Rembrandt ve çalışmalarının kısa biyografisi. Rembrandt'ın en ünlü eserleri
Tabloları dünyanın birçok müzesinde görülebilen, bugün yeryüzündeki herkes tarafından bilinmektedir. Korku ve sevinç, şaşkınlık ve kızgınlık eserlerine o kadar doğal bir şekilde yansıyor ki, bunlara inanmamak elde değil. Çılgın popülerlik, trajik kader ve hayatın üzücü düşüşü hala dedikodu ve felsefi akıl yürütme için bir neden olmaya devam ediyor.
Gençlik
Sanatçı Rembrandt, 1606'da Ren Nehri kıyısında bulunan Hollanda'nın Leiden şehrinde bir fırıncı ailesinde doğdu. Çok erken sanatsal yeteneğini hissetti. Birkaç yıl evde okuduktan sonra genç adam, ünlü ressam Lastman'dan ders almak için Amsterdam'a gitti. Eğitim uzun sürmedi ve 19 yaşında Rembrandt Leiden'e geri döndü. Şu anda akrabalarının ve arkadaşlarının portrelerini çiziyor ve aynı zamanda kendi portrelerine de büyük önem veriyor. Yazarın birçok eseri günümüze kadar gelebilmiş ve kendisini çeşitli görüntülerde tasvir etmiştir.
itiraf
Bir gün, hevesli bir sanatçı, Cerrahlar Loncası'ndan mükemmel bir emir alır. "Anatomi Dersi" çalışması bu şekilde ortaya çıkıyor. Resim Rembrandt'ın tanınmasını sağlıyor. Hemen soyluların ve Amsterdam soylularının portreleri için elliden fazla komisyon alır. Popülerlik ile eş zamanlı olarak, ustanın refahı da büyür. Antikalar ve dönem kostümleri toplamaya başlar. Enfes dönem mobilyaları ve sanatıyla doldurduğu şık bir eve sahip olur.
saskia
Resimleri giderek daha popüler hale gelen Rembrandt, 28 yaşında zengin bir kız olan Saskia ile evlenir. Aşk için evlendi ve sadece korunmakla kalmadı, aynı zamanda sevgilisinin sermayesini de arttırdı. Rembrandt, karısını idolleştirdi ve eserlerinde genellikle onu çeşitli görüntülerde tasvir etti. Sanatçının en ünlü tablolarından biri olan Saskia ile Otoportre, genç karısıyla mutlu bir Rembrandt'ı gösteriyor. Aynı zamanda sanatçı, İncil hikayesi olan bir dizi eser için sipariş alır. Yani Rembrandt'ın "İbrahim'in Kurbanı" ve "Belşatsar Bayramı" isimleriyle yaptığı resimler var. Ayrıca “Danae” ustasının en ünlü eserlerinden biri de bu döneme aittir. Resim, sanatçı tarafından birkaç kez yeniden yazılmıştır ve çeşitli yazar seçeneklerine sahiptir.
hayatın gün batımı
Sanatçının kaygısız zamanı uzun sürmedi. Rembrandt'ın bir insanı olduğu gibi tasvir etme tarzını herkes beğenmedi. "Gece Nöbeti" resmini yazdıktan sonra inanılmaz bir skandal patladı. Tuvalde yabancı yüzler belirdi. Belki de nedeni, sevgili Saskia'nın işin ortasında tüberkülozdan ölmesiydi. Resimde, okçu figürleriyle birlikte, ustanın karısını anımsatan bir kızın siluetini görebilirsiniz. Yazarın popülaritesi düşmeye başlar. Neredeyse hiç yeni sipariş yok. Resimlerine yeni, felsefi bir anlam kazandıran Rembrandt, evini ve tüm mal varlığını kaybetmiş, sıradan insanları ve sevdiklerini resmetmeye başlar. Oğlunun imajı ve hayatının son yıllarında onu çevreleyen insanlar hakkında çok şey yazıyor. Şu anda, Rembrandt'ın resimleri "Kırmızılı yaşlı bir adamın portresi", "Titus'un oğlunun portresi okuma" ve diğer eserler başlıklarıyla doğdu. Hayatının sonunda, ustanın kaleminden başka bir başyapıt çıkar - "Müsrif Oğul'un Dönüşü". Bu resimde usta, kendisini değişken zaferin zorlu yollarında dolaşmaya zorlanan sonsuz bir gezgin olarak tasvir ediyor. 1969'da oğlunu geliniyle birlikte gömdükten sonra, Rembrandt bu dünyada sonsuza dek yaratıcı izini bırakarak ölür. Bugün, sanatçının resimleri dünyanın herhangi bir büyük müzesinde gururla yer almaktadır.
Çoğu Rembrandt. "Anatomi Dersi" (1632)
Bu resim, Rembrandt'ın Amsterdam'a taşınmasından sonra aldığı ilk büyük komisyondur. Tuval, Dr. Tulp tarafından gerçekleştirilen bir otopsiyi gösteriyor. Doktor forsepsle elinin tendonlarını tutar ve öğrencilerine parmakları nasıl bükeceklerini gösterir. O zamanlar benzer grup portreleri doktor loncaları arasında çok popülerdi. Doğru, kural olarak, grup üyeleri arka arkaya oturarak onlar için poz verdi. Resimleri doğallık ve gerçekçilik ile öne çıkan Rembrandt, öğrencileri yakın bir çevrede resmederek, Dr. Tulp'un sözlerini dikkatle dinledi. Solgun yüzler ve cesedin kendisi, resmin kasvetli ve karanlık arka planına karşı parlak ışık noktalarıyla öne çıkıyor. Çalışma, Rembrandt'a ilk popülerliği getirdi, ardından siparişler yazara inanılmaz bir hızla düştü.
"Saskia ile otoportre" (1635)
Rembrandt, hayatı boyunca inanılmaz sayıda otoportre yaptı. Bu resim en ünlülerinden biridir. Burada sanatçının sevgilisine sahip olmanın mutluluğundan duyduğu sevinç tasvir edilmiştir. Ressamın duygusal durumu, Rembrandt'ın parlak yüzüne, sanki mutluluk ve esenlikten boğuluyormuş gibi, karakterlerin açık görünümüne yansır. Bununla birlikte, portrede gizli bir provokasyon pusudadır: sonuçta sanatçı, sıradan bir fahişeyle ziyafet çeken aynı “müsrif oğul” imajında tam olarak kendini tasvir eder. Bu otoportredeki “savurgan oğul”, izleyicinin aynı isimli resimden bildiğinden ne kadar farklı!
"Dana" (1636)
Rembrandt'ın resimlerinin en ünlüsü. Perseus'un annesi Danae efsanesine dayanılarak yazılmıştır. Efsaneye göre, kızın babası kendi kızının oğlundan öleceğini öğrendi ve onu bir zindana hapsetti. Zeus tutsağa altın yağmuru şeklinde girdi, ardından Perseus doğdu. Resim, sanatçının eserinin özelliği olan olağandışı rengiyle dikkat çekiyor. Merkezde, vücudu parlak güneş ışığıyla aydınlatılan çıplak bir kadın var. Resimlerinde genellikle kendisine yakın insanları tasvir eden Rembrandt, bu görüntüde çok sevdiği eşi Saskia'nın görüntüsünü yakaladı. Bir meleğin görüntüsü, karısının ölümünden sonra atfedildi. Görünüşe göre her zaman merhumun kaderi için ağlıyor. Rembrandt, en sevdiği beyin çocuğunu uzun süre yeniden yazdı ve resmin havasını duygularına göre değiştirdi. Parıldayan tonlar ve altın vurguların kombinasyonu, sofistike ve ihtişamıyla dikkat çekiyor.
