Кратка биография на Рембранд и неговото творчество. Най-известните произведения на Рембранд
Неговите картини могат да се видят в много музеи по света, днес той е познат на всеки човек на Земята. Страхът и радостта, изненадата и възмущението се отразяват толкова естествено в творбите му, че е невъзможно да не им се повярва. Дивата популярност, трагичната съдба и тъжният упадък на живота все още остават повод за клюки и философски разсъждения.
Младост
Художникът Рембранд е роден в семейство на пекар през 1606 г. в холандския град Лайден, разположен на брега на Рейн. Много рано усеща артистичен талант. След като учи у дома няколко години, младежът заминава за Амстердам, за да вземе уроци от известния художник Ластман. Обучението не продължава дълго и на 19-годишна възраст Рембранд се връща обратно в Лайден. По това време той рисува портрети на семейството и приятелите си, а също така обръща голямо внимание на автопортретите. Много от творбите на автора са оцелели до днес, където той се изобразява в различни образи.
Изповед
Един ден амбициозен артист получава отлична поръчка от Гилдията на хирурзите. Така се появява произведението „Урок по анатомия“. Картината носи признание на Рембранд. Веднага получава повече от петдесет поръчки за портрети на благородници и амстердамското благородство. Едновременно с популярността расте и благосъстоянието на господаря. Започва да събира антики и епохи. Купува си луксозен дом, който изпълва с изящни антични мебели и предмети на изкуството.
Саския
На 28-годишна възраст Рембранд, чиито картини стават все по-популярни, се жени за богато момиче Саския. Той се ожени по любов и не само спаси, но и увеличи капитала на любимата си. Рембранд боготвори жена си, често я изобразява по различни начини в творбите си. Една от най-известните картини на художника, Автопортрет със Саския, показва щастлив Рембранд с младата му съпруга. По същото време художникът получава поръчка за поредица от творби с библейски сюжет. Така се появяват картините на Рембранд със заглавия „Жертвоприношението на Авраам“ и „Пирът на Валтасар“. Една от най-известните творби на майстора, „Даная“, също датира от този период. Картината е пренаписвана от художника няколко пъти и има няколко оригинални версии.
Залезът на живота
Безгрижното време на художника не продължи дълго. Не всички харесаха начина на Рембранд да изобразява човек такъв, какъвто е. След нарисуването на картината „Нощна стража“ избухна невероятен скандал. На платното се появиха непознати. Може би причината е, че по време на работа любимата му Саския умира от туберкулоза. На снимката, заедно с фигурите на стрелците, можете да видите силуета на момиче, което толкова напомня на съпругата на господаря. Популярността на автора започва да намалява. Нови поръчки почти няма. Загубил дома си и цялото си имущество, Рембранд, чиито картини придобиват нов, философски смисъл, започва да изобразява обикновени хора и близките си. Той пише много за сина си, както и за хората, които го заобикалят през последните години от живота му. По това време се раждат картините на Рембранд със заглавия „Портрет на старец в червено“, „Портрет на сина на Тит, който чете“ и други творби. В края на живота му друг шедьовър се появява от перото на майстора - „Завръщането на блудния син“. В тази картина майсторът се изобразява като вечен скитник, който е принуден да се скита по трудните пътища на променящата се слава. През 1969 г., след като погребва сина си и булката си, самият Рембранд умира, оставяйки завинаги своя творчески отпечатък върху този свят. Днес картините на художника заемат почетно място във всеки голям музей в света.
Най-много Рембранд. "Урок по анатомия" (1632)
Тази картина е първата голяма поръчка, която Рембранд получава след преместването си в Амстердам. На платното е изобразена аутопсията, извършена от д-р Тулп. Лекарят държи сухожилията на ръцете си с форцепс, показвайки на учениците си как се огъват пръстите. Такива групови портрети бяха много популярни сред лекарските гилдии по това време. Вярно е, че като правило членовете на групата позираха за тях, седнали в един ред. Рембранд, чиито картини се отличават с естественост и реализъм, изобразява ученици в тесен кръг, слушайки внимателно думите на доктор Тулп. Бледите лица и самият труп се открояват като ярки светли петна на мрачния и тъмен фон на картината. Творбата носи на Рембранд първата му популярност, след което поръчките валят върху автора с невероятна скорост.
"Автопортрет със Саския" (1635)
През целия си живот Рембранд рисува невероятен брой автопортрети. Тази картина е една от най-известните. Това изобразява радостта на художника от щастието да притежава своята любима. Емоционалното състояние на художника се отразява в отворения поглед на героите, в лъчезарното лице на Рембранд, сякаш задавено от щастие и благополучие. В портрета обаче се крие и скрита провокация: все пак художникът представя себе си в образа на същия този „блуден син“, който пирува с обикновена куртизанка. Колко различен е „блудният син” в този автопортрет от този, който публиката познава от едноименната картина!
"Даная" (1636)
Най-известната от картините на Рембранд. Написан е въз основа на мита за майката на Персей, Даная. Според легендата бащата на момичето разбрал, че ще умре от сина на собствената си дъщеря и я затворил в тъмница. Зевс влезе в затворника под формата на златен дъжд, след което се роди Персей. Картината привлича с необичайния си колорит, характерен за творчеството на художника. В центъра е гола жена, чието тяло е осветено от ярка слънчева светлина. В този образ Рембранд, чиито картини често изобразяват близки до него хора, улови образа на любимата си съпруга Саския. Образът на ангела е добавен след смъртта на съпругата му. Изглежда винаги плаче за съдбата на покойника. Рембранд прекарва дълго време в пренаписване на любимото си творение, променяйки настроението на картината в съответствие с чувствата си. Комбинацията от блестящи тонове и златисти отблясъци удивлява със своята изисканост и пищност.
Съдбата на картината е изненадваща и драматична, както и живота на самия художник. След смъртта на автора шедьовърът смени много собственици. След придобиването на произведението от Екатерина II, „Даная“ заема почетно място в известната колекция на Ермитажа. През 1985 г. в музея се случи неприятен инцидент, който почти лиши света от възможността да съзерцава творението на Рембранд. Един луд се приближи до картината и я заля с киселина. Боята веднага започна да бълбука. Но дори и това не беше достатъчно за нападателя: той успя да направи няколко порязвания на платното с нож, преди да бъде спрян. Щетите са засегнали около 30% от шедьовъра. Маниакът се оказал някой си Брониус Майгис, който по-късно прекарал 6 години в психиатрична клиника. Реставрацията на картината продължи 12 години. Сега е изложена в Ермитажа, защитавайки шедьовъра от вандали. Друг интересен факт. Произведението на изкуството и неговите репродукции често се представят във филми. Например "Даная" се появява в поредицата "Гангстерски Петербург" като картината на Рембранд "Егина".
