat?
4. "Povratak izgubljenog sina" (1666-1669)
Ovo je najveća Rembrandtova slika na vjersku temu i čuva se u Ermitažu. Semantičko središte slike snažno je pomaknuto u stranu, glavne figure su istaknute svjetlom, preostali likovi su prekriveni sjenom, što onemogućava pogriješiti prilikom čitanja prikazanog. Inače, sve Rembrandtove slike objedinjuje jedan važan detalj - unatoč općoj jasnoći glavne radnje, svaka slika sadrži misterije koje povjesničari umjetnosti ne mogu riješiti. Poput djevojke iz Noćne straže, Povratak izgubljenog sina ima likove obavijene misterijom. Ima ih četiri - neko ih konvencionalno naziva "braćom i sestrama" glavnog lika. Neki istraživači tumače žensku figuru iza stuba kao drugog, poslušnog sina - iako se tradicionalno ova uloga dodeljuje muškarcu u prvom planu. Ovaj čovjek, bradati, sa štapom u rukama, ne postavlja ništa manje pitanja - u Jevanđelju po Luki dekanov brat je dotrčao u susret rasipnom rođaku pravo s polja, ali ovdje je on prikazan prije kao plemeniti lutalica, možda čak i Večnog Jevrejina. Inače, moguće je da je Rembrandt sebe ovako prikazao - autoportreti, kao što znate, nisu neuobičajeni na njegovim slikama.
5. "Saskia kao Flora" (1634.)
Većina ženskih slika na Rembrandtovim platnima od 1934-1942 naslikana je od umjetnikove voljene supruge, Saskie van Uylenburch. Na slici drevne božice proljeća Flore, majstor je tri puta prikazao Saskiju - portret koji razmatramo nastao je u godini njihovog vjenčanja - golim okom je jasno da je Rembrandt idolizirao svoju ženu, divio joj se i stavljao sve njegova nežnost u slici.
Saskia je u vrijeme udaje imala 22 godine, a sa 17 je ostala siroče. Incident ju je spojio sa budućim mužem - došla je u Amsterdam da posjeti svoju rođaku, ženu propovjednika Johanna Cornelisa Silviusa, koja je poznavala Rembrandta. Vjenčanje je obavljeno 10. juna 1634. godine. 1942. - samo godinu dana nakon rođenja dugo očekivanog sina Tita - Saskia je umrla.
Flora-Saskia je oličenje mladosti, svježine i čednosti, toliko je šarmantne stidljivosti i djevojačke svježine u njenom izgledu. Rembrandt je na ovoj slici vješto spojio pastoralne i istorijske portrete. Inače, od tri Flore naslikane sa suprugom (druge dvije slike nastale su 1935. i 1941. godine), prva se najviše odnosi na antiku, druga dva portreta nagovještavaju mit tek jedva primjetnim detaljima. "Saskia kao Flora" čuva se u Ermitažu.