Resmin kaderi, sanatçının kendisinin hayat hikayesi gibi şaşırtıcı ve dramatik. Yazarın ölümünden sonra, şaheser birçok sahibini değiştirdi. Çalışmanın II. Catherine tarafından satın alınmasından sonra, "Danae" ünlü Hermitage koleksiyonunda gurur duydu. 1985 yılında, müzede, dünyayı Rembrandt'ın çalışmalarını düşünme fırsatından neredeyse mahrum bırakan hoş olmayan bir olay meydana geldi. Bir deli tabloya yaklaştı ve üzerine asit sıçradı. Boya hemen kabarmaya başladı. Ancak saldırgan için bu yeterli değildi: durana kadar tuval üzerinde bir bıçakla birkaç kesim yapmayı başardı. Hasar, şaheserin yaklaşık %30'unu etkiledi. Manyak, daha sonra 6 yılını bir psikiyatri kliniğinde geçiren belirli bir Bronyus Maigis olduğu ortaya çıktı. Resmin restorasyonu 12 yıl sürmüştür. Şimdi, başyapıtın vandallardan koruması altında Hermitage'da sergileniyor. Bir başka gerçek de ilginçtir. Bir sanat eseri ve onun reprodüksiyonları genellikle filme alınır. Örneğin, "Danae", "Gangster Petersburg" dizisinde Rembrandt'ın "Aegina" tablosu olarak görünür.
"Gece Nöbeti" (1642)
Resim, piyade tümeni başkanı tarafından Rembrandt'a sipariş edildi. Tuval, bir kampanya yürüten bir milis şirketini tasvir ediyor. Davulla cesaretlendirilen silahşörler, çeşitli sosyal statü ve yaştaki askerlerin yanında savaşa hazır olarak tasvir edilmiştir. Hepsi erkeklik ve vatansever dürtü ile birleşiyor. Çalışma, tüm görüntülerin ve detayların çizilmesinde titizlik ile ayırt edilir. Rembrandt'ın "Gece Nöbeti" tablosu, ona bakan izleyicilerde, olan her şeyin gerçekliğine dair tam bir duygu uyandırıyor. Yazar, tüm karakterlerin sadece dış özelliklerini değil, aynı zamanda her askerin iç dünyasını ortaya çıkarmaya çalıştı. Resmin apotheosis'i zafer takıdır - geçmiş başarıların bir sembolü ve yeni bir şanlı zaferin habercisi. Renkli renklerin (altın, siyah ve sarı) yardımıyla izleyici, ordunun ruh halinin enerjisini, dramasını ve ciddiyetini ortaya çıkarır. Ünlü bir sanatçının fırçası sayesinde her karakterin karakteri ve kaderi okunur.
Neredeyse resmin ortasında tasvir edilen kız hakkında birçok versiyon var. Tüm parlak renklerden ve melek görünümünden farklıdır. Belki de bu, milislerin bir tür maskotudur. Başka bir versiyona göre, kız, resmin ortasında başka bir dünyaya giden yazarın sevgili karısının görüntüsüdür. Bildiğiniz gibi, çalışma müşterileri memnun etmedi. Tabloyu satın aldıktan sonra tuvali vahşice kesip ziyafet salonuna astılar.
"Müsrif Oğul'un Dönüşü" (1666-1669)
Rembrandt'ın "Prodigal Oğlunun Dönüşü" adlı tablosu, ünlü sanatçının eserinin en parlak doruklarından biridir. Üstadın yaşamının son yıllarında yazılmıştır. Bu onun çok yaşlı ve zayıf olduğu, muhtaç ve aç olduğu zamandır. Müsrif oğul teması, sanatçının çalışmasında defalarca ve daha önce ortaya çıktı. Bu çalışma, ünlü yazarın uzun yıllar süren yaratıcı gezintilerinin sonuçlarını özetleyen bir sonuçtur. Resim, Rembrandt paletinin tüm sıcaklığını ve derinliğini yayar. Parıldayan renkler ve zarif bir ışık ve gölge oyunu, ana karakterlerin görüntülerini vurgular. Saygıdeğer bir yaşlı adam ve onun müsrif oğlunun kılığında, çeşitli duygular ifade edilir: tövbe ve sevgi, merhamet ve gecikmiş bir kavrayışın acısı. Sanat tarihçilerine göre ressamın tüm psikolojik yeteneği Dönüş'te ortaya çıktı. Birikmiş tüm yaratıcı deneyimini, tüm tutkusunu, tüm ilhamını yavrularına yatırdı.
Çözüm
Bu makalede sunulan Rembrandt'ın nasıl tasvir edildiğini hayal etmek bile zor. Yaratılışlarının üzerinden kaç yıl geçti, üç asırlık tarih boyunca onları donyağı mumlarından ne kadar çok kurum kapladı! Sadece doğum günlerinde nasıl göründüklerini tahmin edebiliriz. Bu arada, bugüne kadar dünyanın farklı müzelerinde ünlü ressamın yeteneğinin milyonlarca hayranı onun şaheserlerine bakmaya geliyor.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) Hollandalı ressam, ressam ve etcher idi. Yaratıcılık, ruhsal deneyimlerinin tüm zenginliğine sahip bir kişinin gerçekliği ve iç dünyasını derin, felsefi bir şekilde kavrama arzusuyla doludur.
Özünde gerçekçi ve hümanist, yüksek ahlaki idealleri, sıradan insanların güzelliğine ve onuruna olan inancını parlak bireysel ve mükemmel bir sanatsal biçimde somutlaştıran 17. yüzyıl Hollanda sanatının gelişiminin zirvesini işaret etti.
Rembrandt. "Bir fırtınaya işaret eden bir gökyüzünün altındaki kulübeler" çizimi (1635) Rembrandt'ın sanatsal mirası son derece çeşitlidir: portreler, natürmortlar, manzaralar, tür sahneleri, İncil, mitolojik ve tarihi konularda resimler. Rembrandt, emsalsiz bir çizim ve çizim ustasıydı.
Rembrandt. Gravür "Değirmen" (1641) Geleceğin büyük sanatçısı bir değirmenci ailesinde doğdu. 1620'de Leiden Üniversitesi'nde kısa bir eğitim gördükten sonra kendini sanata adadı. Leiden'de (1620 - 1623) J. van Swanenbürch ve 1623'te Amsterdam'da P. Lastman ile resim eğitimi aldı. 1625 ve 1631 yılları arasında Leiden'de çalıştı. Lastman'ın sanatçının eseri üzerindeki etkisine bir örnek resimdir " müzik alegorisi", Rembrandt tarafından 1626'da boyandı.
Rembrandt "Müzik Alegorisi" Resimlerde " Havari Pavlus"(1629 - 1630 yıl) ve" Tapınaktaki Simeon(1631) Rembrandt, görüntülerin maneviyatını ve duygusal ifadesini geliştirmek için bir araç olarak ışık gölgesini kullanan ilk kişiydi.
Rembrandt "Havari Paul" Aynı yıllarda, Rembrandt portre üzerinde çok çalıştı ve insan yüzünün yüz ifadelerini inceledi. Sanatçının bu dönemdeki yaratıcı arayışı, sanatçının aile üyelerinin bir dizi otoportresinde ve portrelerinde ifade edilir. Rembrandt 23 yaşında kendini böyle tasvir etti.
Rembrandt'ın "Kendi Portresi" 1632'de Rembrandt, kısa süre sonra varlıklı aristokrat Saskia van Uylenbruch ile evlendiği Amsterdam'a taşındı. Sanatçı için 17. yüzyılın 30'ları, aile mutluluğu ve büyük sanatsal başarı yıllarıydı. Aile çifti resimde gösteriliyor » meyhanedeki müsrif oğul"(1635).
Rembrandt "Bir Tavernada Müsrif Oğul" (1635) Aynı zamanda sanatçı tuvali boyar " Celile Denizi'nde bir fırtına sırasında Mesih"(1633). Resim, sanatçının tek deniz manzarası olması bakımından benzersizdir.
Rembrandt "Celile Denizi'ndeki Fırtınadaki Mesih" Tablo " Dr. Tulp'tan Anatomi Dersi Sanatçının bir grup portre sorununu yeni bir şekilde çözdüğü, kompozisyona kolay bir hayat verdiği ve portredeki insanları tek bir eylemle birleştirdiği ”(1632), Rembrandt'a geniş bir ün kazandırdı. Birçok sipariş aldı, atölyesinde çok sayıda öğrenci çalıştı.
Rembrandt "Dr. Tulp'un Anatomi Dersi" Zengin şehirlilerin ısmarlama portrelerinde sanatçı, yüz özelliklerini, kıyafetlerin en küçük ayrıntılarını ve lüks mücevherlerin parlaklığını dikkatlice aktardı. Bu tuval üzerinde görülebilir Hırsız portre', 1633'te yazılmıştır. Aynı zamanda, modeller genellikle iyi tanımlanmış bir sosyal özellik kazandı.