"Нощна стража" (1642)
Картината е поръчана на Рембранд от началник на пехотна дивизия. На платното е изобразена дружина опълченци, която тръгва на поход. Мускетари, насърчени от биенето на барабани, са изобразени редом с войници от различен социален статус и възраст, готови за битка. Всички те са обединени от мъжественост и патриотичен порив. Творбата се отличава с прецизност в изобразяването на всички образи и детайли. Картината на Рембранд „Нощната стража“ предизвиква у зрителите, които я гледат, пълно усещане за реалността на всичко, което се случва. Авторът се опита не само да покаже външните черти на всички герои, но и да разкрие вътрешния свят на всеки войник. Апотеозът на картината е триумфалната арка - символ на минали успехи и предвестник на нова славна победа. С помощта на пъстри цветове (златно, черно и жълто) зрителят разкрива енергията, драмата и тържествеността на настроението на военните. Характерът и съдбата на всеки герой са разчетени благодарение на четката на известен художник.
Има много версии за момичето, изобразено почти в центъра на картината. Тя се отличава от всички останали с ярките си цветове и ангелско излъчване. Може би това е някакъв талисман на милицията. Според друга версия момичето е образът на любимата съпруга на автора, която заминава за друг свят в средата на живописта. Както знаете, работата не се хареса на клиентите. След като купиха картината, те варварски нарязаха платното и го окачиха в банкетната зала.
"Завръщането на блудния син" (1666-1669)
Картината на Рембранд „Завръщането на блудния син“ е един от най-ярките върхове в творчеството на известния художник. Написано е през последните години от живота на господаря. Това е времето, когато той беше много стар и слаб, нуждаещ се и гладен. Темата за блудния син многократно се появява в творчеството на художника. Тази творба е заключение, обобщение на многогодишните творчески странствания на известния автор. Картината излъчва цялата топлина и дълбочина на палитрата на Рембранд. Блестящи цветове и изящна игра на светлина и сенки подчертават образите на главните герои. Появата на преподобния старец и блудния му син изразява цяла гама от различни чувства: покаяние и любов, милосърдие и горчивината на закъснялото прозрение. Според изкуствоведите "Завръщането" разкрива целия психологически талант на художника. Той вложи целия си натрупан творчески опит, цялата си страст, цялото си вдъхновение в своето въображение.
Заключение
Трудно е дори да си представим как Рембранд е изобразил представените в тази статия. Колко години са минали от създаването им, колко сажди от лоени свещи са ги покрили през тривековната история! Можем само да гадаем как са изглеждали на рождените си дни. Междувременно и до днес милиони почитатели на таланта на известния художник в различни музеи по света идват да разгледат неговите шедьоври.
Рембранд Харменс ван Рейн (1606 - 1669) е холандски художник, чертожник и гравьор. Творчеството е пропито от желанието за дълбоко, философско разбиране на реалността и вътрешния свят на човека с цялото богатство на неговите духовни преживявания.
Реалистичен и хуманистичен по своята същност, той бележи върха в развитието на холандското изкуство от 17 век, въплъщавайки високи морални идеали, вяра в красотата и достойнството на обикновените хора в ярко индивидуална и съвършена художествена форма.
Рембранд. Рисунка "Хилиби под небе, предвещаващи буря" (1635) Художественото наследство на Рембранд се отличава с изключително разнообразие: портрети, натюрморти, пейзажи, жанрови сцени, картини на библейски, митологични и исторически сюжети. Рембранд е ненадминат майстор на рисуването и...
Рембранд. Офорт "Мелница" (1641) Бъдещият велик художник е роден в семейството на мелничар. След кратко обучение в Лайденския университет през 1620 г. той се посвещава на изкуството. Учи живопис при Й. ван Сваненбурх в Лайден (от 1620 - 1623) и П. Ластман в Амстердам през 1623 г. В периода от 1625 до 1631 г. работи в Лайден. Пример за влиянието на Lastman върху творчеството на художника е картината " Алегория на музиката“, рисувана от Рембранд през 1626 г.
Рембранд "Алегория на музиката" В картините" Апостол Павел"(1629 - 1630) и" Симеон в храма„(1631) Рембранд е първият, който използва светлотеницата като средство за повишаване на духовността и емоционалната изразителност на изображенията.
Рембранд "Апостол Павел" През същите тези години Рембранд работи усилено върху портрета, изучавайки израженията на човешкото лице. Творческите търсения на художника през този период се изразяват в поредица от автопортрети и портрети на членове на семейството на художника. Така се представя Рембранд на 23 години.
Рембранд "Автопортрет" През 1632 г. Рембранд се премества в Амстердам, където скоро се жени за богатата патриция Саския ван Уйленбрух. 30-те години на 17 век за художника са години на семейно щастие и огромен артистичен успех. Семейната двойка е изобразена на картината" Блудният син в таверна“ (1635).
Рембранд "Блудният син в кръчмата" (1635) В същото време художникът рисува платното" Христос по време на буря на Галилейското море“ (1633). Картината е уникална с това, че е единственият морски пейзаж на художника.
Рембранд "Христос по време на буря на Галилейското море" живопис " Урок по анатомия от д-р Тулпа"(1632), в който художникът решава проблема с груповия портрет по нов начин, придавайки на композицията жизнена лекота и обединявайки хората в портрета с едно действие, донесе широка известност на Рембранд. Получавал е много поръчки, а в работилницата му са работили множество ученици.
Рембранд "Урокът по анатомия на д-р Тулп" В поръчани портрети на богати бюргери художникът внимателно предава чертите на лицето, най-малките детайли на облеклото и блясъка на луксозните бижута. Това се вижда на платното" Портрет на бургграфа“, написана през 1633 г. В същото време моделите често получават подходящи социални характеристики.
Рембранд "Портрет на бургграфа" Неговите автопортрети и портрети на близки хора са по-свободни и разнообразни в композицията си:
- » Автопортрет“, написана през 1634 г. В момента картината е изложена в Лувъра.