Rembrandt "Bir Hırsızın Portresi" Kompozisyonlarında daha özgür ve çeşitli, kendi portreleri ve sevdiklerinin portreleri:
- » otoportre', 1634 yılında yazılmıştır. Resim şu anda Louvre'da sergileniyor.
Rembrandt "Otoportre" (1634) - » Gülümseyen Saskia". Portre 1633'te boyandı. Bugün Dresden Sanat Galerisi'ndedir.
Rembrandt "Gülümseyen Saskia" Bu eserler, canlı spontanlıkları ve yüksek kompozisyonları, serbest boyama biçimleri, majör, ışık dolu, altın rengi şemaları ile dikkat çekiyor.
Sanatçının çalışmasındaki klasik kanonlara ve geleneklere cesur bir meydan okuma, tuval örneğinde izlenebilir » Ganymede'nin Kaçırılması', 1635'te yazılmıştır. Şu anda eser Dresden Sanat Galerisi'nde.
Rembrandt "Ganymede'nin Tecavüzü" "Danae" tablosu
Sanatçının yeni estetik görüşlerinin canlı bir düzenlemesi, anıtsal bir kompozisyondu " Danae”(1636'da yazılmıştır), burada İtalyan Rönesansının büyük ustalarıyla bir tartışmaya girer. Sanatçı, görüntünün genel kabul görmüş kanonlarına karşı çıktı ve o zamanki gerçek güzellik fikirlerinin ötesine geçen güzel bir resim yarattı.
Kadın güzelliğinin klasik ideallerinden uzak olan çıplak Danae figürü, Rembrandt cesur gerçekçi kendiliğindenlikle performans gösterdi ve sanatçı, maneviyatın yüce güzelliğine ve bir kişinin samimi hissinin sıcaklığına İtalyan ustaların görüntülerinin ideal güzelliğine karşı çıktı.
Rembrandt "Danae" (1636) Resimlerde ressam tarafından duygusal deneyimlerin ince tonları ifade edildi " David ve Yonatan» (1642) ve » kutsal Aile"(1645). Rembrandt resimlerinin yüksek kaliteli reprodüksiyonları birçok tarzda dekorasyon için kullanılabilir.
1656'da Rembrandt iflas etti ve tüm mülkü bir açık artırmada satıldı. Hayatının geri kalanını geçirdiği Amsterdam'ın Yahudi mahallesine taşınmak zorunda kaldı.
Rembrandt "Kutsal Aile" (1645) "Müsrif Oğul'un Dönüşü" tablosu.
Hayatının son yıllarında Rembrandt'ın etrafını Hollandalı kasabalıların soğuk bir yanlış anlaması sardı. Ancak sanatçı yaratmaya devam etti. Ölümünden bir yıl önce ustaca tuvalini yaratmaya başladı " Müsrif oğlunun dönüşü(1668 - 1669), tüm sanatsal, ahlaki ve etik konuların somutlaştırıldığı.
Bu resimde sanatçı, bir dizi karmaşık ve derin insani duygu yaratıyor. Resmin ana fikri, insan anlayışının, şefkatinin ve bağışlayıcılığının güzelliğidir. Duyguların doruk noktası, gerilimi ve onu takip eden tutkuların çözülme anı, baba ve oğulun anlamlı pozlarında ve ortalama, özlü jestlerinde somutlaşır.
Rembrandt "Müsrif Oğul'un Dönüşü" Rembrandt'ın otoportresi, 1661. Tuval üzerine yağlı boya, 114x91.
Kenwood House, Londra, İngiliz Mirası.
http://rembr.ru/ adresinden çizim
Rembrandt, Harmenz van Rijn (1606-1669), Hollandalı ressam, ressam ve etcher, Batı Avrupa sanatının en büyük ustalarından biri. 15 Temmuz 1606'da Leiden'de zengin bir değirmencinin ailesinde doğdu. 1620'de Leiden Üniversitesi'ne girdi, ancak orada uzun süre kalmadı ve kısa süre sonra yerel sanatçı Jacob Isaacs Swanenbürch'ün öğrencisi oldu. 1623 civarında, Jan Peynas'ın atölyesine girdiği Amsterdam'a taşındı ve tarihi resim ustası Pieter Lastman ile çalıştı. İkincisi, Rembrandt'ı İtalyan sanatının ustalarının eserleriyle tanıştırdı. 1625'ten 1631'e kadar Rembrandt, Leiden'de kendi atölyesini tuttu, bazen ressam ve oymacı Jan Lievens ile çalıştı. Rembrandt'ın öğrencileri arasında en ünlüsü Gerard Dou'dur.
1631'de veya 1632'nin sonunda Rembrandt Amsterdam'a döndü. 22 Haziran 1635'te zengin Leuwarden belediye başkanının kızı Saskia van Uilenbürch ile evlendi. 1642'de yaratıcılık ve kişisel yaşamdaki başarının yerini bir dizi talihsizlik aldı. 1630'ların sonunda, birbiri ardına dört çocuğu doğdu, ancak hepsi bebeklik döneminde öldü ve ardından 14 Haziran 1642'de sevgili karısı da aniden öldü. Sanatçı, bir yaşındaki oğlu Titus ile kaldı. Saskia'nın ölümünden kısa bir süre sonra tamamladığı The Night Watch (1642, Amsterdam, Rijksmuseum) tablosu, onun yeni yaratıcı arayışının başlangıcını işaret ediyor.
1640'ların sonlarında Hendrikje Stoffels, Rembrandt'ın gayri resmi karısı oldu (Saskia'nın vasiyetine göre ikinci kez evlenemezdi). 1654'te kızları Cornelia doğdu. Ancak, şimdi sanatçı maddi zorluklarla takip edildi. Temmuz 1656'da iflas ilan etmek zorunda kaldı ve sonraki iki yıl içinde olağanüstü koleksiyonu satıldı. Rembrandt'a yardım etmek isteyen Titus ve Hendrickje 1658'in sonunda resim ticareti yapmaya başladılar.
Sanatçının hayatının son yılları, sevdiklerinin ölümüyle gölgelendi. 24 Temmuz 1663'te Hendrikje öldü. Titus Şubat 1668'de evlendi ve altı ay sonra öldü. Şimdi Rembrandt, genç Cornelia ile yalnız kaldı. Rembrandt 4 Ekim 1669'da öldü.
Rembrandt yaklaşık 600 resim, yaklaşık 300 gravür ve 1400'den fazla çizim yaptı. Aşağıdaki, çalışmalarının kronolojik bir özetidir.
Rembrandt'ın çalışmalarının erken dönemleri, İtalyan sanatının Hollanda resmi üzerindeki etkisi bağlamında değerlendirilmelidir. İtalyan ustalardan Hollandalılar, çalışmalarında cesur natüralizm ve zıt ışık ve gölge modellemesi klasik sanat için bir meydan okuma gibi görünen Caravaggio'dan özellikle etkilendi. Gerard Terbruggen ve Rembrandt'ın öğretmeni Peter Lastman gibi sanatçılar, Caravaggio tarzında çalıştı ve yavaş yavaş karavajizmi Hollanda resminin sanatsal araçlarının cephaneliğine soktu. Rembrandt'ın Leiden dönemine (1625-1631) ait resimleri de bu eğilime aittir. Para Değiştirici (1627, Berlin) ve Bilim Adamının Çalışmasında (1629, Londra, Ulusal Galeri) resimleri, ustanın ışık efektlerini aktarmaya olan ilgisini gösterdi. Bunlardan ilki, hesap defterleriyle dolu bir köşede, iş başında gözlüklü yaşlı bir adamı tasvir ediyor. Kırışık yüzü, eliyle kapattığı tek bir mumun loş ışığıyla aydınlanıyor. İkinci resimde Rembrandt, hava dolu bir iç mekanın atmosferini aktarmaya çalıştı. Resmin ana konusu, yumuşak, titreşen ışıkla yıkanan yüksek tavanlı odanın kendisidir.
Kariyeri boyunca sanatçı, derin bir yaşam dramasının ince psikolojizm unsurlarıyla birleştirildiği konulara yöneldi. Emmaus'ta Akşam Yemeği (c. 1630, Paris, Jacquemart-André Müzesi) adlı resimde, Rembrandt'ın bu döneme ait resminin özellikleri görülmektedir. Rembrandt bu bölümü teatral bir mizansen olarak sundu. Kör edici ışığın arka planında Mesih'in silueti göze çarpıyor, tuvalin çoğu gölgeye dalmış.
Amsterdam'a taşınması ve ardından gelen büyük sanatsal başarılar Rembrandt'ın çalışmalarında yeni bir dönem açar; eserlerin yaratıldığı bu on yıl, drama ile dolu ve aynı zamanda maddi duygusallıktan yoksun, kısmen Flaman Peter Paul Rubens'in eserlerine benzer. Rembrandt'ın Amsterdam'da aldığı ilk büyük komisyon Dr. Tulip'in Anatomisiydi (1632, Lahey, Mauritshuis). Bu, ünlü bir Amsterdam doktorunun ve şehrin cerrahlar loncasındaki meslektaşlarının bir görüntüsüdür.
Rembrandt'ın 1630'larda yaptığı tarihi konulardaki resimler arasında, Samson'un Körlenmesi (1636, Frankfurt am Main, Städel Sanat Enstitüsü) özellikle dramatiktir. Konunun gerilimini artırmak için ışık yansımaları, dinamik köşegenler ve parlak renkler kullanılır; resim keskin bir hızlı hareketle doldurulur.
Rembrandt'ın bu yıllardaki resmini karakterize eden hedonizm ve teknik ustalık, en çarpıcı örneğini Saskia ile Otoportre'de bulmuş olabilir (c. 1635, Dresden, Sanat Galerisi). Burada sanatçı kendini romantik bir beyefendi kostümü içinde tasvir etti; Bir eliyle bira bardağını kaldırır, diğer eliyle kucağında oturan Saskia'ya sarılır. Renklerin parlaklığı ve vuruş özgürlüğü, sahnenin havasıyla tamamen uyumludur.
Dizlerinin üzerinde Saskia ile otoportre. 1635
1640'ların başında, Rembrandt'ın yaşamı ve sanatsal etkinliği istikrar ve düzenlilik kazandı. Raphael ve Titian'ın eserlerinin etkisi altında oluşturulan 1640 Otoportresi (Londra, Ulusal Galeri), 16. yüzyılın İtalyan modasına uygun giyinmiş, bir korkuluğa yaslanmış, kendine güvenen, mantıklı bir adamı tasvir ediyor. ; omuzları hafifçe dönmüş, bakışları izleyiciye çevrilmiştir.
Bu dönemin en ünlü tablolarından biri The Night Watch (1642, Amsterdam, Rijksmuseum). Eserin gerçek adı Yüzbaşı Frans Banning Cock ve Teğmen Willem van Reitenburg'un Bölüğü'dür. Fransız Kraliçesi Marie de Medici'nin Amsterdam'ı ziyareti ve bu vesileyle düzenlenen şehir milis birliklerinin ciddi bir çıkışı vesilesiyle yazılmıştır. Resimde hakim olan koyu arka plan, karakterlerin figürlerini daha iyi vurgulamanızı sağlar. Bu yüzden 18. yüzyılda. tablo yanlışlıkla Gece Nöbeti olarak adlandırıldı. Dr. Tulip'in Anatomisi gibi, bu resim de geleneksel grup portresinin ötesine geçiyor. 16'sı gerçek tarihi figürler olan 29 karakteri tasvir eder; resimdeki hareketleri ve konumları, izleyicinin gözleri önünde gelişen tek bir ortak eyleme tabidir. Direkler, pankartlar ve tüfekler farklı yönlerde çıkıntı yaparak kompozisyonu daha özgür ve dinamik hale getiriyor; duygu, ışık ve gölge oyunuyla güçlendirilir.
Gece nöbeti. 1642
1640'larda, Rembrandt'ın dini resmi daha az retorik hale gelir, geç ustanın eserinin özelliği olan alçakgönüllülük ve derin içsel güç ortaya çıkar. Rönesans'tan beri, Kutsal Kitap'taki olaylar genellikle kahramanca yorumlanmış ve karakterlerine fiziksel güzellik bahşedilmiştir. Rembrandt'ın vizyonu bu kavramdan çok farklıydı; Mesih, işlerinde alçakgönüllü ve uysal, aşağılanmış ve insanlar arasında görünmez görünüyor.
Adını ilk müzayedelerden birinde satıldığı fiyattan alan bir gravür olan Yüz Guilder Sheet, Hıristiyan alçakgönüllülüğü temasını işliyor. Mesih figürü kalabalığın arasından ne kıyafetlerle ne de özel bir pozisyonla öne çıkmaz, ancak izleyicinin dikkati kompozisyonun merkezine döner - ondan yayılan en ince ilahi ışık ışınlarıyla Kurtarıcı'nın yüzü. Sol tarafında, ruhun ve bedenin zayıflığından kırılanlar, zenginler ve fakirler, acıyla birleşmişlerdir. Sağda Ferisiler, inanmayanlar ve bitmek bilmeyen tartışmalara dalmışlar. Küçük çocuklar İsa'nın ayaklarına kapanıyor. Liszt'in yüz lonca gravüründe, görünür eylemin yokluğunda, Rembrandt İlahi varlığın mucizesini insan dünyasında mükemmel bir şekilde aktarmayı başardı.
1650'lerin başından itibaren, Rembrandt'ın portreleri son derece kişisel hale geldi, kompozisyonlar yapımda katı ve geometrik hale geldi ve renk şeması, üç veya dört renkten oluşan çok geniş bir renk yelpazesi haline geldi. Rembrandt'ın sanatı artık halkın sanatsal zevklerini yansıtmıyor; sanatçı şimdi yağlı boya tekniğinin özelliklerini incelemekle meşgul. Daha sonraki eserlerinde vücut bulan ve günümüzde çok değer verilen ustanın tavrı, çağdaşları için anlaşılmaz kalmıştır.
Rembrandt. "Dana". 1636.
Rembrandt'ın atölyesinin Yaldızlı Kasklı Adam (1651, Berlin-Dahlem) tablosu, ustanın geç stilinin karakteristik özelliklerini gösterir. Gri saçlı savaşçının yüzü derin, yumuşak bir gölgeye daldırılır ve miğfere ışığın yansımaları serbest, geniş, kalın vuruşlarla iletilir. Rembrandt için alışılmadık bir olay örgüsü bazen cesur sanatsal deneyler için bir fırsat olabilir. Burada bir örnek, Derili boğa karkası (1655, Paris, Louvre) tablosudur. Fırça, yaşamı ölü ete ve güzelliği çirkinliğe geri getirir. Rembrandt, insan bedeni tasvirinde klasik idealleştirmeden her zaman kaçınmıştır. Bathsheba (1654, Paris, Louvre) tablosunda, Kral David'in banyo yaparken gördüğü ve olağanüstü güzelliği için aşık olduğu kadın, banyo anında tasvir edilmez, bu hikayeyi anlatmak için sanatçılar tarafından sıklıkla seçilir ve değil. hiç güzel. Derin düşüncelere dalmış ve kocasının ölümünü öngörmüş gibi görünüyor.
Daha sonraki çalışmalarında, Rembrandt giderek Hıristiyan tarihinin olaylarının yorumlanmasına yönelir. Haçtan İniş (c. 1655, Washington, Ulusal Galeri) tablosu sadece Mesih'in ölümüne değil, aynı zamanda O'nun yasını tutanların üzüntüsüne de adanmıştır.