Рембранд "Автопортрет" (1634) - » Усмихната Саския". Портретът е рисуван през 1633 г. Днес се намира в Дрезденската художествена галерия.
Рембранд "Усмихната Саския" Тези произведения се отличават с жива спонтанност и приповдигнатост на композицията, свободен начин на рисуване, мажорна, светла, златна цветова схема.
Смелото предизвикателство към класическите канони и традиции в творчеството на художника може да се види в примера на платното" Отвличането на Ганимед“, написана през 1635 г. В момента творбата се намира в Дрезденската художествена галерия.
Рембранд "Изнасилването на Ганимед" Картина "Даная"
Монументалната композиция беше ярко въплъщение на новите естетически възгледи на художника. Даная“(написано през 1636 г.), в което той влиза в спор с великите майстори на италианския Ренесанс. Художникът се противопостави на общоприетите канони на изобразяване и създаде красива картина, която надхвърли тогавашните представи за истинска красота.
Рембранд рисува голата фигура на Даная, далеч от класическите идеали за женска красота, със смела, реалистична спонтанност, а художникът противопоставя идеалната красота на образите на италианските майстори с възвишената красота на духовността и топлината на интимното чувство на човека .
Рембранд "Даная" (1636) Фините нюанси на емоционалните преживявания са изразени от художника в неговите картини" Давид и Джонатан"(1642) и" Свято семейство“ (1645). Висококачествени репродукции на картини на Рембранд могат да се използват за декорация в много стилове.
През 1656 г. Рембранд е обявен за несъстоятелен длъжник и цялото му имущество е продадено на публичен търг. Той е принуден да се премести в еврейския квартал на Амстердам, където прекарва остатъка от живота си.
Рембранд "Светото семейство" (1645) Картина "Завръщането на блудния син".
Студено неразбиране на холандските бюргери заобикаля Рембранд през последните години от живота му. Художникът обаче продължи да твори. Година преди смъртта си той започва да създава своето блестящо платно" Завръщането на блудния син"(1668 - 1669), в който са въплътени всички художествени, морални и етични въпроси.
В тази картина художникът създава цяла гама от сложни и дълбоки човешки чувства. Основната идея на картината е красотата на човешкото разбиране, състрадание и прошка. Кулминацията, напрежението на чувствата и последващият момент на разрешение на страстите са въплътени в изразителни пози и скъпернически, лаконични жестове на баща и син.
Рембранд "Завръщането на блудния син" Автопортрет от Рембранд, 1661 г. Маслени бои върху платно, 114x91.
Kenwood House, Лондон, английско наследство.
Илюстрация от сайта http://rembr.ru/
Рембранд, Харменц ван Рейн (1606–1669), холандски художник, чертожник и офорт, един от най-големите майстори на западноевропейското изкуство. Роден в Лайден на 15 юли 1606 г. в семейството на богат мелничар. През 1620 г. той постъпва в университета в Лайден, но не остава там дълго и скоро става ученик на местния художник Якоб Айзъкс Сваненбърч. Около 1623 г. той се премества в Амстердам, където влиза в работилницата на Ян Пейнас и учи при майстора на историческата живопис Питер Ластман. Последният запознава Рембранд с произведенията на майстори на италианското изкуство. От 1625 до 1631 г. Рембранд поддържа собствена работилница в Лайден, като понякога работи заедно с художника и гравьора Ян Ливенс. От учениците на Рембранд Жерар Ду е най-известният.
През 1631 г. или в края на 1632 г. Рембранд се завръща в Амстердам. На 22 юни 1635 г. той се жени за Саския ван Уйленбурх, дъщеря на богатия бургомистър на Леуварден. През 1642 г. успехът в творчеството и личния живот отстъпи място на поредица от нещастия. В края на 1630-те години му се раждат едно след друго четири деца, но всички умират в ранна детска възраст, а след това на 14 юни 1642 г. любимата му съпруга внезапно умира. Художникът остана с едногодишния си син Тит. Нощната стража (1642, Амстердам, Rijksmuseum), завършена малко след смъртта на Саския, бележи началото на новите му творчески изследвания.
В края на 1640-те години Хендрикье Щофелс става неофициална съпруга на Рембранд (според волята на Саския той не може да се ожени втори път). През 1654 г. се ражда дъщеря им Корнелия. Сега обаче художникът беше преследван от финансови затруднения. През юли 1656 г. той е принуден да обяви фалит и през следващите две години забележителната му колекция е разпродадена. В желанието си да помогнат на Рембранд, в края на 1658 г. Титус и Хендрикье започват да се занимават с търговия с картини.
Последните години от живота на художника бяха помрачени от смъртта на близки хора. Хендрикье умира на 24 юли 1663 г. Тит се жени през февруари 1668 г. и умира шест месеца по-късно. Сега Рембранд остана сам с младата Корнелия. Рембранд умира на 4 октомври 1669 г.
Рембранд създава около 600 картини, почти 300 офорта и повече от 1400 рисунки. По-долу е даден хронологичен преглед на работата му.
Ранният период от творчеството на Рембранд трябва да се разглежда в контекста на влиянието на италианското изкуство върху холандската живопис. От италианските майстори холандците бяха особено привлечени от Караваджо, в чиито произведения смелият натурализъм и контрастното моделиране на светлината и сенките изглеждаха предизвикателство към класическото изкуство. Художници като Герард Тербрюген и учителят на Рембранд Питър Ластман работят в стила на Караваджо, като постепенно въвеждат караваджизма в арсенала от художествени средства на холандската живопис. Картините на Рембранд от Лайденския период (1625–1631) също принадлежат към това движение. Картините на The Money Changer (1627, Берлин) и The Scientist in His Study (1629, Лондон, Национална галерия) показват интереса на майстора към предаването на светлинни ефекти. Първата от тях изобразява старец с очила на работа, в ъгъл, осеян със счетоводни книги. Набръчканото му лице е осветено от слабата светлина на една единствена свещ, която той покрива с ръка. Във втората картина Рембранд се стреми да предаде атмосферата на ефирен интериор. Основният обект на изображението е самата стая с висок таван, изпълнена с мека, трептяща светлина.
През целия си творчески път художникът се обръща към теми, в които дълбоката житейска драма е съчетана с елементи на тънък психологизъм. Картината Вечеря в Емаус (ок. 1630 г., Париж, музей Жакмар-Андре) показва характеристиките на живописта на Рембранд от този период. Рембранд представя този епизод като театрален мизансцен. Силуетът на Христос се откроява на фона на ослепителна светлина, по-голямата част от платното е потопено в сянка.
Преместването в Амстердам и големите артистични успехи, които последваха, отвориха нов период в творчеството на Рембранд; това е десетилетие, през което се създават произведения, пропити с драматизъм и в същото време нелишени от материална чувственост, отчасти свързани по дух с творчеството на фламандеца Питър Паул Рубенс. Първата голяма поръчка, която Рембранд получава в Амстердам, е картината „Анатомия на доктор Тулп“ (1632 г., Хага, Маурицхейс). Това е изображение на известен амстердамски лекар и неговите колеги от градската гилдия на хирурзите.
Сред картините на исторически теми, направени от Рембранд през 30-те години на 16 век, Ослепяването на Самсон (1636, Франкфурт на Майн, Институт по изкуства Städel) изглежда особено драматично. Проблясъци от светлина, динамични диагонали и живи цветове са използвани за повишаване на напрежението на сюжета; картината е изпълнена с рязко, бързо движение.
Хедонизмът и техническата виртуозност, които характеризират живописта на Рембранд от тези години, са може би най-ярко въплътени в Автопортрет със Саския (ок. 1635 г., Дрезден, Картинна галерия). Тук художникът се изобразява в романтичен костюм на джентълмен; Той вдига чашата си с бира с една ръка, а с другата прегръща Саския, която седи в скута му. Яркостта на цветовете и свободата на щрихите напълно съответстват на настроението на сцената.
Автопортрет със Саския в скута. 1635 г
До началото на 1640-те животът и художествената дейност на Рембранд придобиват стабилност и редовност. Автопортрет 1640 (Лондон, Национална галерия), повлиян от творбите на Рафаело и Тициан, показва уверен, разумен мъж, облечен по италианска мода от 16-ти век, облегнат на балюстрада; раменете му са леко обърнати, погледът му е насочен към зрителя.
Една от най-известните картини от този период е Нощната стража (1642 г., Амстердам, Rijksmuseum). Истинското име на произведението е Компанията на капитан Франс Банинг Кок и лейтенант Вилем ван Рютенбург. Написана е по повод посещението на френската кралица Мария дьо Медичи в Амстердам и организираното по този повод тържествено излизане на войските на градската милиция. Преобладаващият тъмен фон в картината дава възможност за по-добро открояване на фигурите на героите. Ето защо през 18в. картината е погрешно озаглавена Нощна стража. Подобно на Анатомията на доктор Тюлпе, тази картина надхвърля традиционния групов портрет. Изобразява 29 персонажа, 16 от които са реални исторически личности; техните движения и местоположение в картината са подчинени на едно общо действие, което се развива пред очите на зрителя. Стълбове, банери и мускети стърчат в различни посоки, правейки композицията по-свободна и динамична; усещането се засилва от играта на светлина и сенки.
Нощната стража. 1642 г
През 1640-те години религиозната живопис на Рембранд става по-малко реторична, в нея се появяват смирение и дълбока вътрешна сила, характерни за по-късната работа на майстора. От епохата на Ренесанса събитията от Светото писание обикновено се тълкуват по героичен начин, а героите им са надарени с физическа красота. Визията на Рембранд рязко се различава от тази концепция; Христос в делата си изглежда смирен и кротък, унизен и невидим сред хората.
Листът от сто гулдена, гравюра, която носи името си от цената, на която беше продадена на един от първите търгове, се занимава с темата за християнското смирение. Фигурата на Христос не се откроява от тълпата нито с дрехи, нито с особено положение, но вниманието на зрителя е привлечено от центъра на композицията - лицето на Спасителя с най-фините лъчи на божествена светлина, излъчвани от него. От лявата Му страна са сломените от слабостта на духа и плътта, богатите и бедните, обединени от страданието. Отдясно са фарисеите, невярващите и потънали в безкрайни спорове. Малки деца падат в краката на Христос. В гравюрата „Лист от сто гулдена“, при липса на видимо действие, Рембранд съвършено успява да предаде чудото на Божественото присъствие в света на хората.
От началото на 1650-те години портретите на Рембранд стават дълбоко лични, композициите стават строги и геометрични в конструкцията, а цветовата схема се превръща в огромен спектър от нюанси от три или четири цвята. Изкуството на Рембранд не отразява по-артистичните вкусове на публиката; Сега художникът се занимава с изследване на свойствата на маслената живопис. Светогледът на майстора, въплътен в по-късните му творби, толкова високо ценен днес, остава неразбираем за съвременниците му.
Рембранд. "Даная". 1636.
Картината Човек в позлатен шлем (1651, Берлин - Далем) от работилницата на Рембранд демонстрира характерните черти на късния стил на майстора. Лицето на сивокосия воин е потопено в дълбока мека сянка, а отраженията на светлината върху шлема са предадени в свободни, широки, плътни щрихи. За Рембранд необичайна тема понякога може да стане повод за смели художествени експерименти. Пример тук е картината „Одран труп на бик“ (1655 г., Париж, Лувър). Четката връща живота на мъртвата плът и красотата на грозотата. Рембранд винаги е избягвал класическата идеализация в изобразяването на човешкото тяло. В картината Витсавея (1654 г., Париж, Лувър) жената, която цар Давид видя да се къпе и в която се влюби заради необикновената й красота, не е изобразена в момента на къпане, толкова често избиран от художниците, за да разкаже тази история, и не е изобщо красиво. Тя е потънала в дълбок размисъл и сякаш предчувства смъртта на съпруга си.
В по-късните си работи Рембранд все повече се обръща към тълкуването на събития от християнската история. Картината „Свалянето от кръста“ (ок. 1655 г., Вашингтон, Национална галерия) е посветена не само на смъртта на Христос, но и на скръбта на скърбящите за Него.
Едно от най-известните произведения на религиозната живопис на Рембранд от този период е картината „Отричането на Петър“ (ок. 1660 г., Амстердам, Rijksmuseum). В центъра е изобразена млада прислужница, която се обръща към Петър, а той с жест на ръката си, изместена встрани, потвърждава думите си за отказ от Христос. Пространството на преден план е осветено от една свещ, която прислужницата засенчва с ръка – техника, много популярна сред караваджистите в началото на века. Меката светлина на свещ моделира формите на фигури и предмети, разположени на преден план. Рисувани са с леки щрихи, в кафеникаво-жълтеникава цветова гама с няколко червени акцента. Понякога формите сякаш се разтварят в светлината или се изпълват с нея, като ръката на прислужница, която блокира свещ. По лицето на Петър се изписва дълбока тъга. Тук, както и в по-късните портрети и автопортрети на художника, Рембранд изобразява с ненадминато майсторство старостта, с нейната мъдрост, натрупана през годините, слабостта на плътта и силата на духа.