Rembrandt'ın bu döneme ait en ünlü dini resim eserlerinden biri Peter'ın İnkarı'dır (c. 1660, Amsterdam, Rijksmuseum). Merkezde, genç bir hizmetçi Petrus'a hitap ederken tasvir edilmiştir ve İsa'nın feragatiyle ilgili sözlerini bir kenara koyduğu bir el hareketi ile doğrulamaktadır. Ön planın alanı, hizmetçinin eliyle korunan tek bir mumla aydınlatılıyor, yüzyılın başında karavancılar arasında çok popüler olan bir teknik. Bir mumun yumuşak ışığı, ön plandaki figür ve nesnelerin şekillerini modellemektedir. Birkaç kırmızı vurgulu, kahverengimsi sarımsı bir renk düzeninde, hafif vuruşlarla yazılmıştır. Bazen formlar, bir mumu bloke eden bir hizmetçinin eli gibi, ışıkta çözülmüş veya ışıkla dolmuş gibi görünür. Peter'ın yüzünde derin bir hüzün var. Burada, sanatçının sonraki portrelerinde ve otoportrelerinde olduğu gibi, Rembrandt yaşlılığı, yıllar içinde biriktirdiği bilgeliği, teninin zayıflığı ve ruhun metanetiyle eşsiz bir beceriyle tasvir ediyor.
Rembrandt'ın portreleri yıllar içinde derinden kişiselleşir. Şair Jan Six'in (1654, Amsterdam, Six ailesinin koleksiyonu) portresinde, tasvir edilen kişi aşağıdan yukarıya zar zor farkedilir bir kısalma ile tasvir edilmiştir; Güzelce modellenmiş bir yüz dışında, portre geniş vuruşlarla hızlı ve özgürce boyanır. Renk şemasına, yeşil ve grinin çeşitli tonlarıyla kontrast oluşturan pelerin ışıltılı kırmızısı ve takım elbise düğmelerinin altın rengi hakimdir.
Hendrickje Stoffels'in (yaklaşık 1656, Berlin-Dahlem) portresinde, figür pencere açıklığının çerçevesine yazılmıştır ve sanatçı tarafından seçilen büyük ölçek nedeniyle, resim düzlemine çok yakın duruyor gibi görünmektedir. Hendrickje'nin bakışı izleyiciye çevrilmiş, duruşu serbest, başı yana eğik ve elleri çok doğal bir şekilde uzanıyor. Resmin renk şeması altın, beyaz, kırmızı ve siyah tonlarının birleşimidir.
Rembrandt'ın en iyi grup portrelerinden biri - Sindiki (1661-1662, Amsterdam, Rijksmuseum). Portrenin müşterileri Amsterdam kumaş loncasının (sendiks) temsilcileriydi. Üzerinde hesap defteri bulunan bir masanın etrafında tasvir edilirler. Sanatçı, izleyiciyi resimde olup bitenlere katılımcı yapar. Görünüşe göre hesaplarıyla meşgul olan sendikaları yeni kestik ve bu nedenle hepsi bir anlığına işinden bakar gibi izleyiciye bakıyor. Resimde düz çizgiler hakimdir, ancak tablonun dönüşü ve karmaşık ışık oyunu kompozisyonun ciddiyetini yumuşatır. Tuvalin her tarafına dağılan ışık noktaları, tablo gibi yüzeyini canlandırıyor. Bu resim, hem farklı karakterlere sahip insanları tasvir etme amacı taşıyan psikolojik bir çalışma hem de tarihi bir belge olarak dikkat çekicidir.
1661 civarında Rembrandt, Amsterdam Belediye Binası'nı süslemesi beklenen sekiz tarihi tablodan biri için görevlendirildi. Büyük bir tuval (orijinal boyutları 5x5 m) Julius Civilis'in Komplosu, çeşitli versiyonlara göre, ya belediye binasına hiç asılmadı ya da iki yıldan fazla olmayan bir süre için tahsis edilen yeri işgal etti ve ardından Ovens'in bir tablosu ile değiştirildi. aynı arsa üzerinde. Stockholm'deki Ulusal Müze'de bulunan Rembrandt'ın bu eserinin sadece bir parçası hayatta kaldı. Rembrandt, Romalı tarihçi Tacitus'un (1. yüzyıl) Annals'ında anlatılan bir olayı tasvir etti: Batav kabilesinin liderleri, Roma yönetiminden kurtulmak için bir kılıçla savaşmaya yemin ettiler. Bu çalışmanın orijinal haliyle ölçeği, Münih'te bulunan bir kompozisyon taslağından değerlendirilebilir. İlk başta masanın ve etrafında toplanan insanların, derinliği ışık ve gölge oyunuyla aktarılan büyük bir salonun boşluğunda gösterildiğini gösteriyor.
17. yüzyılda çizim genellikle büyük bir kompozisyonun geliştirilmesi, gelecekteki bir resmin bireysel detaylarının incelenmesi için bir ön taslak görevi gördü veya kartona uygulandı ve daha sonra boyama amaçlı bir yüzeye aktarıldı. Çok nadiren bir çizimin bitmiş bir sanat eseri olduğu düşünülürdü; genellikle proje tamamlandıktan sonra çizimler atılırdı. Rembrandt'ın her çizimi, fenomenlerin doğasının bir keşfi ve bir anın veya nesnenin doğasını yakalama girişimidir. Sanatçı, eski ustaların eserlerinden eskizler yaptığında, kendi sanatsal problemlerini çözerken aynı tema üzerinde kopyalar değil, varyasyonlar yarattı. 1630'larda ve 1640'larda, farklı kalınlıktaki çizgileri en iyi tepe gölgesiyle birleştirerek resim yaptı. Bazen çizimleri, sinir hattının neredeyse hiçbir zaman sürekli olmadığı hızlı eskizler gibi görünüyor.
Rembrandt, metal üzerine gravürle karşılaştırıldığında gravürün zengin olasılıklarını fark eden ilk kişiydi. Böyle bir gravür, metal bir plaka üzerine bir tasarım çizilerek oluşturulur; daha sonra plaka boya ile kaplanır, kesicinin bıraktığı girintiler doldurulur ve baskılar bir pres kullanılarak kağıda yazdırılır. Kesici, güçlü baskı ve büyük özen gerektirir. Aşındırma, aksine, büyük bir fiziksel güç gerektirmez ve çizgiler daha özgür ve daha esnektir. Metali bir keski ile çizmek yerine, plakayı aside dayanıklı vernikle kaplayan sanatçı, üzerine bir iğne ile çiziyor, ardından plakayı aside batırıyor ve metal vernik olmayan yerlere kazınıyor. Gravür, sanatçıya çok daha fazla özgürlük verir ve kağıt üzerine bir kalem gibi bir iğne ile çizebilir. Rembrandt'ın gravürlerinde çizgiler, karakalem eskizlerinde olduğu kadar özgür ve hareketlidir. Yeni etkileyici efektler elde etmek için, genellikle farklı teknikleri birleştirdi: bazen asitle kazınmış bir tahta boyunca bir keski geçirdi, bazen "kuru iğne" ile oydu - sonunda çentikli oluklar bırakan elmaslı bir alet baskıya yumuşaklık ve kadifemsilik veren metal. Örneğin, yüz loncanın Liszt'inde sanatçı tüm bu teknikleri kullandı (bu tahtadaki çalışma birkaç yıl sürdü).
Çobanlara Liszt Müjdesi (1634) gerçek bir barok tiyatro performansıdır. Çizim, açık ve koyu tonların kontrastını oluşturan yoğun şekilde yerleştirilmiş kesişen vuruşlarla yapılır. Beş yıl sonra, Tanrı'nın Annesinin Göğe Kabulü'nde, yoğun gölgeli karanlık bölgelerin baskınlığı, açık alanların baskınlığı ve ince paralel gölgeleme ile değiştirildi. Üç Ağaç oymasında (1643), görüntünün çok gölgeli parçaları ile beyaz kağıt arasındaki kontrast sınıra getirilir; gökyüzüne karşı eğimli paralel çizgiler, bir yaz fırtınası hissini mükemmel bir şekilde iletir. Rembrandt'ın gravürlerinin en dramatik olanı Üç Haç yaprağıdır (c. 1650).
"Çevremizdeki dünya" ansiklopedisinin malzemeleri kullanılır.
Müsrif oğlunun dönüşü. 1669
Hollanda gerçekçiliğinin zirvesi Rembrandt'ın eseridir. İmgelerinin doğasında var olan ideolojik içerik ve olağanüstü sanatsal beceri, Rembrandt'ı dünya sanatının en büyük temsilcileriyle aynı seviyeye getirdi. Bir ressam ve gravür ve çizim ustası olarak eşit derecede harika.