Портретите на Рембранд също стават дълбоко лични през годините. В портрета на поета Ян Сикс (1654, Амстердам, семейна колекция Six) обектът е изобразен в едва забележима перспектива отдолу нагоре; С изключение на фино моделираното лице, портретът е рисуван бързо и свободно, с широки мазки. Цветовата гама е доминирана от искрящото червено на наметалото и златното на копчетата на костюма, контрастиращи с различни нюанси на зелено и сиво.
В портрета на Hendrikje Stoffels (ок. 1656, Берлин - Далем) фигурата е вписана в рамката на отвора на прозореца и поради големия мащаб, избран от художника, изглежда, че стои много близо до равнината на картината. Погледът на Хендрикье е насочен към зрителя, позата й е свободна, главата й е наклонена настрани, а ръцете й лежат съвсем естествено. Цветовата схема на картината е комбинация от златисти, бели, червени и черни тонове.
Един от най-добрите групови портрети на Рембранд е Syndics (1661–1662, Амстердам, Rijksmuseum). Клиенти на портрета са представители на амстердамската работилница за дрехи (sindics). Те са изобразени около маса с поставена книга за броене. Художникът прави зрителя участник в случващото се в картината. Изглежда, че току-що прекъснахме синдиците, които бяха заети с изчисленията си, и затова всички те, сякаш вдигнаха поглед за момент от работата си, поглеждат към зрителя. В картината преобладават правите линии, но завоят на масата и сложната игра на светлината смекчават строгостта на композицията. Петна светлина са разпръснати из цялото платно, оживявайки живописната му повърхност. Тази картина е забележителна както като психологическо изследване, чиято цел е да изобрази хора с различни характери, така и като исторически документ.
Около 1661 г. на Рембранд е поръчана една от осемте исторически картини, които е трябвало да украсят кметството на Амстердам. Огромното платно (първоначални размери 5-5 м) Заговорът на Юлий Цивилис, според различни версии, или никога не е било окачено в кметството, или е заемало мястото, определено за него за не повече от две години, след което е заменено с картина на Овенс на същата тема. От тази творба на Рембранд е оцелял само фрагмент, който се намира в Националния музей в Стокхолм. Рембранд изобразява събитие, описано в Анали на римския историк Тацит (1 век): водачите на племето батави се заклеват на меча да се борят за освобождение от римско владичество. Мащабът на това произведение в оригиналния му вид може да се съди по композиционната скица, намираща се в Мюнхен. Тя показва, че първоначално масата и хората, събрани около нея, са показани в пространството на огромна зала, чиято дълбочина е предадена чрез играта на светлина и сенки.
През 17 век рисунката обикновено служи като предварителна скица за разработване на голяма композиция, скица на отделни детайли на бъдещата картина или се нанася върху картон и след това се прехвърля върху повърхността, предназначена за рисуване. Много рядко една рисунка е била смятана за цялостно произведение на изкуството; Често чертежите се изхвърлят след завършване на проекта. Всяка рисунка на Рембранд е изследване на природата на явленията и опит за улавяне на характера на момент или обект. Когато художникът прави скици от произведения на стари майстори, той създава не копия, а вариации на същата тема, като решава собствените си художествени проблеми. През 1630-те и 1640-те години той рисува, като комбинира линии с различна дебелина с най-фини измивания. Понякога рисунките му изглеждат като бързи скици, където нервната линия почти не остава непрекъсната навсякъде.
Рембранд е първият, който осъзнава богатите възможности на офорта в сравнение с металната гравюра. Това гравиране се създава чрез надраскване на дизайн върху метална плоча; след това плочата се покрива с боя, запълвайки вдлъбнатините, оставени от ножа, и от нея се правят отпечатъци върху хартия с помощта на преса. Фрезата изисква силен натиск и голямо внимание. Работата върху офорта, напротив, не изисква много физическа сила, а линиите са по-свободни и по-гъвкави. Вместо да надраска метала с длето, художникът покрива плочата с киселиноустойчив лак и рисува върху нея с игла, след което потапя плочата в киселина и металът се ецва в зони без лак. Офортът дава много повече свобода на художника и той може да рисува с игла, сякаш използва химикал върху хартия. В офортите на Рембранд линиите са свободни и плавни, както в скиците с писалка. За да постигне нови изразителни ефекти, той често комбинира различни техники: понякога минаваше с фреза върху вече гравирана с киселина дъска, понякога гравираше със „суха игла“ - инструмент с диамант на края, който оставя канали с резки върху метала, придавайки меко и кадифено докосване на щампата. Например в листа от сто гулдена художникът използва всички тези техники (работата по тази дъска продължи няколко години).
Добрите новини за пастирите (1634) на Лист е истинско бароково театрално представление. Рисунката е направена с плътно разположени пресичащи се щрихи, които създават контрасти на светли и тъмни тонове. Пет години по-късно, в Успение Богородично, доминирането на гъсто засенчените тъмни зони е заменено от преобладаване на светли области и тънко паралелно засенчване. В офорта на Три дървета (1643) контрастът на гъсто засенчени фрагменти от изображение и бяла хартия е изведен до крайност; наклонените успоредни линии срещу небето перфектно предават усещането за лятна гръмотевична буря. Най-драматичната гравюра на Рембранд е листът с Три кръста (ок. 1650 г.).
Използвани са материали от енциклопедията „Светът около нас”.
Завръщането на блудния син. 1669 г
Върхът на холандския реализъм е творчеството на Рембранд. Идейното съдържание и забележителното художествено майсторство, присъщи на неговите образи, поставят Рембранд сред най-големите представители на световното изкуство. Той е еднакво велик като художник и като майстор на гравюра и рисунка.