Rembrandt Harmensz van Rijn, 1606 yılında bir değirmen sahibinin oğlu olarak Leiden'de doğdu. Resim mesleği kendini çok erken gösterdi. Yerli Leiden'de gerçekleşen kariyerinin ilk yılları, yaratıcı bağımsızlık arayışı ile işaretlenmiştir. 1632'de cumhuriyetin kültürel yaşamının merkezi olan Amsterdam'a taşındı. Kendisine büyük başarı getiren “Dr. Tulp'un Anatomi Dersi”nde Rembrandt, grup portresi sorununu eylem birliği ile birleştirerek yeni bir şekilde çözüyor. Rembrandt'ın ünü büyüyor, birçok öğrenci atölyesine akın ediyor, 30'lar Rembrandt'ın hayattaki en büyük başarısının zamanı; İncil ve mitolojik konulardaki resimlerin yanı sıra çok sayıda ısmarlama portreler çiziyor, gravür ve çizim konusunda çok çalışıyor. Bu on yılın eserleri, bazen dış etkilerden arınmış olmasalar da, dramatik ifadeyle vurgulanan büyük bir canlılık duygusuyla işaretlenmiştir. 1930'ların en iyi kreasyonları arasında, geleneksel mitolojik görüntünün inanılmaz bir yaşam gerçeğinin özelliklerini kazandığı Danae var. Sanatçının resimsel sistemi şekilleniyor, burada baş rolü, görüntülerin duygusal sesini artıran ışık ve gölge kontrastları oynuyor.
1940'ların başında, Rembrandt'ın çalışmasında bir dönüm noktası yaşandı: sanatçı, daha önceki eserlerinde var olan bazı sınırlamalardan kurtuldu, gerçekçi yöntemi derinleşti, ancak bu, burjuva çevrelerinin tanınmasıyla buluşmadı. Bu konuda gösterge, Gece Nöbeti olarak bilinen ünlü tablosunun hikayesidir. Kaptan Banning Cock şirketinin atıcılarının grup portresi için bir emri yerine getiren Rembrandt, tüm gelenekleri ihlal etti. Bir tuval üzerine resmi olarak oturmuş bir dizi figür yerine, gerçekçilik ve yüksek şiirle dolu bir sokak sahnesi, bu olaydan etkilenen kentsel bir kalabalığın çevrelediği okçuların ciddi bir performansı sundu. Bu anıtsal eser, Hollanda Devrimi'nin kahramanlık zamanlarını yansıtıyor. Night Watch ile karşılaşan düşmanca karşılama, Hollanda burjuvazisinin sınırlı zevklerinin, devrimci çağın ilerici ideallerinden ayrıldığının bir göstergesiydi.
40'ların eserlerinde Rembrandt sıradan ve fakir insanların dünyasına döner - bu ortamda yüksek ahlaki asaletin, güçlü, samimi duyguların taşıyıcılarını bulur. Kutsal Aile veya Merhametli Samaritan gibi resimlerde müjde olayları günlük hayatın bölümleri olarak tasvir edilir. Bu, dini temaya özel bir sosyal anlam verir. Rembrandt'ın grafikleri de aynı yönde gelişiyor. Ünlü "Mesih Hastaları İyileştiriyor" adlı gravürde, yoksulların ve acı çekenlerin görüntüleri, kendini beğenmiş Ferisilerle karşılaştırılır.
Son 20 yıl Rembrandt'ın hayatındaki en trajik dönemdir. Burjuvazinin egemen zevkleriyle anlaşmazlığı siparişlerde azalmaya yol açtı ve 1656'da iflasla sonuçlandı: sanatçının mülkü ve koleksiyonları açık artırmada satıldı ve kendisi Amsterdam'ın en fakir mahallesine yerleşmek zorunda kaldı.
Ağır aile kayıplarının peşini bırakmaz. Ancak bu yıllarda Rembrandt'ın sanatı zirveye ulaştı. Görüntülerin anıtsal doğası, bir kişinin iç dünyasının derin ifşası, enerjisinde çarpıcı olan, içeriden yanan kırmızımsı ve kahverengimsi tonların ünsüzlerine dayanan resim - bunlar onun geç sanatı. Bu zamanın en iyi eserleri “Assur, Haman ve Esther”, “Saul'dan Önce Davut” vb. (Hollanda'nın ataları olarak kabul edilen) Batavianların Roma egemenliğine karşı kurtuluş mücadelesine.
Daha sonraki yıllarda ustanın portre sanatı zirveye ulaşır. Portrelerinde Rembrandt, herhangi bir psikolojik yönle sınırlı değildir, ancak bir kişinin tüm manevi yaşamının bir resmini, sürekli iç düşünce ve duygu hareketini verir. Rembrandt için insanın zenginliği tükenmez; aynı modele tekrar tekrar atıfta bulunarak, usta her zaman onda yeni, benzersiz bir şey bulur. Örneğin, Rembrandt yüzden fazla otoportre yarattı. Rembrandt'ın en iyi kreasyonları arasında, sanatçı Hendrikje Stoffels'in ikinci karısı, oğlu Titus okuması olan Breuning, burgomaster Six'in portreleri yer alıyor.
Rembrandt'ın eserinin finali - ünlü tablosu "Müsrif Oğul'un Dönüşü" - derin bir insani duygunun radyasyonuyla sallanıyor. 17. yüzyıl Hollanda koşullarında hümanist ideallerin öne sürülmesi, sanatçının devrimci geleneklerinden ayrılan burjuvaziden kaçınılmaz kopuşu anlamına geliyordu. Büyük ustanın 1669'daki ölümünün tamamen fark edilmemesi önemlidir.
Rembrandt'ın gerçekçiliğinin yüksek ilkelerini öğrenen birkaç öğrenci arasında erken ölen Karel Fabricius (1622-1654) ve Art de Gelder (1645-1727) vardı.
XVII yüzyılın son çeyreğinde. Hollanda sanatının tam bir gerileme dönemi başlar.
Alıntı: Dünya Tarihi. Cilt IV. M., 1958, s. 311-313.
Edebiyat:
Rovinsky D. Rembrandt'ın gravürlerinin tam koleksiyonu, cilt 1–4. Petersburg, 1890
Rembrandt. 17. yüzyılda Batı Avrupa'nın sanatsal kültürü. SPb, M., 1970
Egorova K.S. Rembrandt Harmensz van Rijn. Sanatçının Sovyetler Birliği müzelerindeki resimleri [Albüm]. L., 1971
Egorova K.S. Rembrandt'ın eserlerinde portre. M., 1975
Devamını okuyun:
Irina Nenarokomova. Rembrandt. (Çocuk romanı-gazete).
ressamlar(biyografik rehber).
Daha fazlasını çevrimiçi okuyun:
İnternet sitesi http://rembr.ru/ - Hollandalı sanatçı Rembrandt Van Rijn hakkında. Resim galerisi, sanatçının biyografisi, Rembrandt'ın hayatı üzerine kitaplar ve çalışmalar.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn [ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə(n)soːn vɑn ˈrɛin], 1606-1669) Hollandalı bir sanatçı, ressam ve oymacı, Hollanda resminin altın çağının en büyük temsilcisi olan büyük bir chiaroscuro ustasıydı. Güzel sanatların daha önce bilmediği tüm insan deneyimlerini böylesine duygusal bir zenginlikle eserlerinde somutlaştırmayı başardı. Rembrandt'ın tür bakımından son derece çeşitli olan eserleri, izleyiciye insan deneyimlerinin ve duygularının zamansız manevi dünyasını açar.
Rembrandt Harmenszoon ("Harmen'in oğlu") van Rijn, 15 Temmuz 1606'da (bazı kaynaklara göre 1607'de) Leiden'de zengin bir değirmen sahibi Harmen Gerritszoon van Rijn'in geniş bir ailesinde doğdu. Annenin ailesi, Hollanda Devrimi'nden sonra bile Katolik inancına sadık kaldı.