Рембранд Гарменс ван Рейн е роден през 1606 г. в Лайден, син на собственик на мелница. Призванието му да рисува се проявява много рано. Първите години от творческия му път, преминал в родния му Лайден, са белязани от търсене на творческа независимост. През 1632 г. се премества в Амстердам - центърът на културния живот на републиката. В „Урокът по анатомия на д-р Тулп”, донесъл му голям успех, Рембранд решава проблема за груповия портрет по нов начин, обединявайки го с единство на действието. Славата на Рембранд нараства, много ученици се стичат в работилницата му, 30-те години са времето на най-големия успех на Рембранд в живота; Наред с картини на библейски и митологични сюжети, той рисува огромен брой поръчкови портрети, работи много в техниката на офорт и рисува. Творбите от това десетилетие са белязани от усещане за голяма жизненост, подчертана от драматична изразителност, въпреки че понякога не са лишени от външни ефекти. Сред най-добрите творения на 30-те години е „Даная“, където традиционен митологичен образ придобива чертите на невероятна житейска истина. Възниква изобразителната система на художника, в която водеща роля играят контрастите на светлината и сянката, засилващи емоционалния резонанс на образите.
В началото на 40-те години настъпва повратна точка в творчеството на Рембранд: художникът се освобождава от някои ограничени черти, характерни за по-ранните му творби, неговият реалистичен метод се задълбочава, което обаче не среща признание от буржоазните среди. Показателна в това отношение е историята на прочутата му картина, известна като „Нощна стража”. Изпълнявайки поръчка за групов портрет на стрелците от ротата на капитан Банинг Кок, Рембранд нарушава всички традиции. Вместо поредица от красиво седящи фигури, изобразени на едно платно, той представя улична сцена, изпълнена с реализъм и висока поезия, тържествено представление на стрелците, заобиколени от градската тълпа, привлечена от това събитие. В това монументално произведение може да се чуе ехото от героичните времена на Холандската революция. Враждебният прием, който посрещна Нощната стража, беше показател за ограничените вкусове на холандската буржоазия, нейното отклонение от прогресивните идеали на революционната епоха.
В произведенията от 40-те години Рембранд се обръща към света на простите и бедни хора - именно в тази среда той намира носители на високо морално благородство, силни, искрени чувства. Във филми като Светото семейство или Добрият самарянин евангелските събития са изобразени като епизоди от ежедневието. Това придава на религиозната тема особен социален смисъл. В същата посока се развива и графиката на Рембранд. В прочутата гравюра „Христос изцелява болните“ образите на бедните и страдащите са противопоставени на самоправедни фарисеи.
Последните 20 години са най-трагичният период в живота на Рембранд. Разминаването му с преобладаващите вкусове на буржоазията доведе до намаляване на поръчките и завърши с фалит през 1656 г.: собствеността и колекциите на художника бяха продадени на търг, а самият той беше принуден да се засели в най-бедния квартал на Амстердам.
Той е преследван от тежки семейни загуби. Но именно през тези години изкуството на Рембранд достига своя връх. Монументалната природа на образите, дълбокото разкриване на вътрешния свят на човека, удивителната енергия на картината, основана на хармонията на червеникави и кафеникави тонове, които сякаш горят отвътре - това са характеристиките на неговото късно изкуство. Най-добрите творби от това време са „Асур, Аман и Естир“, „Давид пред Саул“ и др. В същите тези години Рембранд създава своята историческа композиция, пълна с героична сила, „Заговорът на Юлий Цивилис“, посветен към освободителната борба на батавите (считани за предци на Холандия) срещу римското владичество.
През последните години портретното изкуство на майстора достига своя връх. В своите портрети Рембранд не се ограничава до нито един психологически аспект, а дава, така да се каже, картина на целия духовен живот на човек, непрекъснатото вътрешно движение на мисли и чувства. За Рембранд богатството на човешката личност е неизчерпаемо; Многократно се обръща към един и същ модел, майсторът винаги намира в него нещо ново и уникално. Например, Рембранд създава над сто автопортрети. Най-добрите творения на Рембранд включват портрети на Брьонинг, бургомистър Сикс, втората съпруга на художника Хендрикье Стофелс и неговия син Титус, който чете.
Финалът на творчеството на Рембранд - известната му картина "Завръщането на блудния син" - удивлява с излъчването на дълбоко човешко чувство. Установяването на хуманистични идеали в условията на Холандия през 17 век означаваше неизбежното скъсване на художника с буржоазията, която се отдалечи от революционните си традиции. Много показателно е, че смъртта на великия майстор през 1669 г. остава напълно незабелязана.
Сред малцината ученици, усвоили високите принципи на реализма на Рембранд, са рано починалите Карел Фабрициус (около 1622-1654) и Арт де Гелдер (1645-1727).
През последната четвърт на 17в. Започва период на пълен упадък на холандското изкуство.
Цитирано по: Световна история. Том IV. М., 1958, стр. 311-313.
Литература:
Ровински Д. Пълна колекция от гравюри на Рембранд, том 1–4. СПб., 1890 г
Рембранд. Художествената култура на Западна Европа през 17 век. СПб., М., 1970
Егорова К.С. Рембранд Гарменс ван Рейн. Картини на художника в музеите на Съветския съюз [Албум]. Л., 1971
Егорова К.С. Портрет в творбите на Рембранд. М., 1975
Прочетете още:
Ирина Ненарокомова. Рембранд. (Детски римски вестник).
Художници(биографичен справочник).
Прочетете повече в мрежата:
уебсайт http://rembr.ru/ - за холандския художник Рембранд Ван Рейн. Галерия с картини, биография на художника, книги и проучвания за живота на Рембранд.
Рембранд Харменс ван Рейн (на нидерландски: Rembrandt Harmenszoon van Rijn [ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə(n)soːn vɑn ˈrɛin], 1606-1669) - холандски художник, чертожник и гравьор, велик майстор на светотеницата, най-големият представител на златния век на холандската живопис. Той успява да въплъти в творбите си целия спектър от човешки преживявания с такова емоционално богатство, каквото изобразителното изкуство не е познавало досега. Произведенията на Рембранд, изключително разнообразни по жанр, разкриват пред зрителя непреходния духовен свят на човешките преживявания и чувства.
Рембранд Хармензон („син на Хармен“) ван Рейн е роден на 15 юли 1606 г. (според някои източници през 1607 г.) в голямото семейство на богатия собственик на мелница Хармен Герицзон ван Рейн в Лайден. Дори след холандската революция семейството на майката остава вярно на католическата религия.