Leiden'de, Rembrandt üniversitedeki Latin okuluna gitti, ancak resme en büyük ilgiyi gösterdi. 13 yaşındayken, inancı gereği bir Katolik olan Leiden tarihi ressamı Jacob van Swanenbürch ile güzel sanatlar okumak için gönderildi. Araştırmacılar, Rembrandt'ın bu dönemle ilgili eserlerini bulamadılar, bu nedenle Swanenbürch'ün Rembrandt'ın yaratıcı tarzının oluşumu üzerindeki etkisi sorusu açık kalıyor: bugün bu Leiden sanatçısı hakkında çok az şey biliniyor.
1623'te Rembrandt, Amsterdam'da İtalya'da eğitim görmüş ve tarihi, mitolojik ve İncil'le ilgili konularda uzmanlaşmış Pieter Lastman ile çalıştı. 1627'de Leiden'e dönen Rembrandt, arkadaşı Jan Lievens ile birlikte kendi atölyesini açtı ve öğrenci toplamaya başladı. Birkaç yıl içinde geniş bir popülerlik kazandı.
Lastman'ın uygulamadaki çeşitlilik ve detay tutkusu genç sanatçı üzerinde büyük bir etki yarattı. Hayatta kalan ilk eserlerinde açıkça ortaya çıkıyor - "St. Stephen" (1629), "Antik Tarihten Bir Sahne" (1626) ve "Hadım Vaftizi" (1626). Olgun eserleriyle karşılaştırıldığında, alışılmadık derecede renkli olan sanatçı, İncil hikayesinin egzotik ortamını iletmek için maddi dünyanın her ayrıntısını mümkün olduğunca doğru bir şekilde yazmaya çalışıyor. Neredeyse tüm karakterler, bir ihtişam, ihtişam, şenlik atmosferi yaratan mücevherlerle parlayan tuhaf oryantal kıyafetler giymiş izleyicinin önünde belirir (“Müzik Alegorisi”, 1626; “Saul'dan Önce David”, 1627).
Dönemin son çalışmaları - "Tobit ve Anna", "Balaam ve eşek" - sadece sanatçının zengin hayal gücünü değil, aynı zamanda kahramanlarının dramatik deneyimlerini olabildiğince etkileyici bir şekilde aktarma arzusunu da yansıtıyor. Barok'un diğer ustaları gibi, keskin bir şekilde yontulmuş chiaroscuro'nun duygu aktarımındaki anlamını kavramaya başlar. Işıkla çalışmakla ilgili öğretmenleri Utrecht karavancılarıydı, ancak İtalya'da çalışan bir Alman olan Adam Elsheimer'ın çalışmaları tarafından daha da yönlendirildi. Rembrandt'ın en karavaggist resimleri “Aptal Zengin Adamın Benzetmesi” (1627), “Tapınakta Simeon ve Anna” (1628), “Emmaus'ta İsa” (1629).
Bu gruba bitişik olan Sanatçı Atölyesinde (1628; belki bu bir otoportredir), sanatçının kendi yaratımını düşünürken stüdyoda kendini yakaladığı resimdir. Üzerinde çalışılan tuval resmin önüne getirilir; onunla karşılaştırıldığında, yazarın kendisi bir cüce gibi görünüyor.
Rembrandt'ın yaratıcı biyografisinin çözülmemiş sorunlarından biri, Lievens ile sanatsal örtüşmesidir. Yan yana çalışarak, Samson ve Delilah (1628/1629) veya Lazarus'un Dirilişi (1631) gibi aynı konuyu bir kereden fazla ele aldılar. Kısmen her ikisi de, o zamanlar tüm Avrupa'nın en iyi sanatçısı olarak bilinen Rubens'e çekildi, bazen Rembrandt Livens'in sanatsal bulgularını ödünç aldı, bazen tam tersi oldu. Bu nedenle Rembrandt ve Lievens'in 1628-1632 yılları arasındaki yapıtları arasındaki ayrım, sanat tarihçileri için bazı zorluklar ortaya çıkarmaktadır. Diğer ünlü eserleri arasında "Valaam'ın eşeği" (1626) vardır.
Bu, CC-BY-SA lisansı altında kullanılan bir Wikipedia makalesinin parçasıdır. Yazının tam metni burada →
Güzel sanatların gelecekteki reformcusu, Leiden'de zengin bir değirmencinin ailesinde doğdu. Erken çocukluktan itibaren çocuk resme ilgi gösterdi, bu yüzden 13 yaşında Leiden sanatçısı Jacob van Swanenbürch'e çırak olarak gönderildi. Daha sonra Rembrandt, tarihi, mitolojik ve İncille ilgili konularda uzmanlaşmış Amsterdamlı ressam Pieter Lastman ile çalıştı.
Zaten 1627'de Rembrandt, arkadaşı Jan Lievens ile birlikte kendi atölyesini açmayı başardı - ancak 20 yaşında olan genç ressam, öğrencileri kendisi almaya başladı.
Zaten Rembrandt'ın ilk eserlerinde, özel bir resimsel stil şekillenmeye başlıyor - sanatçı karakterlerini olabildiğince duygusal olarak yazmaya çalışıyor, kelimenin tam anlamıyla tuvalin her santimetresi drama ile dolu. Yolculuğun en başında, geleceğin eşsiz ışık gölgeli çalışma ustası, bu tekniğin duyguları iletme gücünü fark etti.
1631'de Rembrandt, son derece coşkuyla karşılandığı Amsterdam'a taşındı, sanat uzmanları genç sanatçının resim stilini Rubens'in eserleriyle karşılaştırdı - bu arada Rembrandt, bu sanatçının estetiğinin çoğuna odaklanmaktan mutluydu.
Hollanda başkentindeki çalışma dönemi, Rembrandt'ın çalışmasında portre türü için bir dönüm noktası haline geldi - burada usta, kadın ve erkek kafaları üzerine birçok çalışma çiziyor, her ayrıntıyı dikkatlice inceliyor, yüz ifadelerinin tüm inceliklerini anlıyor. insan yüzü. Sanatçı zengin vatandaşları resmediyor - ünü hızla yayılıyor ve ticari başarının anahtarı haline geliyor - ve ayrıca kendi portreleri üzerinde çok çalışıyor.
Rembrandt'ın kaderi - hem kişisel hem de yaratıcı - kolay değildi. Şöhret ve başarı tarafından erkenden tercih edilen yetenekli ressam, eserinin devrimci cesaretini fark edemeyen zengin müşterilerini de birdenbire kaybetti. Rembrandt'ın mirası sadece iki yüzyıl sonra gerçekten takdir edildi - 19. yüzyılda, gerçekçi sanatçılar tam olarak Hollanda resminin altın çağının en parlak temsilcilerinden biri olan bu ustanın tuvallerinden ilham aldı.
"Akşam Moskova"dünyanın en büyük müzelerinin koleksiyonlarının incileri olan Rembrandt'ın en ünlü tablolarını hatırlamayı öneriyor.
1. "Dana" (1633-1647)
Rembrandt hakkında hiçbir şey bilmeseniz ve resimle hiç ilgilenmeseniz bile, bu resim size kesinlikle tanıdık geliyor. Petersburg Hermitage'da saklanan tuval, 1985'te, üzerine sülfürik asit döken ve ardından tuvali bir bıçakla kesen bir vandal nedeniyle neredeyse geri dönüşü olmayan bir şekilde kayboldu.
Doğaüstü ışık ışınlarında bir yatakta yatan çıplak bir kızı betimleyen tablo, Rembrandt tarafından evi için boyandı - güzel Danae, kazanan Medusa Perseus'un gelecekteki annesi ve Zeus hakkında iyi bilinen antik Yunan efsanesi Thunderer arsa olarak seçildi. Danae'nin ortaya çıkışı, yaratıcılık araştırmacıları için son zamanlarda çözmeyi başardıkları bir bilmece oluşturdu: Rembrandt'ın modelinin karısı Saskia van Uilenbürch olduğu biliniyor, ancak bize ulaşan Danae, sanatçınınki gibi değil. kadın eş. Tuvalin röntgeni incelemesi, Rembrandt'ın karısının ölümünden sonra Danae'nin yüzünü kısmen yeniden yazdığını ve ikinci sevgilisinin, oğlu Titus Gertier Dirks'in dadısının yüzüne benzediğini gösterdi. Danae'nin üzerinde uçan aşk tanrısı da başlangıçta farklı görünüyordu - kanatlı tanrı güldü ve son versiyonda acı yüzünde dondu.