В Лайден Рембранд посещава латинското училище към университета, но проявява най-голям интерес към рисуването. На 13-годишна възраст той е изпратен да учи изобразително изкуство при историческия художник от Лайден Якоб ван Сваненбърх, католик по вяра. Изследователите не са успели да намерят произведения на Рембранд, датиращи от този период, така че въпросът за влиянието на Сваненбюрх върху развитието на творческия стил на Рембранд остава открит: твърде малко се знае днес за този художник от Лайден.
През 1623 г. Рембранд учи в Амстердам при Питер Ластман, който е обучаван в Италия и специализира в исторически, митологични и библейски теми. Връщайки се в Лайден през 1627 г., Рембранд, заедно с приятеля си Ян Ливенс, отваря собствена работилница и започва да набира студенти. След няколко години той стана широко известен.
Страстта на Lastman към пъстротата и детайлите в изпълнението има огромно влияние върху младия художник. То ясно личи в първите му оцелели творби – „Убиването с камъни на Св. Стефан“ (1629), „Сцена от древната история“ (1626) и „Кръщението на евнуха“ (1626). В сравнение със зрелите му произведения, те са необичайно колоритни, художникът се стреми внимателно да опише всеки детайл от материалния свят, да предаде възможно най-точно екзотичната обстановка на библейската история. Почти всички герои се появяват пред зрителя, облечени в изискани ориенталски тоалети, блестящи с бижута, което създава атмосфера на пищност, пищност и празничност („Алегория на музиката“, 1626; „Давид преди Саул“, 1627).
Последните творби от периода - „Тобит и Анна“, „Валаам и магарето“ - отразяват не само богатото въображение на художника, но и желанието му да предаде възможно най-изразително драматичните преживявания на своите герои. Подобно на други барокови майстори, той започва да схваща стойността на остро изваяното светлосенче, за да предаде емоция. Неговите учители по отношение на работата със светлината са караваджистите от Утрехт, но в още по-голяма степен той се ръководи от трудовете на Адам Елсхаймер, германец, работил в Италия. Най-караваджистките картини на Рембранд са „Притчата за глупавия богаташ“ (1627), „Симеон и Анна в храма“ (1628), „Христос в Емаус“ (1629).
В съседство с тази група е картината „Художникът в ателието си“ (1628; може би това е автопортрет), в която художникът се е заснел в ателието в момента на съзерцаване на собственото си творение. Платното, върху което се работи, е изведено на преден план в картината; в сравнение с него самият автор изглежда като джудже.
Един от неразрешените въпроси в творческата биография на Рембранд е артистичното му припокриване с Ливенс. Работейки рамо до рамо, те се заемат с един и същ сюжет повече от веднъж, като например „Самсон и Далила“ (1628/1629) или „Възкресението на Лазар“ (1631). Отчасти и двамата бяха привлечени от Рубенс, който тогава беше известен като най-добрият художник в цяла Европа; понякога Рембранд заимства художествените открития на Ливенс, понякога беше точно обратното. Поради тази причина разграничаването между произведенията на Рембранд и Ливенс от 1628-1632 г. представлява известни трудности за историците на изкуството. Сред другите му известни произведения е „Магарето на Валаам“ (1626).
Това е част от статия в Уикипедия, използвана под лиценза CC-BY-SA. Пълният текст на статията тук →
Бъдещият реформатор на изобразителното изкуство е роден в семейството на богат мелничар в Лайден. Момчето проявява интерес към рисуването от ранна детска възраст, така че на 13-годишна възраст е чирак при художника от Лайден Якоб ван Сваненбурх. По-късно Рембранд учи при амстердамския художник Питър Ластман, който специализира в исторически, митологични и библейски теми.
Още през 1627 г. Рембранд успява да отвори собствена работилница с приятеля си Ян Ливенс - младият художник, който е едва на 20 години, започва сам да набира ученици.
Още в ранните творби на Рембранд ясно се вижда специален стил на рисуване, който започва да се оформя - художникът се стреми да рисува героите си възможно най-емоционално, буквално всеки сантиметър от платното е изпълнен с драма. В самото начало на своето пътуване бъдещият ненадминат майстор на работа с chiaroscuro осъзна силата на тази техника за предаване на емоции.
През 1631 г. Рембранд се премества в Амстердам, където е посрещнат изключително ентусиазирано; ценителите на изкуството сравняват стила на рисуване на младия художник с творбите на самия Рубенс - между другото, Рембранд с удоволствие взема примери от голяма част от естетиката на този художник.
Периодът на работа в холандската столица се превръща в забележителност за портретния жанр в творчеството на Рембранд - именно тук майсторът рисува много етюди на женски и мъжки глави, внимателно изработвайки всеки детайл, разбирайки всички тънкости на изражението на лицето на човека. лице. Художникът рисува богати жители на града - славата му се разпространява бързо и се превръща в ключ към търговския успех - и също така работи много върху автопортрети.
Съдбата на Рембранд - както лична, така и творческа - не е лесна. Рано облагодетелстван от слава и успех, талантливият художник внезапно губи и богати клиенти, които не успяват да осъзнаят революционната смелост на творбите му. Наследството на Рембранд е оценено истински едва два века по-късно - през 19 век художниците реалисти са вдъхновени от картините на този майстор, един от най-ярките представители на златния век на холандската живопис.
"Вечерна Москва“ предлага да си припомним най-известните картини на Рембранд, които са перлите на колекциите на най-големите музеи в света.
1. "Даная" (1633-1647)
Дори да не знаете нищо за Рембранд и изобщо да не се интересувате от рисуване, тази картина определено ви е позната. Платното, съхранявано в Ермитажа в Санкт Петербург, е почти изгубено завинаги през 1985 г. поради вандал, който го залива със сярна киселина и след това срязва платното с нож.
Картината, която изобразява голо момиче, лежащо на легло в лъчите на неземна светлина, е нарисувана от Рембранд за неговия дом - темата е известният древногръцки мит за красивата Даная, бъдещата майка на победителя Медуза Персей и Зевс гръмовержецът. Самата поява на Даная постави загадка за изследователите на творчеството, която беше решена едва наскоро: известно е, че моделът на Рембранд е съпругата му Саския ван Уйленбурх, но достигналата до нас Даная изобщо не прилича на съпругата на художника. Рентгеново изследване на платното показа, че Рембранд частично е пренаписал лицето на Даная след смъртта на съпругата си - и го е направил подобно на лицето на втория си любовник, бавачката на сина му Тит, Гертье Диркс. Купидон, надвиснал над Даная, също първоначално изглеждаше различно - крилатият бог се смееше, но в крайната версия на лицето му беше застинало страдание.