1985 yılında tabloya yapılan saldırıdan sonra, onu restore etmek 12 yıl sürdü. Resim kaybı% 27 idi, en iyi ustalar Rembrandt'ın başyapıtının restorasyonu üzerinde çalıştı - ancak başarı garantisi yoktu. Neyse ki, tuval hala kurtarılmayı başardı, şimdi resim zırhlı camla güvenilir bir şekilde korunuyor.
2. "Gece nöbeti", (1642)
Muazzam, neredeyse dört metrelik tuval, yaratıcısının kariyerinde gerçekten ölümcül oldu. Resmin doğru adı "Kaptan Frans Banning Cock ve Teğmen Willem van Ruytenburg'un Tüfek Bölüğü'nün Konuşması"dır. İki asırdır unutulan sanat tarihçileri tarafından keşfedildikten sonra "Gece Nöbeti" oldu. Resmin bir gece servisi sırasında silahşörleri tasvir etmesine karar verildi - ve ancak restorasyondan sonra bir kurum tabakasının altında tamamen farklı bir orijinal rengin gizlendiği ortaya çıktı - gölgeler bunun hakkında çok iyi konuşuyor - tuval üzerindeki eylem yaklaşık 2 civarında gerçekleşiyor. öğleden sonra saat.
Çalışma, Hollanda sivil milislerinin bir müfrezesi olan Shooting Society tarafından Rembrandt'a görevlendirildi. Altı şirketin bir grup portresinin toplumun yeni binasını dekore etmesi gerekiyordu - Rembrandt'tan Kaptan Frans Banning Cock'un tüfek şirketini boyaması istendi. Sanatçıdan geleneksel bir resmi portre bekleniyordu - tüm karakterler arka arkaya - ancak silahşörleri hareket halinde tasvir etmeye karar verdi. Her figürün olabildiğince dinamik olduğu cesur kompozisyon, müşteri ile anlayış bulamadı - memnuniyetsizliğin nedeni, görüntülerden birinin açıkça görülebilmesi ve birinin arka planda olmasıydı. "Gece Nöbeti" kelimenin tam anlamıyla Rembrandt'ın kariyerini kırdı - bu resimden sonra sürekli zengin müşteriler ressamdan uzaklaştı ve yazma şekli çarpıcı bir şekilde değişti.
Bu arada, bu tuvalin kaderi Danae'ninkinden daha az trajik değil. Başlangıç olarak, 18. yüzyılda Atıcılık Cemiyeti'nin yeni salonuna sığması için tamamen barbarca kesildi. Böylece silahşörler Jacob Dirksen de Rooy ve Jan Brugman fotoğraftan kayboldu. Neyse ki, orijinal tuvalin bir kopyası korunmuştur. "Gece Nöbeti" üç kez vandalların saldırısından kurtuldu: ilk kez büyük bir tuval parçası kesildi, ikinci kez resim 10 kez bıçaklandı ve üçüncü kez sülfürik asitle ıslatıldı.
Şimdi tuval, Amsterdam Ulusal Müzesi olan Rijksmuseum'da saklanıyor. Bu resme saatlerce bakabilirsiniz - tüm karakterler, hem "ısmarlama" (aslında, silahşörler - 18 tanesi var) büyük bir tuval üzerine bu kadar ayrıntılı bir şekilde yazılmıştır ve Rembrandt tarafından kendi takdirine bağlı olarak eklenmiştir ( 16 rakam, en gizemli - resmin "altın bölümü" yerine küçük bir kız)
3. "Bir meyhanedeki müsrif oğul" (1635)
Sanatçının sevgili eşi Saskia'nın dizlerinin üzerinde olduğu bu otoportresi, Dresden'deki Eski Ustalar Galerisi'nde (diğer adıyla Dresden Galerisi) saklanmaktadır. Hiç şüphe yok ki, sanatçı bu resmi kesinlikle mutlu olarak çizdi. Hayatının bu döneminde Rembrandt sıkı ve verimli çalıştı, popülerdi, çalışmaları için yüksek ücretler aldı, müşterileri arasında ünlü ve zengin insanlar vardı. Usta, Luka İncili'nden arsayı zamanın ruhuna göre elden geçirdi - müsrif oğul bir kaşkorse ve tüylü geniş kenarlı bir şapka giymiş, dizlerinin üzerindeki fahişe de o zamanın modasına göre giyinmiş. Bu arada, bu, sanatçının karısıyla birlikte tek otoportresi - Rembrandt'ın 1638'de gravür tekniğinde yaptığı aynı pitoresk alanda kendisinin ve Saskia'nın başka bir görüntüsü. Resmin genel neşeli tonuna rağmen, yazar size er ya da geç bu hayatta her şey için ödeme yapmanız gerekeceğini hatırlatmayı unutmadı - arka plandaki arduvaz, asilerin çok yakında faturalandırılacağı bu konuda etkili bir şekilde konuşuyor. . Rembrandt, yetenek için kendi geri ödemesinin ne kadar büyük olacağını tahmin edebilir miydi?
4. "Müsrif Oğul'un Dönüşü" (1666-1669)
Bu, Rembrandt'ın dini konulu en büyük resmidir, Hermitage'da tutulur. Resmin anlamsal merkezi güçlü bir şekilde yana kaydırılır, ana figürler ışıkla vurgulanır, karakterlerin geri kalanı bir gölge ile kaplanır, bu da görüntüyü okurken hata yapmayı imkansız hale getirir. Bu arada, tüm Rembrandt'ın tuvalleri önemli bir ayrıntıyla birleşiyor - ana arsanın genel netliği ile, her resimde sanat eleştirmenlerinin çözemediği bilmeceler var. Gece Nöbeti'ndeki kız gibi, Savurgan Oğul'un Dönüşü de gizemle kaplı karakterlere sahip. Dört tane var - birileri şartlı olarak onlara kahramanın "kardeşleri" diyor. Bazı araştırmacılar, sütunun arkasındaki kadın figürünü ikinci, itaatkar bir oğul olarak yorumlar - geleneksel olarak bu rol ön planda bir erkeğe atanır. Sakallı, elinde bir kadro olan bu adam daha az soru sormaz - Luka İncili'nde, dekan sahadan müsrif akrabasıyla buluşmak için koştu ve burada oldukça asil bir gezgin, belki de Ebedi Yahudi bile . Bu arada, Rembrandt'ın kendini bu şekilde tasvir etmesi mümkündür - bildiğiniz gibi kendi portreleri resimlerinde nadir değildir.
5. "Flora Olarak Saskia" (1634)
Rembrandt'ın 1934-1942 dönemine ait tuvallerindeki kadın imgelerinin çoğu, sanatçının sevgili eşi Saskia van Uylenbürch'ten yazılmıştır. Baharın eski tanrıçası Flora'nın görüntüsünde, usta Saskia'yı üç kez tasvir etti - düşündüğümüz portre düğün yıllarında yaratıldı - Rembrandt'ın karısını idolleştirdiği, ona hayran olduğu ve koyduğu çıplak gözle görülebilir. pitoresk yaratılış içine tüm hassasiyetini.
Saskia evlendiğinde 22 yaşındaydı, 17 yaşında yetim kaldı. Bir şans onu gelecekteki kocasına getirdi - Rembrandt'a aşina olan vaiz Johann Cornelis Silvius'un karısı kuzenini ziyaret etmek için Amsterdam'a geldi. Düğün 10 Haziran 1634'te gerçekleşti. 1942'de - uzun zamandır beklenen oğlu Titus'un doğumundan sadece bir yıl sonra - Saskia öldü.
Flora-Saskia, gençliğin, tazeliğin ve iffetin vücut bulmuş halidir, görünüşünde çok çekici utangaçlık ve kız gibi tazelik vardır. Rembrandt, bu resimde pastoral ve tarihi portreyi ustaca birleştirdi. Bu arada, karısından boyanmış üç Flores'ten (1935 ve 1941'de iki resim daha yaratıldı), ilki en çok antik çağa atıfta bulunuyor, diğer iki portre ise efsaneye yalnızca zar zor farkedilen ayrıntılarla işaret ediyor. "Saskia as Flora" Hermitage'da tutulur.