След нападението над картината през 1985 г. реставрацията й отне 12 години. Загубата на картината беше 27%; най-добрите майстори работиха по възстановяването на шедьовъра на Рембранд - но нямаше гаранции за успех. За щастие, платното е спасено, сега картината е надеждно защитена от бронирано стъкло.
2. "Нощна стража", (1642)
Колосалното почти четириметрово платно става наистина фатално в кариерата на своя създател. Правилното заглавие на картината е „Представяне на стрелковата рота на капитан Франс Банинг Кок и лейтенант Вилем ван Рютенбург“. Превръща се в „Нощна стража“, след като историците на изкуството я откриват, забравена в продължение на два века. Беше решено, че картината изобразява мускетари по време на нощна служба - и едва след реставрацията стана ясно, че под слоя сажди има съвсем различен оригинален цвят - сенките говорят красноречиво за това - действието на платното се развива около 2 часа следобед.
Работата е поръчана от Рембранд от Shooting Society, гражданска милиция в Холандия. Групов портрет на шест роти трябваше да украси новата сграда на дружеството - Рембранд беше помолен да нарисува стрелковата рота на капитан Франс Банинг Кок. Очакваше се художникът да направи традиционен церемониален портрет - всички герои подред - но той реши да изобрази мускетарите в движение. Смелата композиция, където всяка фигура е максимално динамична, не намери разбиране сред клиента - недоволството беше предизвикано от факта, че някои от изобразените бяха ясно видими, а други бяха на заден план. „Нощната стража“ буквално счупи кариерата на Рембранд - именно след тази картина редовните богати клиенти се отвърнаха от художника и стилът му на рисуване се промени радикално.
Между другото, съдбата на тази картина е не по-малко трагична от тази на „Даная“. Като начало през 18-ти век той е напълно варварски отсечен, за да се побере в новата зала на Стрелческото дружество. Така мускетарите Якоб Дирксен де Рой и Ян Бругман изчезнаха от снимката. За щастие е запазено копие на оригиналната картина. „Нощна стража” беше атакувана от вандали три пъти: първия път беше изрязано голямо парче платно, вторият път картината беше намушкана 10 пъти, а третият път беше залята със сярна киселина.
Сега платното се съхранява в Rijksmuseum - Националния музей на Амстердам. Можете да гледате тази картина в продължение на много часове - всички герои са изобразени толкова подробно на огромното платно, както „изработени по поръчка“ (всъщност има 18 мускетари), така и тези, добавени от Рембранд по негово усмотрение (16 фигури, най-мистериозното е момиченцето на мястото на „златните сечения“ на картината)
3. "Блудният син в кръчмата" (1635)
Този автопортрет на художника с любимата му жена Саския в скута му се съхранява в галерията на старите майстори в Дрезден (известна още като Дрезденската галерия). Няма съмнение, че художникът е нарисувал тази картина като е бил абсолютно щастлив. През този период от живота си Рембранд работи усилено и плодотворно, беше популярен, получаваше високи хонорари за творбите си, а сред клиентите му бяха известни и богати хора. Майсторът преработва сюжета от Евангелието на Лука в духа на времето - блудният син е облечен в камизолка и широкопола шапка с перо, блудницата в скута му също е облечена по тогавашната мода. Между другото, това е единствената картина на автопортрет на художника заедно със съпругата му - Рембранд прави друго изображение на себе си и Саския в същото картинно пространство, използвайки техниката на гравиране през 1638 г. Въпреки общия весел тон на картината, авторът не е пропуснал да ви напомни, че рано или късно ще трябва да платите за всичко в този живот - това красноречиво се доказва от дъската от плочи на заден план, където много скоро ще се появи празнуващият бъде таксуван. Можеше ли Рембранд да предположи колко голямо ще бъде собственото му възмездие за таланта му?
4. „Завръщането на блудния син“ (1666-1669)
Това е най-голямата картина на Рембранд на религиозна тема и се съхранява в Ермитажа. Семантичният център на картината е силно изместен встрани, основните фигури са осветени, останалите герои са покрити в сянка, което прави невъзможно да се направи грешка при четене на изобразеното. Между другото, всички картини на Рембранд са обединени от един важен детайл - въпреки общата яснота на основния сюжет, всяка картина съдържа мистерии, които историците на изкуството не могат да разрешат. Подобно на момичето от Нощната стража, Завръщането на блудния син включва герои, обвити в мистерия. Има четири от тях - някой условно ги нарича "братя и сестри" на главния герой. Някои изследователи тълкуват женската фигура зад колоната като втори, послушен син – въпреки че традиционно тази роля се възлага на мъжа на преден план. Този мъж с брада, с жезъл в ръце, повдига не по-малко въпроси - в Евангелието на Лука братът на декана изтича да посрещне блудния роднина направо от полето, но тук той е изобразен по-скоро като знатен скитник, може би дори вечният евреин. Между другото, възможно е Рембранд да се е изобразил по този начин - автопортретите, както знаете, не са рядкост в неговите картини.
5. „Саския като флора“ (1634)
Повечето от женските образи на платната на Рембранд от 1934-1942 г. са рисувани от любимата съпруга на художника Саския ван Уйленбърх. В образа на древната богиня на пролетта Флора, майсторът изобразява Саския три пъти - портретът, който обмисляме, е създаден в годината на сватбата им - ясно е с невъоръжено око, че Рембранд боготвори жена си, възхищава й се и поставя всичко неговата нежност в картината.
Саския е била на 22 години по време на брака си, тя е останала сираче. Един инцидент я събира с бъдещия й съпруг - тя идва в Амстердам, за да посети братовчедка си, съпругата на проповедника Йохан Корнелис Силвиус, който познава Рембранд. Сватбата се състоя на 10 юни 1634 г. През 1942 г. - само година след раждането на дългоочаквания син Титус - Саския почина.
Флора-Саския е въплъщение на младостта, свежестта и целомъдрието, във външния й вид има толкова много очарователна срамежливост и момичешка свежест. Рембранд умело комбинира пасторални и исторически портрети в тази картина. Между другото, от трите Флора, рисувани със съпругата си (другите две картини са създадени през 1935 и 1941 г.), първата се отнася най-много към античността, другите два портрета намекват за мита само с едва забележими детайли. "Саския като флора" се съхранява в Ермитажа.